miércoles, 28 de septiembre de 2016

RETRATO DE UN MUCHACHO PINTURICCHIO

RETRATO DE UN MUCHACHO 

Retrato de un muchacho
óleo sobre tabla 50 x 36 cm
Galeria de Pintura de Dresde 


La obra de Berrnardino del Betto, llamado el Pinturicchio suele revestir formas monumentales y efectos decorativos , mediante la inclusión de elementos arquitectónicos que determinan grandes espacios. 



Por eso es excepcional , en su producción el Retrato de un muchacho Cuadro en el que el valor predominante es la penetración psicológica, la observación del alma de un adolescente. Ha prescindido aquí el artista de su brillantez y de su pompa para presentar con toda sencillez la efigie de un mozalbete en esa edad en que se empieza a descubrir el mundo.


Va sencillamente vestido con un jubón cerrado y un gorrillo sobre los largos cabellos. Toda la expresión se concentra en el rostro, pues ni siquiera se le ven las manos, y ese rostro está definido con rasgos muy escuetos y muy precisos. Bastan para mostrarnos su timidez, que no le permite mirar francamente al espectador como si sintiera un receloso temor de cuanto le rodea. Con sus labios apretados y su mirada fija, revela un espíritu introvertido al que no es ajena cierta melancolía juvenil.



Pero hay también en su fisonomía una ensoñación, una vida interior en la que seguramente se forja su propia idea de la vida y del universo. Y esa visión interna, llena de fantasía, es la que pintor ha puesto como fondo del retrato, en un paisaje imaginativo, romántico, con el agua, las rocas, la ciudad y las azuladas lejanías.  


Mercedes Tamara
28-09-2016

Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta 

domingo, 25 de septiembre de 2016

LA PÉRGOLA SILVESTRE LEGA

LA PÉRGOLA 1860


La pérgola
óleo sobre lienzo 72 x 92 cm
Pinacoteca di Brera 



El término macchiaioli indica un grupo de pintores italianos activos en Toscana en la década de 1850 y en la década de 1860, que rechazaban los temas históricos y mitológicos típicas del Neoclasicismo y el Romanticismo, con el fin de hacer pinturas que retratan escenas de la vida cotidiana. Silvestre Lega pertenece a este movimiento artístico

.

La carrera artística de Lega está en sintonía con los acontecimiento históricos de su país. Partiendo de una formación académica, a medida que los aires del Risorgimento se desarrollaban, la pintura de Lega abandona paulatinamente el retrato de altos dignatarios, para centrarse en el paisaje, la pintura de campesinos, a los pequeños propietarios, más acordes con los destinos políticos y económicos que surgían, y con los que el artista comenzaba a mostrarse en sintonía.




Silvestre Lega , autor de La pérgola , ocupa un lugar importante dentro de la pintura del siglo XIX , ya que introdujo en sus obras , el estudio de la realidad paisajística y atmosférica en fecha incluso anterior a la aparición del impresionismo francés .




Este cuadro traduce las aspiraciones de la escuela toscana de los " Macchiaioli " para transcribir los ambientes de aire libre con todas sus gradaciones luminosas y cromáticas. En muchos aspectos puede compararse con las obras de la primera época de Monet .


La pérgola muestra una composición equilibrada y serena y revela , asimismo, el estudio de la pintura renacentista a su técnica de pintura que consiste en manchas y pequeñas pinceladas, sin necesidad de utilizar un dibujo preparatorio.


 
En esta pinturas los contornos de las figuras se difuminan en el intento de describir la realidad tal como aparece cuando lanzas una rápida mirada sobre ella.


Mercedes Tamara
25-09.2016



Bibliografia . Grandes Museos Edit Planeta 








viernes, 23 de septiembre de 2016

LA MARQUESA DE PONTEJOS FRANCISCO DE GOYA

LA MARQUESA DE PONTEJOS 

La marquesa de Pontejos
óleo sobre lienzo 211 x 126 cm
Galeria Nacional de Washington




La influencia del retrato inglés - especialmente de Gainsborough - va a marcar buena parte de la obra de Goya, siempre abierto a recibir nuevos aires creativos. La situación de las figuras al aire libre fue lo que más llamó la atención al aragonés de los retratos británicos.Mariana de Pontejos nació en 1762 y se casó en 1786 con el hermano del Conde de Floridablanca. Se considera la fecha de su boda como aceptable para situar la de estel retrato. 


Aparece en un jardín, vestida con un elegante traje en tonos grises adornado en la sobrefalda con cintas blancas, flores rosas y una cinta en la cintura del mismo color. Se toca con un sombrero de color crema y calza chapines de tacón. 

Asi vestida parece una modelo de alta pasarela del siglo XVIII. Goya muestra especial atención por los detalles que adornan el precioso traje y por la sensación de gasa de la sobrefalda. El paisaje otorga frescura y perspectiva al conjunto, mientras el perro en escorzo del primer plano simboliza la fidelidad. Los tonos grises, rosas, verdes y blancos empleados crean una gama cromática perfecta, otorgando mayor elegancia a la aristócrata. Con este tipo de retratos Goya triunfará en los círculos cortesanos madrileños.


Mercedes Tamara
23-09-2016

Bibliografia : Goya Edit Biblioteca El Mundo

jueves, 22 de septiembre de 2016

MUCHACHA CON VESTIDO BLANCO JAMES WHISTLER

                                            MUCHACHA CON VESTIDO BLANCO


Muchacha con vestido blanco
óleo sobre lienzo 213 x 107 cm
, National Gallery of Art, Washington


El cuadro se conoce también con el título de Retrato de Jo, por ser el modelo una amiga del pintor llamada Joanna Heffernan. Luego el mismo Whistler le llamará Sinfonía en blanco nº 1, con lo que indica que en este lienzo inició su interés por las relaciones tonales y en especial por las superposiciones de blancos sobre blancos, con extraordinaria finura en la mirada y admirable refinamiento en la dosificación. Esta pintura sitúa a Whistler en el punto de transición de su arte, después de haber estudiado con gran interés a Courbet y a otros impresionistas




La esbelta figura de la joven no es más que una excusa para demostrarnos la gran cantidad de blancos distintos que era capaz de pintar (y no son pocos): blanco puro, blanco grisáceo, blanco amarillento, beige, blanco azulado, plateado


En esta sinfonía en blanco, destacan poderosamente los ojos, los labios y el cabello pelirrojo de la modelo, que posa con auténtica de asombro (el artista no quería que sus obras reflejasen ideas o estados de ánimo de ningún tipo). Su rostro es una máscara inexpresiva, pero muy idealizada, como comprobaremos mañana cuando veamos a la misma mujer retratada por el rey del realismo, Gustave Courbet: 



Mercedes Tamara
22-09-2016

Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta 


















miércoles, 21 de septiembre de 2016

JUEGO DE CROQUET WINSLOW HOMER

JUEGO DE CROQUET 1866



Juego de croquet
óleo sobre lienzo 40 x 66 cm
Art Institute of Chicago




La influencia de la pintura francesa coetánea es evidente en esta obra de Winslow Homer , Juego de croquet que data de 1866


El juego de croquet se desarrolla en el marco de un parque que tiene por fondo la masa frondosa del follaje. Un caballero arrodillado facilita gentilmente la jugada que se apresta a iniciar una dama.

Otras dos figuras femeninas completan el cuadro. Su atmósfera se halla determinada por la clara luz solar que lo inunda, describiendo de modo diáfano la elegante indumentaria de los personajes.

Homer ha creado convincentemente el efecto de aire libre y conseguido describir con veracidad los diferentes planos del escenario. El espectador se siente, en suma, ganado por la frescura de la escena, en la que se siente la presencia de una atmósfera ligera y envolvente.

Esta obra de Homer se caracteriza técnicamente por la concisión en que han sido descritas las formas y la texturas , dentro de una línea de cierta sequedad estlística.

Mercedes Tamara
21-09-2016

Bibliografía : Grandes Museos , Edit Planeta


martes, 20 de septiembre de 2016

LA PRIMAVERA EUGÉNE DELACROIX

LA PRIMAVERA



La primavera
óleo sobre lienzo 196 x 166

Museo de Arte de Sao Paulo, Brasil





El romanticismo estilo al que pertenece el autor  se desarrolla desde la Restauración de 1815  hasta 1848 , por tanto época caracterizada por los revoluciones liberales como la que representa Delacroix y los movimientos nacionalistas 

La primavera , obra de Eugéne Delacroix , sirve admirablemente al propósito de señalar la oposición de intereses pictóricos existente en la escuela francesa de la primera mitad del siglo XIX . El cuadro formó parte de una serie de las cuatro estaciones , encargadas en 1846 por el banquero y político Fréderic Harmann . A la muerte del artista , en 1863  las obras quedaron inconclusas .

Por tal circunstancia. el lienzo permite analizar la técnica de la que se sirvió el maestro romántico para materializar un opulento sentimiento de tradición barroca , en la que concurren dosis de clasicismo y el gusto por lo literario y lo exótico. 

Se advierte , en primer lugar, la utilización de toques de color aislados  que producen en el conjunto un efecto vibrante y agitado , según un principio que antes había denominado Watteau y que más tarde daría lugar al divisionismo . En segundo término, la materia pictórica adquiere grosor y rigurosidad sobre el lienzo, de modo que la huella de la pincelada constituye en sí misma , un recurso expresivo ; de este descubrimiento habría de beneficiarse el impresionismo.

                                                                             Mercedes Tamara
                                                                              20-09-2016

Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta

domingo, 18 de septiembre de 2016

LA GAMA DEL AMOR JEAN ANTOINE WATTEAU

LA GAMA DEL AMOR  1715-1718


La gama del amor
óleo sobre lienzo 
 50,8 x 59,7 cm  National Gallery Londres








Jean-Antoine Watteau (Valenciennes; 10 de octubre de 1684 - Nogent-sur-Marne; 18 de julio de 1721), pintor francés. Es uno de los grandes genios del último barroco francés y del primer rococó. Se le atribuye la creación del género de las fêtes galantes: escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y bucólico, bañadas en un aire de teatralidad. Algunos de sus temas más conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet.


La gama del amor es el título de esta escena galante. La composición muestra , en el marco de un parque boscoso decorado el busto de un filósofo antiguo con barba que aparece sobre el músico, y que se vuelve hacia la derecha, a figuras secundarias, que participan en sus propias búsquedas y no prestan atención a los dos actores principales: un guitarrista con su traje de teatro de colores brillantes junto a una dama sentada en el suelo , la cual hojea una partitura . A la derecha , en un segundo plano que se prolonga hasta la lejanía de un lago , aparece el grupo compuesto por dos mujeres , una niña y un caballero y una pareja que camina hacía la espesura .


El diseño mejora esta relación, con la separación diagonal de las figuras cruzadas por otra que se extiende desde los pies de la chica a la parte superior de la guitarra, la guitarra y la música superposición libro en el centro.


La atmósfera intimista del entorno boscoso contrapesa la aparente frivolidad del tema En el tratamiento de la materia , dorada por la luz que tamiza el follaje , se percibe claramente la influencia de la escuela veneciana del siglo XVI y, en particular la de Veronés . Por las características de estilo de este lienzo es una de las obras de madurez de Watteau




Mercedes Tamara ( autora )
18-09-2016


Bibliografía : El Rococó Edic Taschen
                     Wikipedia





 

sábado, 17 de septiembre de 2016

ANGÉLICA ENCADENADA JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

ANGÉLICA ENCADENADA

Angélica encadenada
óleo sobre lienzo 97 x75 cm
Museo Sao Paulo 




El academicismo francés tiene a Jean Auguste Dominique Ingres como uno de los máximos representantes de este estilo. Hombre de extracción burguesa , su pintura retorna una y otra vez en el transcurso de su vida al tema del desnudo femenino , en ocasiones revestido de exotismo oriental o, como en el caso de Angélica encadenada, de connotaciones literarias




La heroína de la obra de Ariosto aparece también en otro cuadro de Ingres que posee el Museo del Louvre , cuya composición introduce además a la figura de Ruggero .




El del museo paulista presenta a la joven , con ambas manos unidas por una gruesa argolla de hierro , junto a un escualo de feroz aspecto. Pero el tema no es más que un pretexto para que el pintor se enfrasque en la obtención de unas calidades mórbidas en el desnudo femenino , por medio de un claroscuro difuminado y virtuoso .




El aspecto convincente del estudio anatómico queda anulado, sin embargo, por la insipidez del contenido y la vaciedad de la expresión en el rostro de la figura : a pesar del esfuerzo compositivo , el cuadro revela una falta de imaginación que es endémica en la producción de Ingres , autor al que hay que contemplar como extraordinario dibujante e innovador de las fórmulas del realismo clasicista






Mercedes Tamara

17-09-2016







Bibliografia Wikipedia










miércoles, 14 de septiembre de 2016

LA AGUADORA FRANCISCO DE GOYA

LA AGUADORA

La aguadora
óleo sobre lienzo 69 x 50 cm
Museo Nacional de Artes de Budapest






Este tipo de pintura La aguadora y El afilador (otro cuadro de similares características), supuso una revolución en la temática del momento puesto que aparece el pueblo como principal y único personaje.


Podría considerarse la antesala del realismo del s XIX. Algunos estudiosos de la obra de Goya piensan que el artista con este cuadro quiso hacer un elogio al comportamiento de las mujeres durante la Guerra de la Independencia, que salían como aguadoras hasta las líneas de fuego para suministrar agua, vino y aguardiente a los soldados, llegando a colaborar de forma activa en la batalla. Esta obra se encontró en la casa de Goya, lo que supone un ejemplo más de las obras que Goya no pintaba por encargo sino por gusto.



Las aguadoras tuvieron un importante papel durante los sitios de las ciudades en la Guerra de la Independencia, llevando agua fresca y animando a los hombres del frente. Goya ha presentado a esta joven en una postura muy clásica, portando una pequeña cesta en su mano derecha y el cántaro en la izquierda, apoyándolo en la cintura.




Goya nos presenta a una joven aguadora con sus utensilios, el cántaro y la cesta con vasos, más que vendiendo agua parece que esta posando para el autor. Mira con cierto desplante al espectador, actitud que se acentúa por hacerlo desde arriba, pues Goya utiliza un punto de vista bajo, reforzado por el vuelo de la falda.




Vestida popularmente, mira al espectador para implicarnos en su patriótica labor con una sonrisa en el rostro, orgullosa de su actividad. Las telas del vestido apenas están sugeridas, dejando de lado los detalles al aplicar el color de manera rápida y contundente. Un potente foco de luz resbala por la figura, haciéndola más escultórica y atractiva a la vez. Junto al Afilador, Goya ejecutó una pareja anónima que se distingue por su heroísmo y por su anticipación al Realismo decimonónico.


                                                                      Mercedes Tamara
                                                                              14-09-2016


Bibliografía : ARTEHISTORIA





lunes, 12 de septiembre de 2016

CORONACIÓN DE NAPOLEÓN I LOUIS DAVID

CORONACIÓN DE NAPOLEÓN I 

Coronación de Napoleón I
óleo sobre lienzo 610 x 951 cm
Paris Museo del Louvre 






La coronación de Napoleón I   En realidad parece ser que el mismísimo Napoleón Bonaparte encargó la obra a David, un artista que conoció gracias a su esposa y que tenía en altísima estima. El encargo su realizado casi un año antes de la coronación, el artista estuvo in situ en la Catedral de Notre Dame estudiando el templo y los planos además de asistir a la celebración, con todo la obra no empezó a ejecutarse hasta un año después en 1807.



David representó el momento exacto de la coronación, Josefina le rinde tributo al emperador mientras éste se dispone a colocarse la corona. A su alrededor una gran cantidad de dignatarios e importantes figuras eclesiásticas. Tradicionalmente se cuenta que Napoleón arrebató la corona al Papa para colocársela él mismo aunque parece que esto realmente no fue así. El simbolismo de la escena estaría más relacionado con la aceptación del papado al imperio napoleónico al estar presente y la supuesta soberanía nacional al coronarse el mismo como civil.

En torno al altar , agrupados en forma compacta , aparecen los más altos dignatarios de la corte  La obra remite a ciertos ecos clasicistas: el laurel, las decoraciones… elementos que ponen de manifiesto los parámetros artísticos seguidos por David y las reminiscencias a esplendorosas épocas del pasado como guiño al gobierno de Napoleón.

En la gama cromática hay un predominio de las tonalidades terrosas, típico de esta última etapa del artista. La luz entra desde la derecha a través de un foco exterior que no se muestra al espectador y se difunde por toda la estancia pero muy especialmente en la figura del emperador.

Mercedes Tamara
12-09-2016

Bibliografia Wikipedia
                  Historia del Arte