EL PUERTO DE NOCHE : LAS HERMANAS CASPAR DAVID FIEDRICH

EL PUERTO DE NOCHE LAS HERMANAS 1820

El puerto de noche : Las hermans

óleo sobre lienzo 74 x 62 cm

Museo del Ermitage

En el Romanticismo alemán la arquitectura gótica tenía un valor estético y simbólico muy elevado, y en ocasiones era el perfil de los monumentos góticos el que reemplazaba a la visión de la naturaleza; sus agujas a los árboles, etc. Esta obra, conocida también como 'Puerto de noche: Las dos hermanas

'Es  una de las obras más enigmáticas de Friedrich. Fue expuesta por primera vez en la Academia de Dresde en agosto de 1820, bajo la descripción "Hermanas en la azotea sobre el puerto: Noche - Luz estelar", y motivó una larga serie de comentarios , pero  también se conoce a esta obra como El puerto de la noche . Las hermanas , tal como consta en el catalogo del Museo del Ermitage en el que está expuesta esta obra .

.El tratamiento del cuadro produce en el observador la impresión de un sueño o un recuerdo . Junto al parapeto de un amplio muelle , de espaldas el artista ha situado a las dos hermanas .

Las jóvenes miran al puerto de noche , las torres de la iglesia gótica- estilo preferente del autor alemán- que reflejó en varios lienzos - están muy próximas a los mástiles de los barcos . Las figuras femeninas se sitúan en el centro de la composición, equilibrándola. Ambas han sido identificadas como la propia esposa del artista, Caroline Bommer y su cuñada, esposa de su hermano Heinrich, a quien encontraron en su viaje nupcial a Greifswald en 1818. Junto a ellas se alza una cruz, probablemente de una tumba. Ambas mujeres visten trajes tradicionales alemanes, de falda larga y cuello alto, costumbre, al igual que el traje tradicional masculino, asociada a la protesta política contra la restauración absolutista.

La oscuridad iguala los contornos , pero las torres y los mástiles , que se recortan en un cielo algo más claro , parecen aproximadas de manera irreal al primer plano. El contorno de la cruz introduce un matiz místico más. El cuadro está construido sobre unas verticales muy grandes , procedimiento que enlaza a todos los elementos de la obra , dando a la composición un aire gótico. Es de destacar el buscado efecto de simetría entre las agujas góticas y los mástiles de los veleros, a la misma altura, con su sugerente recuerdo de la Cruz

Mercedes Tamara ( autora )

28-08-2016

Bibliografía : ARTEHISTORIA

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS

La niña vendedora de frutas
óleo sobre lienzo 76 x 61 cm
Museo Puskin , Moscú

Tal vez el Murillo más conocido por el público sea el de las Inmaculadas, pero hay otro Murillo, el de los niños de la calle, el de los pilluelos harapientos y piojosos que se reparten un melón robado, juegan a los dados o comparten almuerzo en aquella Sevilla que se hundía en la miseria, abrumada por los impuestos y la pujante rivalidad de Cádiz, tras la peste del 49.




El interés por los niños es recurrente en su obra y pronto pasa de la anécdota secundaria a ocupar el centro del cuadro, en línea con la evolución del sentimiento católico del Barroco, como atestiguan el Buen Pastor o los Niños de la Concha. En el Niño espulgándose, sin embargo, encontramos el primer tratamiento profano del tema. Se trata todavía de un cuadro de luces crudas, al estilo de Zurbarán, que desprende una sensación de tristeza y abandono.

Más adelante el maestro suaviza esta manera con luces tamizadas por un cielo nuboso, pincelada más amplia y fluida, que le permite un esfumado ensoñador, y gestos de una alegría vital que contrasta con los harapos que visten los niños, lo que lleva a algún crítico a afirmar que son cuadros absurdamente poéticos. Hay no obstante varias justificaciones para ello:


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En el cuadro La niña vendedora de frutas el artista pierde en gran medida la severa rectitud y despiadada  veracidad de sus predecesores , adquiere una mayor suavidad , lirismo, sensibilidad , es de una ligera y seductora idealización. Esta obra pertenece a los años cincuenta y es uno de los géneros preferidos del autor ,. Murillo subraya el carácter popular y la absoluta naturalidad de la imagen.

Los rasgos de este rostro de boca grande son sencillos y poco hermosos , pero iluminados con una alegre sonrisa . Con su inocencia , actitud confiada hacía el espectador la niña campesina suscita en éste un sentimiento de profunda simpatia Las frondosas coronas de los árboles y las ligeras nubes sobre el fondo del cielo, parecen secundar el aire lírico creado por el artista . El tono plateado unifica todos los colores de la rica gama cromática del cuadro creando una impresión etérea en el espacio.

Mercedes Tamara

16-08-2016

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos

EL MEDIODIA DE ARKADI PLÁSTOV

EL MEDIODIA 1961

El mediodia
óleo sobre lienzo 174 x 231 cmMuseo Estatal Ruso 

La vida de Arkadi Plastov estaba escrita mucho antes de su nacimiento y él no pudo renunciar a esto de ninguna forma, cumpliendo inexorablemente con su destino. Plástov recibió su educación en la cultura tradicional rusa y, al ser descendiente de sacerdotes y pintores de iconos, portaba en sus genes la representación sobre la conveniente organización divina del mundo, de la armonía y de la belleza.

El cuadro del Mediodía realizado en 1961 no sólo representa el momento álgido de día , el brillo del sol que se encuentra en su zenit, sino el apogeo de la vida en general , el florecimiento pleno de todas las fuerzas de la vida . La belleza del hombre y la naturaleza se unen en un poderoso acorde que afirma la alegría y la plenitud de la vida .

El murmurar de la fuente y el croar de la rana en la sombra fresca. Junto al pozo, los viajeros cansados, devastados por el calor de mediodía, calman la sed. En la obra, la mujer tiene la sangre caliente y el cuerpo de una campesina sana. El hombre tiene la audacia rusa, y manos abultadas y fuertes que pueden hacerlo todo. La madura belleza de los protagonistas encaja con la alegre naturaleza que bebe de los rayos de sol y del áspero aroma de las hierbas en el florido prado.

El brillante verdor de la hierba con los  resplandores de un amarillo igneo de los colores , los tonos cálidos de los cuerpos morenos con el transparente azul del agua del manantial , el cielo que se refleja en él, dan una gran fuerza artística a la obra, que le confieren una sonoridad festiva y triunfal que supera los límites de lo cotidiano.

En Mediodía, Plastov sigue con la tradición del romanticismo ruso del siglo XIX y abre una idea de fusión armónica entre las personas y la naturaleza. Además, lo hace con la libertad que se somete a una vida material sencilla y cotidiana.

Mercedes Tamara ( autora )

13-08-2016

Bibliografia . Guía de los Grandes Museos 

EL ANGELUS DE JEAN-FRANCOIS MILLET

EL ANGELUS 1859

El Angelus
óleo sobre lienzo 55, 5 x 66 cm
París, Museo de Orsay 

Jean François Millet ( 1814-1875 ) estudió en la École de Beaux-Arts y fue alumno de Paul Delaroche , como Charles François Daubigny . Debutó en el Salón en 1840. La mayoría de las obras de juventud son retratos y escenas mitológicas que recuerdan el estilo de Nicolas Poussin.

Entre 1848 y 1849 , una epidemia de cólera en París le hizo trasladarse a Barbizon , a una casa cercana a la de Théodore Russseau, donde pasó gran parte de su vida , en estrecho contacto con el grupo de paisajistas que pintaban el bosque de Fontainebleau . En 1848 presentó en el Salón El aventador ( Museo de Orsay, Paría)

A partir de este momento se dedicó casi exclusivamente a los temas rurales , en los que reviste los años felices y despreocupados de su infancia en el campo , con sus padres. Sordo a la aprobación de los críticos que rechazaban este tipo de obras , no hizo caso y eligió dedicar sus obras a la vida y al trabajo de los campesinos , que describió con gran implicación humana y emocional . Su obstinación le acabó dando la razón , y poco a poco sus obras se entendieron y revalorizaron en 1867 

En El Angelus Millet rehuye  la polémica y la sátira y prefiere el lirismo y el  ambiente sencillo del campo , con un naturalismo desnudo y esencial  , pero al mismo tiempo muy sugestivos . Las dos figuras de la obra se expresan de forma muy elemental , con un dibujo apenas sugerido y de una dosificación cuidadosa de la luz , y los colores en busca de armonías delicadas y acordes cromáticos íntimos Su naturalismo desnudo y esencial paralelo al realismo de Coubert se expresó a través de formas muy elementales 

La escena se sitúa en el momento de la oración vespertina , al cabo de la dura jornada laboral . La mujer está completamente absorta en la plegaria , con una postura que expresa toda su sencilla devoción . En cambio , el hombre parece menos concentrado y entregado .Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. No en balde, Millet convivió siempre con ellos, sufriendo sus mismas condiciones

Mercedes Tamara ( autora )

6-08-2016

Bibliografia ARTEHISTORIA 

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