lunes, 27 de mayo de 2013

MADRID SUR DE ANTONIO LÓPEZ

MADRID SUR  1965-1985

Madrid sur
óleo sobre tabla 153 x244 cm
Oviedo, Colección Fundación Masaveu






En cada una de las vistas panorámicas de Madrid que pinta Antonio López existe una reflexión y un reto artístico nuevos . Si en El norte de Madrid desde la Maliciosa ( 1964) el paisaje es natural y, el interés radica en captar las calidades y los matices de las tierras, salpicadas de pequeños pueblos que se integran en el conjunto, en Madrid sur existe una gradación extremadamente precisa de la luz, que es la que  crea las sensaciones de espacio y distancia. Madrid no es sólo una sucesión de  edificios que crece y ocupa el espacio ; es también una atmósfera, en la que se mezcla la luz natural y los humos, creando una densidad que se puede pintar porque tiene una innegable presencia física. La alta perspectiva elegida aleja la línea del horizonte , ocupando el paisaje la franja inferior del cuadro , bajo el  dominio de la luz , de un cielo representado con muchos matices . El detalle con el que están pintados los edificios del primer plano deja paso a una luz teñida que sugiere distancia, hasta llegar a un punto en que las referencias se diluyen.




Antonio López insiste en que lo importante no es la sucesión de imágenes panorámicas sobre la ciudad , sino la fascinación sentida la primera vez que percibe que la gran urbe puede ser un tema para la pintura en 1960: "No era  fácil tomar la decisión de iniciar un cuadro de gran formato con un tema con  precedentes notables pero muy lejanos, como Canaletto o Vermeer, y tan poco prestigio en la pintura reciente , especialmente en la española. En 1960 iba inseguro: no sabía si era poco tema, si me faltaría algo. Me consolaba pensando que si, finalmente sentía esa falta, pondría un gran perro escarbando en la parte superior del cuadro, que cumpliese una función análoga a la pareja haciendo el amor en la zona baja de Atocha ( 1964 ) . No fue necesario el cuadro no lo necesitaba. Siente entonces que el tema está definido, lo que le sirve para plantear nuevos proyectos , añadiendo otras reflexiones en cada caso.



Mercedes Tamara 
27 -mayo-2013


Bibliografía : Antonio López, Edit Biblioteca El Mundo


miércoles, 22 de mayo de 2013

LA ÚLTIMA CENA LEONARDO DA VINCI


LA ÚLTIMA CENA 1495-1498

La última Cena
fresco 460 x 879 cm
Convento de Santa María delle Grazie , Milán






Este espectacular mural se ha considerado durante siglos como una de las mejores pinturas del mundo, quizá la máxima expresión de su creador , Leonardo da Vinci ( 1462-1519 ) , cuya trascendencia en el Renacimiento italiano fue de primerísimo  orden. La genialidad de Leonardo reside en una mezcla de curiosidad e inventiva  que se extendió a las artes y a las ciencias.




La Última Cena es la síntesis perfecta de su talento. Situada y concebida con inteligencia, la obra domina desde las alturas y la pared norte del refrectorio del convento de Santa Maria . Cada vez que las monjas se sentaban a comer , Cristo  y sus doce discípulos irradiaban su presencia espiritual hacía las piadosas comensales de debajo.




Leonardo subraya sutilmente el rango de Cristo dentro del grupo, confiriendo a su figura un tamaño ligeramente mayor y recortándola en la luz de la ventana. Al mismo tiempo infunde dramatismo a la escena eligiendo el momento en que los
discípulos preguntan a Cristo cuál de ellos le traicionará. A cada discípulo se le atribuye una reacción reveladora de su personalidad, sin recurrir al simbolismo  que tanto practicaban los pintores de la época.






Leonardo pintó el mural con una técnica que le permitía trabajarlo como un todo,  en vez de tener que ir acabando, cada parte, como era la norma en el fresco tradicional. Por desgracia, la obra empezó a deteriorarse muy pronto porque la
técnica era menos duradera. Su audacia de experimentador, junto a sus innovaciones en la composición, la luz y la perspectiva explican -entre otras muchas cosas- la preeminencia de Leonardo da Vinci, que ha perdurado a través de los siglos.








Mercedes Tamara 
22 -mayo-2013


Bibliografía : Leonardo da Vinci Edit Biblioteca El Mundo


lunes, 13 de mayo de 2013

LA VIRGEN DE LOS PEREGRINOS CARAVAGGIO

LA VIRGEN DE LOS PEREGRINOS 1604-1606
La Virgen de los Peregrinosóleo sobre lienzo 260x150 cm
Roma, Sant Agostino , capilla Cavalleri








Una mujer de pueblo , con su hijo en brazos, en la puerta de su casa , una casa romana corriente , y ante ella los viandantes mal vestidos , con los pies descalzos y sucios , la ropa remendada y los únicos signos de su condición : las manos juntas y los dos bastones de peregrino. Este fue el resultado del legado de Emete Cavalletti para la iglesia de Sant´Agostino de Roma y, como nos informa Baglioni, alrededor de 1620, una vez colocado el cuadro sobre el altar " hicieron gran alboroto los plebeyos " por su causa.





La sofisticada adhesión a lo real, que había llevado a Caravaggio a representar hasta los pies sucios del peregrino, se conjuga en el cuadro como contrapunto con una  composición derivada de un afortunadísimo modelo tizianesco; también del gran  veneciano deriva el rojo aterciopelado del corpiño de la Virgen. Estas sutiles referencias no podían tener gran valor para el pueblo humilde, que tampoco podía entender fácilmente el hecho de que la actitud y el perfil de la Virgen estuvieran  inspirados en la estatuaria clásica,



No era tanto cuestión de mala voluntad o simple ignorancia ; el hecho era aquella  pose lánguida , aquella naturalidad de las carnes tan a propósito para la principal actividad de la mujer que había servido de modelo , con su hijo para este cuadro. Magdalena Antognetti, llamada Lena, era un personaje conocido en la ciudad; había sido amante de muchos poderosos y su vida de cortesana le había causado problemas con la justicia hacía poco. Entre los motivos del " alboroto " popular, junto a más elevadas cuestiones filosóficas-religiosas, estaría , pues, la dificultad de aceptar recogerse en oración delante de una figura tan poco reconducible a la  esencia de la espiritualidad.


Mercedes Tamara 
13 -mayo-2013


Bibliografía : Caravaggio, Edit Biblioteca El Mundo

miércoles, 1 de mayo de 2013

EL RAPTO DE EUROPA DE REMBRANDTH

EL RAPTO DE EUROPA 1632
El rapto de Europa
óleo sobre tabla 62,2 x 77 cm
Los Angeles, The J. Paul Getty Museum

La historia del rapto de Europa se narra en numerosos textos . La princesa Europa, hija del rey fenicio Agenor, se encontraba en la playa junto a la ciudad de Sidón en compañía de sus amigos. Cuando Júpiter la vio, se despertó en él el deseo de poseerla . Para conseguirla se transformó en un toro blanco que se acercó a la joven y se ganó su confianza permitiendo que le acariciase , El dios convenció  a la joven para que se subiese a su lomo, y en ese momento partió con ella a  toda velocidad . sumergiéndose en el agua y dirigiéndose hacía Creta. Allí, como describe Erasmo en Epigramenta , Júpiter dejó de ser toro y Europa dejó de ser virgen.



La principal fuente antigua para este asunto es el libro de la Metamorfosis del poeta romano Ovidio ( 43 a C-17d C ) que data del año 8 d. C. Muchos otros libros tratan el asunto , entre ellos las Odas de Horacio ( III, 27 ) , los Diálogos de los dioses de Luciano ( XV ) y los Fastos ,del propio Ovidio ( V, 665-16 ). En épocas posteriores el tema fue recogido por muchos autores antiguos,como Aquiles Tacio ( siglo IV d. C ) modernos , como Petrarca ( 1304-1374 ), Bocaccio ( 1313-1375 ) y Erasmo ( 1469-1536 .



En el cuadro de Rembrandth vemos a la izquierda , al toro blanco que se adentra en el mar con la asustada princesa sobre su lomo. En tierra quedan tres mujeres que reaccionan espantadas ante el rapto y un hombre sobre un carro que también muestra sorpresa e impaciencia. La escena tiene lugar en una playa situada junto a un frondoso bosque . Al fondo se ve una ciudad y su puerto . Esta interpretación del rapto de Europa recuerda a la que hace Ovidio en La Metamorfosis. En el libro segundo ( versos 869, 75 ) escribe : " Se atrevió la princesa , sin saber a quien montaba, a sentarse en el lomo del toro, entonces el dios, apartándose poco a poco de la arena (...) por las aguas del mar abierto se lleva su presa. Se asusta Europa y vuelve su mirada a la costa


Es difícil comprender la popularidad de este tema que enfrenta a una mujer y un  toro, pero se trata de las más ilustrada de las numerosas aventuras de Júpiter.Tal vez la importancia que esta historia tiene dentro del libro de Ovidio le concedió un prestigio especial, o las representaciones que distintos artistas pintaron del tema lo hicieron atractivo para sus sucesores. Durante el Renacimiento se hicieron numerosas ediciones ilustradas del famoso libro de Ovidio, y muchas de ellas incluían esta escena.  a que, raptada, va dejando atrás , y con la diestra agarra un cuerno, apoya la otra sobre el lomo; tremolantes, sus ropas se ondulan con el viento " . En el libro sexto  ( versos 105, 81 ) el poeta vuelve a hablar del rapto de Europa cuando describe una escena que ha visto en un tapiz: " Europa parecía que miraba a la tierra que había dejado atrás , que gritaba a sus compañeras, que temía el contacto del agua que saltaba junto a ella y que encogía sus timidas plantas".

Es imposible saber si Rembrandth se inspiró directamente en estos textos o en pinturas o estampas que los usaron como fuente. Una de ellas puede ser la ilustración que hace del frontispicio , en una traducción original griego al latín, de la novela erótica de Aquiles Tacio Leucipo y Clitofonte publicada en 1560





El rapto de Europa , Tiziano 1550-1562
óleo sobre lienzo 178 x 205 cm
Boston, Isabella Steward Gardiner Museum

La escena de El rapto de Europa de Rembrandth la realizó en la primera parte de su carrera. La relación entre la joven raptada y sus amigas que quedan en la tierra centra la acción. Los gestos de las jóvenes están llenos de tensión : una alza sus brazos en el aire , otra junta sus manos en un gesto de impotencia . La mano izquierda de Europa se agarra al toro con tal fuerza que sus dedos dejan marcadas sus huellas sobre la piel del animal . A través de estos gestos el pintor transmite la sensación de un intenso drama psicológico . En el cuadro de Rembrandth no existe seducción, aspecto de la historia en el que se centraron otros artistas, entre ellos Veronés ( 1528-1588 ) y Guido Reni  ( 1575 -1642 ) . No existe tampoco , como asi sucede en un famoso cuadro de Tiziano ( 1485-1576 ) la amenaza del inmenso mar en el que  se adentra el toro  ( véase fig 2 ) En esta escena lo que suscita temor es la violenta separación de sus acompañantes a la que se ha sometido Europa, que en un instante  quedará a solas con el animal.





Esta obra similar a otras obras mitológicas de Rembrandth pintadas en torno a la misma fecha :El baño de Diana y El rapto de Proserpina . Sabemos que este último cuadro estaba en 1632 en la colección de Frederik Hendrik de Orange ( 1584-1647 ) en La Haya. No sabemos para quien se pintó El rapto de Europa , pero en 1633 se encontraba en Amsterdam, en la colección de Jacques Specx, que había sido gobernador de las colonias holandesas en Indonesia. La importancia de estas dos colecciones es una prueba más de que Rembrandth, al elegir temas clásicos , buscaba seguir el modelo de artista de prestigio que le permitiese atraer a los patronos más importantes. Es posible que la persona que le orientó en esa dirección fuera el marchante Hendrick van Uylenburg, para quien Rembrandth trabajó entre 1631 y 1635, y que contaba a Specx entre sus clientes.



En  El rapto de Europa , al igual que en las otras dos mitologías mencionadas, el paisaje desempeña un papel importante . Rembtandth pintó algunos magníficos paisajes a lo largo de su carrera, pero no lo hizo más adelante, a partir de 1647.En este grupo de obras anuncia esa dedicación posterior . El paisaje que vemos en El rapto de Europa se inspira en la tradición pastoral, según la cual la naturaleza era un lugar idilíco de recogimiento y placer. Ante esta escena cabe preguntarse si, en la mente de Rembrandth y en la de sus contemporáneos , la noción de placer que emana del paisaje constrastaba con la violencia del rapto, o si por el contrario el paisaje revela que el rapto se podría entender como algo atractivo, por lo que  tiene de seducción y prohibición . Estas dos visiones parecen coexistir en el cuadro cuando las figuras se observan de cerca, su temor ante la violenta acción del dios cobra protagonismo. Por el contrario, la intensidad de la luz y los colores, las formas sinuosas , el pequeño tamaño de las figuras y la minuciosa descripción de muchos detalles dotan al cuadro de un aspecto anscdótico y agradable.



Mercedes Tamara 
1-mayo-2013


Bibliografía : Rembrandt " Pintor de historias " edic El Viso