martes, 16 de agosto de 2016

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS
La niña vendedora de frutas
óleo sobre lienzo 76 x 61 cm
Museo Puskin , Moscú





Tal vez el Murillo más conocido por el público sea el de las Inmaculadas, pero hay otro Murillo, el de los niños de la calle, el de los pilluelos harapientos y piojosos que se reparten un melón robado, juegan a los dados o comparten almuerzo en aquella Sevilla que se hundía en la miseria, abrumada por los impuestos y la pujante rivalidad de Cádiz, tras la peste del 49.




El interés por los niños es recurrente en su obra y pronto pasa de la anécdota secundaria a ocupar el centro del cuadro, en línea con la evolución del sentimiento católico del Barroco, como atestiguan el Buen Pastor o los Niños de la Concha. En el Niño espulgándose, sin embargo, encontramos el primer tratamiento profano del tema. Se trata todavía de un cuadro de luces crudas, al estilo de Zurbarán, que desprende una sensación de tristeza y abandono.

Más adelante el maestro suaviza esta manera con luces tamizadas por un cielo nuboso, pincelada más amplia y fluida, que le permite un esfumado ensoñador, y gestos de una alegría vital que contrasta con los harapos que visten los niños, lo que lleva a algún crítico a afirmar que son cuadros absurdamente poéticos. Hay no obstante varias justificaciones para ello:


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En el cuadro La niña vendedora de frutas el artista pierde en gran medida la severa rectitud y despiadada  veracidad de sus predecesores , adquiere una mayor suavidad , lirismo, sensibilidad , es de una ligera y seductora idealización. Esta obra pertenece a los años cincuenta y es uno de los géneros preferidos del autor ,. Murillo subraya el carácter popular y la absoluta naturalidad de la imagen.

Los rasgos de este rostro de boca grande son sencillos y poco hermosos , pero iluminados con una alegre sonrisa . Con su inocencia , actitud confiada hacía el espectador la niña campesina suscita en éste un sentimiento de profunda simpatia Las frondosas coronas de los árboles y las ligeras nubes sobre el fondo del cielo, parecen secundar el aire lírico creado por el artista . El tono plateado unifica todos los colores de la rica gama cromática del cuadro creando una impresión etérea en el espacio.


Mercedes Tamara
16-08-2016

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos

sábado, 13 de agosto de 2016

EL MEDIODIA DE ARKADI PLÁSTOV

EL MEDIODIA 1961
El mediodia
óleo sobre lienzo 174 x 231 cmMuseo Estatal Ruso 
La vida de Arkadi Plastov estaba escrita mucho antes de su nacimiento y él no pudo renunciar a esto de ninguna forma, cumpliendo inexorablemente con su destino. Plástov recibió su educación en la cultura tradicional rusa y, al ser descendiente de sacerdotes y pintores de iconos, portaba en sus genes la representación sobre la conveniente organización divina del mundo, de la armonía y de la belleza.


El cuadro del Mediodía realizado en 1961 no sólo representa el momento álgido de día , el brillo del sol que se encuentra en su zenit, sino el apogeo de la vida en general , el florecimiento pleno de todas las fuerzas de la vida . La belleza del hombre y la naturaleza se unen en un poderoso acorde que afirma la alegría y la plenitud de la vida .

El murmurar de la fuente y el croar de la rana en la sombra fresca. Junto al pozo, los viajeros cansados, devastados por el calor de mediodía, calman la sed. En la obra, la mujer tiene la sangre caliente y el cuerpo de una campesina sana. El hombre tiene la audacia rusa, y manos abultadas y fuertes que pueden hacerlo todo. La madura belleza de los protagonistas encaja con la alegre naturaleza que bebe de los rayos de sol y del áspero aroma de las hierbas en el florido prado.

El brillante verdor de la hierba con los  resplandores de un amarillo igneo de los colores , los tonos cálidos de los cuerpos morenos con el transparente azul del agua del manantial , el cielo que se refleja en él, dan una gran fuerza artística a la obra, que le confieren una sonoridad festiva y triunfal que supera los límites de lo cotidiano.

En Mediodía, Plastov sigue con la tradición del romanticismo ruso del siglo XIX y abre una idea de fusión armónica entre las personas y la naturaleza. Además, lo hace con la libertad que se somete a una vida material sencilla y cotidiana.


Mercedes Tamara ( autora )
13-08-2016

Bibliografia . Guía de los Grandes Museos 









sábado, 6 de agosto de 2016

EL ANGELUS DE JEAN-FRANCOIS MILLET

EL ANGELUS 1859
El Angelus
óleo sobre lienzo 55, 5 x 66 cm
París, Museo de Orsay 


Jean François Millet ( 1814-1875 ) estudió en la École de Beaux-Arts y fue alumno de Paul Delaroche , como Charles François Daubigny . Debutó en el Salón en 1840. La mayoría de las obras de juventud son retratos y escenas mitológicas que recuerdan el estilo de Nicolas Poussin.

Entre 1848 y 1849 , una epidemia de cólera en París le hizo trasladarse a Barbizon , a una casa cercana a la de Théodore Russseau, donde pasó gran parte de su vida , en estrecho contacto con el grupo de paisajistas que pintaban el bosque de Fontainebleau . En 1848 presentó en el Salón El aventador ( Museo de Orsay, Paría)


A partir de este momento se dedicó casi exclusivamente a los temas rurales , en los que reviste los años felices y despreocupados de su infancia en el campo , con sus padres. Sordo a la aprobación de los críticos que rechazaban este tipo de obras , no hizo caso y eligió dedicar sus obras a la vida y al trabajo de los campesinos , que describió con gran implicación humana y emocional . Su obstinación le acabó dando la razón , y poco a poco sus obras se entendieron y revalorizaron en 1867 

En El Angelus Millet rehuye  la polémica y la sátira y prefiere el lirismo y el  ambiente sencillo del campo , con un naturalismo desnudo y esencial  , pero al mismo tiempo muy sugestivos . Las dos figuras de la obra se expresan de forma muy elemental , con un dibujo apenas sugerido y de una dosificación cuidadosa de la luz , y los colores en busca de armonías delicadas y acordes cromáticos íntimos Su naturalismo desnudo y esencial paralelo al realismo de Coubert se expresó a través de formas muy elementales 

La escena se sitúa en el momento de la oración vespertina , al cabo de la dura jornada laboral . La mujer está completamente absorta en la plegaria , con una postura que expresa toda su sencilla devoción . En cambio , el hombre parece menos concentrado y entregado .Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. No en balde, Millet convivió siempre con ellos, sufriendo sus mismas condiciones

Mercedes Tamara ( autora )
6-08-2016

Bibliografia ARTEHISTORIA 
                  Wikipedia 




lunes, 1 de agosto de 2016

CATALINA I JEAN MARC NATTIER

CATALINA I  1717


Catalina I
óleo sobre lienzo 142,5 x 110 cm
Museo del Ermitage , San Petesburgo
Miembro de una familia de artistas, su padre era el pintor de retratos Marc Nattier y su madre la miniaturista Marie Nattier. Jean-Marc se inició en la pintura con su padre, después con su abuelo, Jean Jouvenet, y finalmente asistió a clases de dibujo en la Académie Royale. Hacia 1703, trabajó en La Galerie du Palais du Luxembourg, copiando obras de Rubens y Charles Le Brun. Gracias a las recomendaciones de Jean Jouvenet le fue concedida una plaza en la Academia Francesa en Roma, que Jean-Marc rechazó. En 1717 viajó a Holanda, donde pintó los retratos de Pedro el Grande y La emperatriz Catalina (San Petersburgo, Ermitage). El zar, que quedó satisfecho con su trabajo, le ofreció un puesto en la corte rusa, que nuevamente Nattier declinó, para permanecer en París, donde residió y trabajó durante el resto de su vida 
   .

       A los 18 años ( 1703 ) trabajó en la Galería del Palacio de Luxenburgo copiando obras de Rubens y Charles Le Brun, para en 1715 viajar a Holanda para pintar retratos de Pedro el Grande y la Emperatriz Catalina hoy en día conservados en el museo de Ermitage en San Petersburgo.  El zar quedó tan plenamente contento con estos trabajos que le ofreció un puesto en la corte rusa, cosa que él no aceptó porque quería residir en París y lo demostró plenamente porque en esa ciudad trabajó toda su vida.


Nattier pintó este representativo retrato de Catalina la Grande ( 1684.1727 ) la segunda esposa del zar Pedro el Grande em 1717 en la ciudad de La Haya .

Sobre un fondo oscuro en el que apenas se divisan dos pequeños cuadros en la pared que aparece en el lado derecho mientras en la parte superior izquierda se ve la base de una columna 

En medio del cuadro aparece retratada Catalina I .   Destaca la pequeña corona sobre sus cabellos negros -símbolo de su rango -   Sobre su vestido , la zarina luce una capa espectacular ribeteada de armiño . Los pliegues de los ropajes ocupan toda la mitad inferior del cuadro Las carnaciones de la piel  de la cara , del  escote y  de los brazos son de un blanco nacarado que contrastan con los colores más sobrios  de la elegante indumentaria de la zarina que luce un  vestido de color gris sobre el que cruza una banda roja que acaba  con un lazo  sobre su cintura    La zarina luce una capa espectacular ribeteada de armiño . Los pliegues de los ropajes ocupan toda la mitad inferior del cuadro  




Mercedes Tamara ( autora )
1.08-2016

Bibliografia : Wikipedia 


viernes, 29 de julio de 2016

LA COCINERA BERNARDO STROZZI


LA COCINERA 1620

La cocinera
óleo sobre lienzo 177 x 241 cm
Galeria del Palacio Rosso, Génova


Pintor genovés de pintura religiosa (1581-1644), muy influido por Rubens. Trabajó en Venecia durante el siglo XVII, en el estilo barroco.


En 1597 se hizo monje capuchino, de donde le viene el apodo, "El capuchino". Profesó ininterrumpidamente hasta 1610, año en que la orden le dio permiso temporal para ir a cuidar a su madre enferma. Ésta murió en 1630, por lo que la orden le pidió que se reintegrara. Parece ser que Strozzi no deseaba regresar, de modo que en 1631 cambió  su residencia a Venecia. 

Este cambio no sólo estuvo motivado por su deseo de huir de la orden de los capuchinos, sino por sus propias tendencias pictóricas. 


A lo largo de toda su vida, Strozzi había pintado lienzos en Génova, dedicados a retratos, alegorías, mitologías, escenas de género y religión. Durante su etapa genovesa, había conocido la obra de Van Dyck, que también trabajó allí y dejo una huella de elegancia en su pintura. También en Génova trabajó durante unos años Rubens, que inundó su concepción pictórica de colorido y sensualidad, dos cualidades que se encontraban también en la pintura veneciana. Es por ello tal vez que eligiera Venecia como refugio. Una vez allí no tardó en encontrar trabajo. Se mantuvo trabajando allí hasta su muerte, junto con otros pintores de otras repúblicas italianas, ante la falta de pintores venecianos.
  



La cocinera es una "escena de cocina" a la manera holandesa, que es por un lado un detallado retrato de una cocinera, y por otro, la representación de las aves de caza que está preparando

.Manifiesta en esta obra su apertura al naturalismo caravaggiesco y a la riqueza cromática flamenca, sobre todo de Rubens. La realidad se substancia en las rosadas carnaciones de la corpórea y sensual cocinera, en la intensidad expresiva de su rostro ingenuo y sencillo, como su gesto, y en la detalladísima y narrativa visión de los animales y objetos culinarios.

Mercedes Tamara
29-07-2016

Bibliografia : 1000 Obras Maestras de la Pintura 





 

domingo, 17 de julio de 2016

RETRATO MASCULINO VAN EYCK

RETRATO MASCULINO  1429
Retrato masculino
óleo sobre tabla 19,1 x 13,2 cm
Bucarest, Museo Nacional de Rumania



Este cuadro es tal vez el retrato más antiguo conservado de mano de Van Eyck . A pesar de la presencia ficticia del monograma del pintor alemán Albert Durero y la fecha de 1497, añadido en época no precisada , una serie de análisis técnicos recientes ha permitido devolver con seguridad la obra al artista flamenco. 

La superficie muy dañada , no logra ocultar la la altísima calidad artística ,aún
visible en los detalles anatómicos dela nariz puntiaguda y la oreja, representadas con esmero en todas sus partes , en los ojos, con pestañas trazadas con precisión de miniaturista , en la sombra de la barba , en la posición de las manos , que hacen ademán de girar en el espacio . La izquierda estaría muy probablemente apoyada en el marco ilusionista típico de Van Eyck , También la manera en que la luz cae sobre las irregularidades del rostro y de las manos, definiendo su anatomía , es una característica típica del pintor.

Se desconoce la identidad del personaje , representado de medio busto y de tres cuartos ante un fondo oscuro, según los cánones del retrato flamenco . De la riqueza del atavío , que combina una chaqueta de piel con un  refinado cubrecabezas azul , es posible deducir que se trate de un aristócrata . Van Eyck catacteriza a sus modelos añadiendo un objeto que revela su profesión y rango social , y la presencia del anillo se había llegado a la conclusión que se trataba de un orfebre . Uno estudio reciente que el cuadro tiene que ver con unos esponsales y que el anillo significaba por tanto, en este caso , de un compromiso matrimonial.


Mercedes Tamara
17-07-2016

Bibliografia : Van Eyck, Edit Biblioteca El Mundo 

miércoles, 22 de junio de 2016

EL VALEROSO TEMÉRAIRE REMOLCANDO A SU ÚLTIMO FONDEADERO DE WILLIAM TURNER




EL VALEROSO TEMÉRAIRE REMOLCANDO A SU ÚLTIMO FONDEADERO DE WILLIAM  TURNER
El valeroso Teméraire remolcando
a su último fondeadero de W. Turner
óleo sobre lienzo 91 x 122 cm
Londres, National Galllery








El cuadro del Teméraire es una obra grandiosa , no por sus dimensiones por lo demás habituales sino por la concepción heroica de la escena fundada en un esquema compositivo perfecto anto por el equilibrio de las formas como por la organización suntuosa en la elección de los tonos naranjados y el rojo del crepúsculo alusivo al ultimo viaje del imponente velero.




La crítica lo acogió favorablemente incluso por la elección de los colores " En su sorprendente representación Turner ha satisfecho su amor por los colores fuertes y en fuerte contraste con gran gusto y propiedad."






A justificar esta acogida casi unánime contribuyó evidentemente el asunto del Teméraire que era un gran buque de guerra de noventa y ocho cañones que tomaba su nombre de un navío francés que se había distinguido en la batalla de Trafalgar






Turner tras trazar unos bocetos que se han perdido , el artista hizo un retrato solemne ; plasmó el rito fúnebre de una figura " heroica "y transmitió el carácter emotivo imponente de este rito







Mercedes Tamara Lempicka


16 mayo 2012

domingo, 19 de junio de 2016

EL PUENTE DE LOS SUSPIROS, EL PALACIO DUCAL Y LA ADUANA DE VENECIA . CANALETTO PINTANDO J.M TURNER

EL PUENTE DE LOS SUSPIROS, EL PALACIO DUCAL Y LA ADUANA DE VENECIA 1833



El Puente de los Suspiros , el Palacio Ducal y la Aduana de Venecia _ Canaletto pintando
óleo sobre tabla 51 x 62,5 cm
Londres Tate Gallery




Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres23 de abril de 1775 - Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo. 

El cuadro, que se puede considerar uno de los primeros de una larga serie dedicada a la ciudad de las lagunas , fue ejecutado por Turner antes de su estancia veneciana en agosto de 1833, Fue expuesto en la Royal Academy .

La obra es un evidente homenaje a Canaletto , como Roma desde el Vaticano era un homenaje a Rafael, pero  a diferencia de ésta no contiene elemntos anacrónicos , como la columnata de Bernini, la escena, fielmente topográfica ,describe los edificios , en sombra los de la izquierda, con las embarcaciones meciéndose en el agua , bañados de luz los que se alzan al frente. La pequeña figura de Canaletto , en primer plano a la izquierda, vestido a lo oriental está pintando un tela sobre un caballete y lleva un fastuoso marco barroco . Toda la escena está invadida por la sensación de suspensión; sólo la góndola negra de la derecha , que surca el agua en diagonal , se mueve velozmente conducida por un gondolero , cuyo jubón rojo hace de contrapunto cromático a la proa de las embarcaciones de la izquierda y el traje rojo del artista.


Mercedes Tamara
19-06-2016

Bibliografía _ Wikipedia.
                    

sábado, 11 de junio de 2016

LA CORONACIÓN DE MARÍA DE MÉDICIS EN SAINT-DENIS PIETER PABLO RUBENS

LA CORONACIÓN DE MARÍA DE MÉDICIS EN SAINT-DENIS 1621´1625

La coronación de Maria de Médicis en Saint-Denis
óleo sobre lienzo 394 x 727
Paris, Museo del Louvre 



María de Médicis, hija del gran duque de Toscana Francisco I, nació en Florencia el 26 de abril de 1573. El 16 de diciembre de 1600 contrajo matrimonio con Enrique IV de Francia y un año después dio a luz a su primer hijo, el futuro Luis XIII. El 13 de mayo de 1610 fue coronada reina de Francia en la abadía de Saint Denis y, a raíz del asesinato de su esposo un día después, fue nombrada regente del país durante la minoría de edad del Delfín.

Realizó una política completamente distinta a la emprendida por Enrique IV, lo que provocó el descontento de los protestantes y de muchos nobles y desembocó en un enfrentamiento con su hijo, quien ordenó que fuera desterrada al castillo de Blois. El 21 de febrero de 1619 la reina se escapó de su prisión y alentó una sublevación contra el rey, si bien en agosto de 1620 ambos terminaron reconciliándose.


La coronación es uno de los cuadros cuya importancia queda realzada por el monumental formato horizontal que en este caso, corresponde a la iglesia abacial gótica de Saint -Denis.

Es posible que Rubens conociera dicha iglesia, a pesar de la cual la representó con muy pocos detalles característicos , entre otros sus magníficas vidrieras . El altar está enmarcado por velas y por imponentes columnas . El lujo de los ropajes resulta abrumador, en particular la púrpura de los cardenales. Dos genios en pleno vuelo constituyen un ingrediente alegórico.

Es digna de admiración , la variedad en la que se integran los retratos auténticos, cuya presencia tenía importancia política : Margarita de Valois preside el desfile de las damas , los hijos ilegítimos de Enrique IV llevan el cetro y el guante derecho. El hijo de María y Enrique , el futuro rey Luis XIII, se encuentra , cerca de la reina y al otro lado está arrodillada su hija .

Enrique IV asiste a la ceremonia desde el palco situado sobre la reina .Los dos perros que aparecen en primer plano se interpretan como mensajeros de la premonición profética , ya que tan sólo un día después de la coronación, el rey cayó asesinado mientras se dirigía al campo de batalla.

Mercedes Tamara
11-06-2016

Bibliografia Wikipedia 



miércoles, 8 de junio de 2016

EL RETORNO DEL HIJO PRÓDIGO MAESTRO DEL ANUNCIO DE LOS PASTORES


EL RETORNO DEL HIJO 1630

El retorno del hijo pródigo
óleo sobre lienzo 100 x 126 cm
Museo di Capodimonte Nápoles



Maestro del Anuncio a los Pastores o Maestro dell'Annuncio ai Pastori es como se conoce a un enigmático pintor activo en Nápoles en la primera mitad del siglo XVII y personalidad destacada dentro de la órbita del naturalismo, en estrecha relación con las primeras obras napolitanas de José de Ribera .

El nombre deriva de una serie de pinturas con el tema común del Anuncio a los pastores según el evangelio de San Lucas (2, 8-14), de las que podrían ser cabezas de serie las versiones conservadas en el Museo di Capodimonte de Nápoles y en el Birmingham Museum, esta última procedente de España y antiguamente considerada obra del primer Velázquez. 1 En torno a ellas se ha agrupado un nutrido corpus de obras aracterizadas por el intenso tenebrismo y la complacencia naturalista en las figuras de los pastores y otras gentes humildes tratadas con intensa humanidad, como se pone de manifiesto también en el Retorno del hijo pródigo del mismo museo napolitano o en las varias versiones de la Adoración de los pastores y la Adoración de los reyes.


Se han formulado diversos intentos de identificar a la personalidad oculta bajo esa denominación, sin alcanzarse un consenso. August L. Mayer, seguido por Roberto Longhi , al analizar el lienzo de Birmingham y descartar la intervención velazqueña, advirtió una relación más estrecha con la producción de Ribera y propuso el nombre de Bartolomeo Bassante, del que Dominici decía que era discípulo del Spagnoletto y muy exacto imitador, 4 si bien el posterior reconocimiento de su firma en dos obras conservadas, muy distantes de la pintura de Ribera, ha llevado a descartar completamente esta identificación.1 Más recientemente se ha propuesto por Giuseppe De Vito su identificación con el valenciano Juan Do al que también Dominici hacía discípulo de Ribera, hipótesis que ha sido bien acogida,5 pero cuestionable por la escasez de obras seguras de Do con las que poder comparar lo atribuido al maestro an
ónimo

La versión de la obra presenta las mismas cualidades pictóricas marcadas por soluciones de un potente naturalismo de lejana esencia caravaggista , con imágenes de fuerte intensidad expresiva , solidez en la definición plástica de las formas y los volúmenes y dentro de esquemas compositivos esenciales y compactos . Son evidentes las conexiones con obras de un realismo acentuado por Ribera sobre todo en su juventud , entre Roma y Nápoles. 

Este lienzo del Maestro del Anuncio de los Pastores del museo Capodimonte de Napoles se considera una de las obras más emblemáticas de esta temática superando incluso al valenciano José de Ribera . El artista utiliza en este lienzo materias cromáticas con más cuerpo, pinceladas de manchas grumosas anchas y densas de tonalidades oscuras y rutilantes convirtiendo la pintura en una obra maestra

Mercedes Tamara
8-06-2016

Bibliografia Wikipedia