jueves, 27 de diciembre de 2012

LA CASA DE RAQUEL VEGA FERNANDO BOTERO

LA CASA DE RAQUEL VEGA 1975
La casa de Raquel Vega
óleo sobre lienzo 195,5 x 246,5 cm
Viena, Museum Moderner Kunst, Stiftung Ludwig




En el paraíso de Fernando Botero, el pecado original no ha hecho aún su acto de aparición. Su universo pictórico está poblado de simpáticas criaturas en inocente estado de gracia ,es un cosmos verdaderamente fantástico de figuras incomparables. " No, no pinto gordos " replica Botero a la pregunta correspondiente . Un segundo vistazo más atento a la obra revela que todo es " gordo " , la fruta, los animales , incluso las casas. Mediante la transformación o la deformación , Botero traduce la realidad en arte. O como dice el propio artista ." el arte es siempre exageración de la realidad , de sus colores, de su forma ,de su significado espiritual "




Botero no disfrutó de una formación clásica : empezó a dibujar muy pronto y,como autodidacto,celebró su primera exposición con 19 años . Sus conocimientos de pintura proceden de los libros y las estampas . En 1952 se trasladó a Europa , primero a Madrid y después a París , visita e lPrado y el Louvre , se inscribe en ocasiones en academias, como en Florencia para estudiar la pintura al fresco.




En la obra La casa de Raquel Vega aparecen reunidos unos pocos coetáneos imponentes . Las señoras aparecen ligeras de ropa , los caballeros se han aflojado el nudo de la corbata y beben directamente de la botella , da la impresión de que todos se divierten , la tenue luz de una guirnalda de luces colgada del techo crea una atmósfera crepuscular y la pose de todos recuerda a un retrato familiar con los niños y el perro.El cuadro refuerza el atractivo y la atención que  pretende atraer por estar ambientado en un lupanar de la colombiana ciudad de Medellin. En la juventud de Botero, era conocida principalmente por sus burdeles y centros de prostitución .  Décadas después , el artista dedicó un recuerdo a estos lugares desde las lejanas París y  Nueva York


Fruta , 1969

Las escenas de lenocinio como ésta o como La casa de Amanda Ramirez ( 1968) se encuentran entre las más sensuales y generosas de la obra de Botero. El ambiente que de ellas transpira, con todo, es mucho más festivo que animal y la sexualidad no aparece nunca tematizada abiertamente . En este sentido, son más recatadas que las imágenes de prostitutas legadas por Toulousse-Lautrec, los expresionistas alemanes o, por supuesto, la más conocida de todas Las señoritas de Aviñón de Picasso.




Botero, mago en un país que ha sabido siempre estimular las fantasías , crea con este corro deindividuos reales un universo reluciente como un espejo.Con una técnica sobresaliente y reminiscente de los grandes maestros , ofrece un panorama de criaturas fascinantes que escapan a todo sentido de la proporción y cuyos desmesurados volúmenes constituyen la varita mágica con la que transforma el mundo y la vida para sumergirse en la irrealidad.




Mercedes Tamara
27-12-2012


Bibliografia : Arte Moderno, todo Arte , Edic Blume

miércoles, 26 de diciembre de 2012

MUJER CON VESTIDO AMARILLO MAX KURZWEIL

MUJER CON VESTIDO AMARILLO 1899
Mujer con vestido amarillo
óleo sobre lienzo 171,5 x 171 cm
Historiches Museum der Stadt, Viena





A finales del siglo XIX las artes iban a experimentar en Viena una transformación radical , señalando el nacimiento del art nouveau. El clima artístico que precedió a este cambio , era constreñido, pues la mayoría de los artistas vieneses habían estudiado en la conservadora  Academia de Bellas Artes y exponían en el Kunstlerhaus, el único espacio de exposiciones  de Viena, el cual dictaba los movimientos de los gustos del público.


Una creciente insatisfacción entre varios miembros progresistas de  Kunstlerhaus había conducido a reuniones en cafés y clubes, hasta que por fin , en 1897, Max Kurzweil ( 1867-1916 ) y dieciocho miembros más se liberaron del poder establecido y fundaron la Secesión vienesa  encabezada por Gustav Klimt .



Este sorprendente cuadro de 1899 fue expuesto en la nueva sede de la Secesión.En él ,la esposa de  Max Kurzweil, Matha mira al espectador con una pose lánguida y estilizada, la cual ilustra el nuevo código estético del art nouveau, que tomó prestada de la era barroca potentes curvas  y lineas fluidas .




La butaca está cubierta con una tela verde decorativa , precursora de la obsesión de los secesionistas vieneses por el diseño ornamental. Éstos , al rechazar el arte masificado , buscaban el individualismo creativo , combinado con la unidad decorativa mediante la arquitectura , la pintura , las manualidades y las artes gráficas. Publicaron sus ideas en una revista llamada Ver sacrun ( sagrada primavera ) Este período iconoclasta vio emerger los escritos de Sigmund Freud y las obras de los artistas de vanguardia , sin los cuales el expresionismo jamás habría sido posible.






Mercedes Tamara 
26 -12-2012


Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

viernes, 21 de diciembre de 2012

SAMUEL NIÑO JOSHUA REYNOLDS

SAMUEL NIÑO 1778
Samuel niño
óleo sobre lienzo 89x70 cm
Montpellier, Musée Fabre



Reynolds fue hijo de un maestro de escuela que le envió de aprendiz a Londres al taller del solicitado retratista Thomas Hudson. Durante algunos años trabajó en Plymouth, Londres y Desvonport , siguiendo el tedioso estilo de su maestro hasta que influido por William Gandy ( Gandy of Exeter ) comenzó a utilizar una nueva técnica y un estilo más fluído , que quizás fuera también inspirado por el estudio de las obras de Rembrandth. Acompañado por el comodoro y futuro almirante Keppel , gran amante del arte, Reynolds viajó a Lisboa y Argelia para llegar finalmente a Roma , donde quedo fascinado por Rafael  y Miguel Ángel . De esta época datan sus famosas caricaturas , retratos de viajeros ingleses. Pasando por Florencia, Parma , Venecia y París ,Reynolds regresa a su patria y se establece en Londres en 1753, allí pinta el retrato de su protector Keppel que aparece tras un naufragio  en la pose de Apolo de Belvedere ( Greenwich , National, Maritime Museum ) . Mediante el uso de tales referencias y sucesos dramáticos , Reynolds pretendía elevar el género del  retrato al rango de pintura histórica.


Más adelante, cuando sea director de la Royal Academy (desde 1768 ) tendrá ocasión de transmitir los fundamentos teóricos de esta gand manner con los Discourses , las conferencias anuales que precedían a la entrega de los premios. Su relación con Gainsborough, que también residia en Londres en los años setenta , fue siempre distante, debido seguramente a la diferencia de temperamento. En 1781 , emprende un último viaje al continente europeo que  le llevará, entre otros sitios, a Amberes y Bruselas y que está consagrado al estudio de Rubens. Reynolds, ennoblecido en 1769, es una de las primeras figuras de la pintura inglesa del siglo XVIII y su arte influirá decisivamente sobre una generación de retratistas.


A sus alumnos de la Royal Academy, Reynolds le repetía incansablemente la importancia de  estudiar los temas y las técnicas de los viejos maestros y de apropiarse su estilo copiándolos. Aunque Reynolds era una persona artística independiente , dominaba la pintura " a la manera de " era capaz de introducirse en el papel de otro pintor.


En este retrato Samuel niño ha escogido el papel de Rembrandth. En matices de tonos marrones presenta a un Samuel-el último de los jueces y el primer profeta de Israel- aún niño. La selección del tema resulta insólito : el papel de Samuel: ejemplo de constante obediencia, sabiduria y severidad justa , parece superar las posibilidades del delicado  muchacho que pinta Reynolds . Al emplear las luces y los colores de Rembrandth, cita también la profunda piedad que aparece en sus obras , De este modo los rasgos típicos de Rembrandth se convierten igualmente en un motivo de dignidad que no sólo elevay profundiza el sentido del lienzo, sino que también hace de mediador entre la exigenciase define también como un tono para la galeria, que ennoblece el lienzo, haciendo de él religiosa del Antiguo Testamento y el carácter infantil del niño. Pero el " marrón " Rembrandthse define también como un tono para la galeria que ennoblece el lienzo , haciendo de él  una pieza de coleccionista . En este contexto, el carácter infantil funciona como distancia mediadora : el eminente tema religioso se adapta más fácilmente, se hace menos patético. Este Samuel niño podría ser colgado en cualquier salón


Mercedes Tamara
21-12-2012
Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo



miércoles, 12 de diciembre de 2012

RETRATO DE UNA JOVEN ANGELIKA KAUFFMANN

RETRATO DE UNA JOVEN 1781
Retrato de una joven
óleo sobre lienzo 130 x 102 cm
Fräncfort del Meno, Freies Deutsches Hochstft
Frankfurter Goethe-Museum







Su padre, un pintor de Voralberg, le enseñó y animó a pintar muy pronto , de modo que a los quince años , Angelika ya pintaba notables retratos a pastel . En sus largos viajes a Italia se hizo con un bagaje artístico elemental copiando a los antiguos maestros . Fue admitida en las academias de Florencia y Roma , y conoció a Joachim Winckelmann que le influyó decisivamente hacía la orientación neoclásica. A partir de 1766 vivió en Londres durante 15 años, fue admitida en la Academia y trabajó en colaboración con el arquitecto Robert Adam, entre otros. De vuelta a Roma se convirtió en la figura principal de un salón al que acudían artistas y escritores como Goethe y Herder . Sus retratos deben mucho a la influencia de Reynolds y Mengs, mientras que sus cuadros históricos -mitológicos o religiosos- dejan entrever el estudio de la Antigüedad clásicaa la manera de Winchelmann.




Retrato de una mujer como vestal 






Ya , a los once años de edad despertó admiración con un retrato del obispo Newman , aunque más tarde trató también temas alegóricos -del mundo antiguo, históricos y religiosos-, el retrato seguiría siendo durante toda su vida , la razón de su inmensa celebridad . Abrumada por el número de encargos , su pintura cayó en una cierta rutina, que se expresó en la lisura y en la complacencia de su estilo con lo que perdió lo que había tenido de personal y característico .




Goethe, a quien retrató en 1787, comentó lacónicamente :" Es un muchacho bien agraciado , pero no tiene ni ratro de mí " .El Retrato de una joven no puede negar esta rutina y es decorativo como uno de los numerosos ornamentos que creó en colaboración con el arquitecto inglés Robert Adam, sin embargo, su rostro manifiesta una personalidad sensible . El hecho de que ilustrara el Messias de Klopstock, de que se relaciona con poetas y escritores como Goethe, Herder, Winchelmann y Reynolds es significativo para esta actitud medio natural, medio artificiosa. Al mismo tiempo, sus facciones revelan una firme resolución muy acorde con la imagen que la artista da en sus dibujos: su trazo audaz, libre ,"moderno " nos revela la individualidad de su auténtico talento.




Mercedes Tamara
12-12-2012


Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

domingo, 9 de diciembre de 2012

EL TREPIDARIUM LAWRENCE ALMA TADEMA

EL TREPIDARIUM 1881



El Trepidarium
óleo sobre tabla 24 x33 cm
Lady Lever Art Gallery , Wirral






Este exquisito retrato conlleva una carga erótica poco frecuente en los desnudos victorianos. Sir Lawrence Alma Tadema ( 1836-1912 ) de origen holandés , se hizo famoso en Londres  gracias a sus representaciones fantásticas de la antigüedad romana. Para los hombres de  negocios de la época estos lienzos representaban una vía de escape ante la monotonía y  rigidez de la vida londinense .


En este lienzo, una mujer está acostada sobre un lecho de mármol junto al lapidarium: el baño tibio romano, tiene el rostro sofocado , quizás porque acaba de salir del baño caliente o caldarium.En una mano sostiene estratégicamente un abanico de pluma de avestruz, mientras que con la otra juguetea con un strigil, un utensilio de bronce que se empleaba para untarse con aceite o para quitarse el sudor de la piel.


En las termas de Pompeya se había encontrado un buen número de ellos . El strigil mezcla la autenticidad arqueológica con una forma fálica explícita y la imagen de sensualidad se potencia  contrastando la piel del animal y los almohadones de seda con el cuerpo desnudo de la mujer- El virtuosisimo técnico de Alma Tadema le permitió pintar superficies como el mármol con  resultados espectaculares.


Mercedes Tamara 
9 -12-2012

Bibliog : 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo


sábado, 8 de diciembre de 2012

EL SOL LEVANTÁNDOSE ENTRE BRUMAS : PESCADORES LIMPIANDO Y VENDIENDO PESCADO WILLIAM .A. TURNER

EL SOL LEVANTÁNDOSE ENTRE BRUMAS : PESCADORES LIMPIANDO Y VENDIENDO PESCADO 1807
El sol levantándose entre brumas : pescadores limpiando y vendiendo pescado
óleo sobre lienzo 134 x 179,5 cm
National Gallery , Londres




En muchos sentidos, esta obra temprana de Joseph Mallord William Turner ( 1775-1851) es el retrato tradicional de una agradable escena de grupo . Entre las reconocidas influencias que se advierten en la obra , podemos citar a Willem van der Velde , el joven, artista holandés especialista en marinas que vivió en el siglo XVII y los primeros paisajes italianizantes de  Claudio de Lorena y Richard William.


Estos artistas buscaban crear un ambiente determinado a sus paisajes , Van der Velde y Lorena, además lograron un dominio absoluto de los efectos cromáticos y espaciales de la luminosidad, factor determinante en la obra de Turner. Esta obra contiene una de las primeras versiones de efectos atmosféricos que con tanta perfección captó Turner y por los cuales llegó a ser famoso, con un sol que brilla entre las nubes para iluminar el agua e incidir en las barcas y los pescadores.


Es como si el cuadro no representara un lugar específico, sino que estuviera pintado con un profundo cariño y una gran sabiduría. Turner vivió toda su vida cerca del agua, ya fuera al lado de un río o junto al mar, y sentía una viva inclinación por los enclaves bañados por lasaguas y las temáticas acuáticas. Por otro lado, pasó parte de su infancia con unos parientes de su madre que eran pescadores.


Turner especificó en su tratamiento que esta pintura , junto con su Dido en la construcción de Cartago ( 1815 ) que fuera expuesta en la National Gallery of London, al lado de sus dos cuadros preferidos de Lorena . Muchos críticos de arte han afirmado que aunque Turner  forjó un estilo sorprendentemente novedoso, nunca llegó a perder sus raíces tradicionales.


Mercedes Tamara 
8 -12-2012

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo






jueves, 22 de noviembre de 2012

RETRATO DE UNA JOVEN ( LA FORNARINA ) RAFAEL

RETRATO DE UNA JOVEN ( LA FORNARINA ) 1518-1520
Retrato de una joven ( La Fornarina )
óleo sobre madera 87x 63 cm
Roma, Galleria Nazionale d´Arte di Palazzo Barberini


La Historia del Arte también tiene su " crónica escandalosa " . Rafael fue un pintor al que desde su niñez, todo parecía salirle bien. En el momento culminante de su carrera se había previsto su boda en Roma : pero supo sustrerse a la unión con diversos pretextos . Se dice  que en su lugar tuvo una amante fija y que llevó una vida libertina....Con tales anécdotasnunca demostradas, Giogio Vasari dio pábulo a especulaciones sostenidas sobre quién  podría haber sido dicha amante . A los posteriores intérpretes le gustó la idea de que fuera Margherita Luli, quien también sirvió de modelo a Rafael . Fue la hija de un panadero  romano : de ahí el nombre de " La Fornarina " . Ningún otro retrato femenino de Rafael ha alimentado tantas fantasías ; sin embargo, carece de cualquier probabilidad histórica que este cuadro presente a la amante de Rafael.
Una bella joven está posando, con el torso desnudo . Alrededor de las caderas tiene un tejido rojo ,delante del pecho sostiene un velo transparente, que no hace sino subrayar su desnudez. Su mirada no se dirige al observador , sino que tuerce ligeramente la cabeza a un lado como si estuviera observando algo. El cabello está artísticamente recogido con un paño del que cuelgan perlas, torcido en forma de turbante; sin embargo, lo que más llama la atención es el brazalete en el brazo izquierdo , con la signatura en letras de oro; RAPHAEL  VRBINAS  No tomó ningún otro retrato de un modo tan evidente , por lo que ha de considerarse como prueba de una relación personal.
La desnudez como ocasión privada de un cuadro no era concebible; se precisaba siempre una legirimación mitológica o alegórica. Como atributo, la desnudez era una propiedad de Venus. Es posible que Rafael , por un lado, pintara la desnudez como expresión de la belleza y, por  otro, que buscará la reproducción verista y sensual de su modelo
Mercedes Tamara 
22 -11-2012
 Bibliografía :El último Rafael Museo Nacional del Prado

lunes, 19 de noviembre de 2012

EL SUICIDIO DE LUCRECIA ALBERTO DURERO

EL SUICIDIO DE LUCRECIA 1518
El suicidio de Lucrecia 
óleo sobre tabla de tilo 168x75cm
Múnich , Alte Pinakothek 







Otro de los raros cuadros de Durero inspirado en la historia y en los mitos antiguos. Se  concluyó en 1518 y probablemente fue concebido muchos años antes, ya que un dibujo  sobre este mismo asunto, fechado en 1508, se conserva en la Albertina de Viena.




Esto ha suscitado muchas discusiones en torno a la época exacta en que se pintó la tabla.  Para unos habría que fecharla en 1518; para otros, por el contrario , se remontaría a 1508  y sólo el color habría sido aplicado más tarde. La idea de pintar un desnudo femenino se  le habría ocurrido al artista impulsado por las grandes tablas de Adán y Eva del Prado.



El episodio de Lucrecia corresponde a la época semilegendaria del rey de Roma y habla  de la bellisíma hija de Spurio Lucrecio y esposa de Colatino, que, perseguida y violentada  por Sexto, prefirió quitarse la vida con un puñal , antes de sobrevivir a su deshonor. Durero  la representa en el gesto de traspasarse, en la postura en la que siglos después , en 1922,  la repetiría Giorgio de Chirico , apasionado frecuentador de la Althe Pinakothek de Múnich,  donde se hallaba y continúa el cuadro de Durero.




La figura monumental de Lucrecia , aislada ante el fondo del angosto cubículo , ocupado todo  él por el lecho en que acaba de sufrir la violencia , tiene sin duda estrecho parentesco con la  Eva de 1507, pero el sentimiento de sensualidad pagana que animaba a aquella figura ha desaparecido 




Mercedes Tamara 

19-11-2012







Bibliografía Durero, Edit Biblioteca El Mundo



jueves, 15 de noviembre de 2012

MARI ANTONIO LÓPEZ

MARI 1961
Mari
óleo sobre tabla 45x37 cm
Colección particular


Mari es el retrato que Antonio López realiza a María Moreno, está iniciado el mismo año que Emilio y Angelines ( 1961-1963 ) y la escultura Busto de Mari  (1961 ) . El detalle nos sirve para entender el ideario estético del pintor : sí en el retrato dobledeja ver su respuesta a cambios inesperados en el proyecto inicial, la realización  en paralelo de una pintura y una escultura con el mismo motivo nos permite analizar la actitud con la que elige cada disciplina.
Comparando las dos pinturas, el retrato de María es un proyecto finalizado según  el planteamiento inicial , de una voluntaria y austera sencillez. No existe paisaje de fondo ni una escenografía que contribuya a caracterizar a la retratada y se representa  su rostro sobre un fondo homogéneo , como el vestido y el pañuelo que recoge y tapa buena parte de su pelo. Los tonos dominantes evitan la distorsión expresiva ,reforzando la sensación general de tranquilidad, de reposo ,de cercanía.
La intensidad se centra en el rostro , situado en el eje central del cuadro , en una composición estable, perfectamente clásica . Todo está controlado, incluso el pequeño formato del cuadro, que refuerza la sensación general de quietud, armonía y serenidad . Si recordamos Busto de  Mari , notamos la importancia dada a valores pictóricos en la escultura ( la sensación de calaroscuro, conseguida al introducir leves sombras al girar la cabeza y bajar levemente  la mirada ; el tratamiento nada rígido de las formas , su calidez) mientras que el rostro de Mari , podemos verlo como un relieve matizado por el color , sin la presencia física y el peso virtual del bronce . Una impresión refoorzada al ver los dibujos preparatorios , si bien en ellos es la linea que perfila la cabeza la que refuerza la sensación de tridimensionalidad.
Mercedes Tamara 
15 -11-2012


Bibliografía : Antonio López, Edit Biblioteca El Mundo

miércoles, 14 de noviembre de 2012

REGATA EN EL GRAN CANAL CANALETTO

REGATA EN EL GRAN CANAL 1735
Regata en el Gran Canal
óleo sobre lienzo 117,2 x 186,7 cm
Londres, The National Gallery


Canaletto aprendió a pintar decorados de teatro con su padre , hecho que tendría una importancia fundamental en su obra posterior. En 1719 se puso en contacto con los pintores del vedute de Roma . Su relación con Panini, Vanviteli y Carlevari se refleja en los fuertes contrastes entre luz y sombra que caracterizan sus primeras obras.
Además de la vedute , al principio pintó también fantasías arquitectónicas y capricci  de ruinas .Sus pinturas fueron particularmente apreciadas por coleccionistas ingleses, de modo que algunos agentes comerciales , con los que Canaletto estaba en contacto  se convirtieron en los principales compradores de sus obras. Esta demanda atrajo al pintor a Inglaterra, donde realizó vistas de Londres y de las propiedades de sus clientes
.
Estas vedute poseen ya los colores claros y cristalinos que caracterizan su paleta a partir de los años treinta, tratamiento que también adoptará , hasta cierto punto, en su obra gráfica . El abandono de los fuertes contrastes de luz y sombras en sus obras de madurez ha llevado a pensar que Canaletto optó por una orientación antibarroca , en realidad, su pintura de colores claros es plenamente barroca, aunque sus innovaciones en el campo de la coloración de imágenes alejadas prepararon el camino a la pintura al aire libre del siglo XIX.
Eñ hecho de que Canaletto, ya con vida, no sólo tuviera imitadores , sino que se hicieran  gran número de falsificaciones de sus obras , es una prueba evidente de su popularidad. Entre los compradores de los inicios se encuentran ante todo ingleses- representantes  de comercios, diplomáticos , viajeros eruditos del obligado grand tour. El duque de Bedford le encargó una serie de 24 vedutte, John Smith , cónsul inglés en Venecia encargó 36 vistas.
Procesiones, fiestas, ceremonias , regatas.... En los cuadros de Genttle Bellini, , del siglo XV, nos encontramos con brillantes escenificaciones de la Serenissima . Canaletto no sólo continúa esta tradición, sino que la reanima viéndola a través de su propio temperamento y en el  ropaje de su época . Ya describía las fiestas del día de la Asunción , las nupcias simbólicas de la ciudad con el mar o la llegada de Dogo no se trata de extraordinaria coreografía de la suntuosa monotonía que dominaba las obras de Bellini.
En este lienzo, Canaletto muestra la variedad de góndolas de Gran Canal , los llamativos  vestidos de los gondolieri , la riqueza de colorido y el público de las orillas , las banderas  y alfombras de ventanas y balcones. Muestra fielmente una vida determinada de Venecia desde la Ca¨Foscari : fachadas de palacio , sencillas casas, escaleras, ornamentos de los tejados, chimeneas, terrazas y en medio de todo , el amplio canal de un azul intenso. Está fascinado por el espectáculo momentáneo, su riqueza de colorido y de luz , su embriadadora presencia y la ciudad cargada de historia , eterna, sabia, que ve pasar los siglos, fiesta a fiesta.
Mercedes Tamara Lempicka
14 -11-2012

martes, 13 de noviembre de 2012

PAISAJE BAJO LA TORMENTA DE REMBRANDT

PAISAJE BAJO LA TORMENTA 1637-38
Paisaje bajo la tormenta
óleo sobre madera 51,3 x 71,5 cm
Brunswich, Herzog Anton Ulrich- Museum


Rembrandth es para la Historia del Arte- y no sólo del barroco- una figura de extraordinaria importancia. Grandes éxitos y una ruina económica , una carrera brillantey una caída social caracterizan su biografía , una vida oculta bajo los mitos que se formaron en torno a él. A la fama de Rembrandth han contribuido diversas cosas : sus temas del Viejo Testamento , después, su intensa mirada al retratar el propio yo o de otros, lo que se reflejó en retratos colectivos famosos en todo el mundo. En cualquier caso: en una amplia opinión pública, Rembrandt es conocido como pintor de figuras ; sus cuadros de paisajes solo últimamente  están acaparando más la atención.
Por supuesto que-como el flamenco Peter Paul Rubens - también Rembrandt pintó, dibujó y  grabó solo pocos paisajes , y de los 15 paisajes pintados que se le atribuían antiguamente,  la mitad de ellos se consideran actualmente obras de otros artistas de su entorno. Sin embargo, y esto es lo decisivo , estos pocos testimonios se encuentran entre las craciones más realistas y al mismo tiempo más llenos de fantasía del arte holandés del siglo XVII ; son momentos culminantes del paisaje como género.
Solo es posible hacer conjeturas respecto de la cuestión de si Rembrandt no comenzó a dedicarse seriamente a esta temática hasta la muerte de su esposa, ocurrida en 1642, y además solo lo hizo durante diez años. La tesis de que los motivos le ofrecían así la mejor posibilidad de superar artísticamente su duelo, parece pertenecer al reino de las fábulas. Más verídico resulta el argumento de que el paisaje, en aquel entonces, contribuía a ampliar
el campo de los problemas artísticos , el estudio de las interacciones entre luces y sombras, el orden espacial, pero también a la técnica pictórica . Fuera cual fuera la fuente de inspiración para Rembrandth , los resultados-en la mayoría de los casos, panoramas majestuosos y dramatizados-¡ fueron impresionantes ¡-
El cuadro de Brunswich es el paisaje más vasto creado por Rembranbth. En la elevación del terreno de la izquierda, una luz clara realza una ciudad con un iglesia, árboles y un ancho río, que delante de la ciudad constituye una cascada impresionante, La corriente pasa entre un arco de puente lleno de luz , coronado por un edificio ruinoso en forma de torre. A la derecha se extiende un llano amplio, limitado en el horizonte por una cordillera; también ésta cuenta con todo lujo de detalles, sin que por ello se pierde la grandiosa visión general.
El cielo tormentoso y lúgubre , cuyo dramatismo aumenta diagonalmente hacía la derecha, proporciona un equilibrio armónico a los acentos claros de la mitad zquierda . Ninguno de los otros paisajes de Rembrandt recuerdan tanto los paisajes universales del siglo XVI  como la tabla de Brunswich. El paisaje se densifica , por así decir, hasta convertirse en historia , en el portador de una historia en la que los procesos naturales y la obra humana miden sus fuerzas ; la llamativa ruína por encima del puente sirve de símbolo para dilucidar quien sale victorioso.
Mercedes Tamara 
13-11-2012
Bibliografía : Rembrandt " Pintor de historias " edic El Viso 


lunes, 12 de noviembre de 2012

FRAGMENTO DE LOS ALPES JOHN RUSKINJOHN RUSKIN

FRAGMENTO DE LOS ALPES 1854-1856
Fragmento de los Alpes
acuarela y aguada sobre lápiz y papel, 33,5 x 49,3 cm
Cambridge , MA, Harvard Art Museum, Fogg Art Museum


En su condición de hijo de un acaudalado comerciante de vinos, Ruskhin viajó ampliamente por Europa desde su primera juventud y mostró pronto talento para la prosa y la poesía . Pronto comenzó a estudiar dibujo y acuarela con Anthony van Dick Copley Freiding ( 1787- 1855 ) y James Duffeid Harding ( 1798-1863 ) . En 1843 , Ruskhin publicó Modern Painters donde defendía a J M W Turner contra los ataques que habían sufrido sus últimas obras.
The Seven Lamps of Architecture , la obra en la que explicaba su teoría sobre la moral y la arquitectura , apareció en 1849 , Ruskhin ayudó a la causa de los prerrafaelistas escribiendo dos cartas al director de The Times en 1851 y escribiendo el panfleto Pre- Raphaelistm ese  mismo año. Las opiniones de Ruskhin sobre el arte se publicaban en la revista anual AcademyNotes ( 1855-1859 ) se convirtió en le crítico de arte más famoso de Inglaterra gracias a su notable mirada para observar los detalles y por su estilo atrayente .
Ruskhin viajó repetidamente a los Alpes y sobre todo a Mer de Glace y Chamonix , hacía  donde regresó varias veces entre 1840 y 1875 ( aunque se quejó por la apertura de un casino en Chamonix , en 1851) Allí trabajó en un meticuloso estudio de una roca , mientras sus  abogados se ocupaban de la demanda de su esposa Effie para anular el matrimonio . Ruskhin consiguió plasmar las características físicas de esta área montañosa. En el centro de la composición se encuentra una roca imponente , cuya estructura de la superficie moduló con diferentes tonos de amarillo, naranja y rojo. Al fondo, aparecen esquemáticamente los picos de los Alpes.
La acuarela de gran riqueza de detalles, demuestra la capacidad de concentración de Ruskhin y su fascinación por la geología, una pasión que desarrolló en su infancia . Para el, la geología mostraba el infinito milagro de la creación divina. La precisión revestía primordial importancia en este dibujo; en su conferencia " Lectura de Landscape " que dio en Londres en 1884, decía : " Estoy orgulloso de que mis dibujos...hechos hace 30 años a los pies del Monte Cervino , se hayan convertido en paradigmas del dibujo de montañas , con un contorno absolutamente correcto de todo lo que útil para la ciencia genealógica , o el  arte del paisaje " ( John Ruskhin )

Bibliografía : Obras Maestras del Arte Edic Blume
Mercedes Tamara 
12 -11-2012





jueves, 8 de noviembre de 2012

LA RONDA DE NOCHE REMBRANDT


LA RONDA DE NOCHE 1642
La Ronda de Noche
óleo sobre lienzo 363 x 437 cm
Amsterdam, Rilkmuseum


Los padres de Rembrandt, molinero e hija de panadero respectivamente , querían que su hijo llegará a ser erudito, pero sólo permaneció un año en la universidad. De 1622 a 1624 fue discípulo del pintor romanista , Jacob van Swanenburg , pero su verdadero maestro fue Lastman, en cuyo taller de Amsterdam trabajó sólo medio año, pero fue tiempo suficiente para que su pintura se influyera de forma decisiva . En 1625 se independizó en Leiden junto a su amigo Jan Lieverns y hacía 1631/32 se instaló finalmente en Amsterdam . En seguida alcanzó un gran prestigio , poseía un importante taller y recibía numerosos encargos .En 1664 se casó con Saskia , hija de un jurista, quien llevó al matrimonio una considerable fortuna, de modo que ambos pudieron vivir en la opulencia.



En 1639 compró una casa que nunca acabó de pagar y que llenó de pinturas y antigüedades, accesorios y objetos curiosos . Su afán de consumo y su pasión de coleccionista pronto le hicieron sobrepasar sus posibilidades financieras . En 1642 , el año de La ronda de noche fallece Saskia y a partir de 1649 Rembrandt convive con la sirvienta con la que nunca se  casó para no perder la fortuna que Saskia había destinado a su hijo Titus . En 1656 ha de declararse en quiebra y todas sus posesiones son subastadas . Rembrandth , pobre y abandonado , pasó los últimos años de su vida en la periferia del barrio judío de Amsterdam, sin que por ello disminuyera su poder creativo . Rembrandt fue el artista más universal de su época y durante medio siglo marcó la evolución de su pintura en escuelas y ciudades.


El cuadro más famoso y comentado de Rembrandt recibió a comienzos del siglo XIX el erróneo título de La Ronda de noche , nombre elegido por la luz atenuada y que ha llevado a buscar en esta obra todo tipo tipo de secretos escondidos .Por el contrario , en el libro de historia familiar del capitán Banningh Cocq , que se conserva todavía hoy , se puede  leer la escueta descripción del contenido : " Croquis que cuelga en la gran sala de la  Cleveniers Doelen   ( corporación de los arcabuceros )  de Amsterdam ,en donde el joven señor de Purmelandt, capitán de la compañía, ordena a su teniente , el señor Vlaerdendigen, que haga formar la compañía de guardias cívicos " .


Se trata , pues, de un doelenluhk , un " retrato colectivo " , en el que se reconocen- en el  primer plano - al capitán de uniforme oscuro y al teniente de uniforme amarillo . Lo que distingue el lienzo de Rembrandt de otros retratos equiparables es que emplea el claroscuro como medio de escenificación dramática.Sin embargo, las interpretaciones que intentan reconstruir una actividad coherente olvidan que la escena se compone de " tipos individuales " : el tercero con el casco vuelve a aparecer en Alejandro Magno ( 1655, Glasdow, Art  Gallery ), en La Ronda de noche encontramos también el Hombre del casco de oro ( Berlin, Gemáldegalerie ; últimamente se niega que esta obra sea de Rembrandt ).

También se  encuentra toda una serie de actitudes y poses, sacados de este repertorio del que Rembrandth btenía sus modelos para representarlos dignamente en sus cuadros. En el retrato holandés,la figura humana está siempre ligada a una cierta solemnidad . Pero que mientras que un  nquete de Frans Hals, por ejemplo, reúne a los diferentes participantes con cierta homogeneidad , Rembrandth rompe el agrupamiento ; los tipos y las figuras cobran autonomía en sus propias acciones ; cada una de ellas representa por si mismo su propio  papel.

Mercedes Tamara 
8-11-2012

Bibliografía : Rembrandt " Pintor de historias " edic El Viso

lunes, 5 de noviembre de 2012

LA VENDEDORA DE CAMARONES WILLIAM HOGARTH

LA VENDEDORA DE CAMARONES  1740-1745
La vendedora de camarones
óleo sobre lienzo 63,5x 52,5 cm
Londres, The National Gallery 



Hogarth , hijo de un maestro de escuela , entró en 1712 en el taller de un orfebre y grabador, que despertó su interés por el grabado en cobre. Continuó sus estudios en la Vanderbank´s  Academy de St. Martins´Larre y en la escuela de pintura de Thormhill, pintor de la corte con cuya hija se casaría en 1729 y cuya obra despertaría su ambición de convertirse en pintor de cuadros históricos .

 Esta ambición que mantuvo toda su vida , no se vio nunca coronada por  el éxito    ( Segismundo  Tate Gallery 1759)  mientras que sus grabados ( La carrera de la  prostituta, 1732, La carrera del libertino 1735 y Matrimonio de moda 1742-1744 ) fueron  rápidamente apreciados y celebrados de modo que Hogarth tuvo que protegerse jurídicamente contra los plagios . Su obra religiosa ( Triptico de la Ascensión, St Mary Redclidffe, Bristol 1756 ) ha sido injustamente calificada de torpe y distante . Su carácter polifacético se revela también en originales tratados teóricos , como el antiacadémico Análisis de la belleza publicado en 1753, así como en el estilo personal de sus retratos ( El capitán Thomas Coram, Londres, Founding Hospital , 1740 ) que a la muerte de Thornhill se encargó de la dirección de su escuela, no tuvo sucesores directos. pero su obra sentaría las bases de una tradición pictórica inglesa ,sobre todo en el dominio del retrato.




Retrato de los niños Graham, 1742







Originariamente, Hogarth quiso ser un pintor de historia , pero ni sus contemporáneos ni sus sucesores mostraron especial interés por esas ambiciones . Lo que buscaban era el Hogarth del " mundo al revés " el Hogarth de la sátira moralizante . Y se interesaban por el retratista .  capacidad de caracterización , de descubrir lo único en lo típico , su inclinación a extraer  aspectos históricos fuera del contexto propiamente histórico para conseguir ejemplos irónicos de la naturaleza humana , hicieran que estuviera considerado como el pintor de la vida privada, de los aspectos ocultos u olvidados ...y que lo siga estando. 






En la composición Vendedora de camarones un estudio al óleo , se pone de manifiesto el talento de Hogarth . El pintor consigue reproducir lo observado con espontaneidad correspondiente a la primera expresión El frescor de la experiencia no se transforma, sino que es idéntico con los medios pictóricos. 








Mercedes Tamara 
5 -11-2012 



Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume



jueves, 25 de octubre de 2012

MUCHACHA CON FLAUTA VERMEER

MUCHACHA CON FLAUTA 1663-1670
Muchacha con flauta
óleo sobre tabla 29x 12,8 cm
Washington , National Gallery 







Como la Muchacha con sombrero rojo , que casi podría parecer su pendant, este cuadro es muy discutido . Las noticias relativas a su paso por diversas colecciones no se remontan más allá del siglo XIX y una referencia a las tronien enumeradas en la colección Vermeer y en la Dissius no pueden formularse sino a modo de hipótesis.



La mirada de la joven representada en este cuadro y la presencia del cubrecabezas exótico, el tapiz en el fondo y la silla son prótomos leoninos recuerdan inmediatamente la Muchacha con sombrero rojo. En ambos casos , el autor utilizó un soporte de madera , sobre el cual pintó con toques tan libres que hacen pensar en una falsificación decimonónica ; se ha  demostrado, no obstante , que este estilo puede ser considerado como un desarrollo extremo de algunas tendencias connaturales al arte de Vermeer . En la Muchacha con  flauta se observa sin embargo una técnica un tanto grosera que difícilmente se puede


atribuir al maestro . Se registra alguna notable inseguridad también en lo tocante a la fecha que la crítica sitúa entre 1663 y 1670.  Los análisis efectuados en el cuadro con el auxilio de instrumentos tecnológicos han  proporcionado datos interesantes: la madera de la tabla es antigua y algunos pigmentos  utilizados corresponden a los preferidos de Vermeer . Se ha revelado también la presencia de importantes modificaciones tras la primera fase del boceto, en la capa de color de esta primera versión se han hallado desconchados , que podrían explicarse , entre otras cosas  porque hubiese pasado mucho tiempo entre ese estadio y el siguiente. Por ello, se ha supuesto que Vermeer al morir hubiese dejado la obra sin acabar y la hubiesen terminado otros.
Mercedes Tamara

25 -10-2012 

Bibliografía : Vermeer, Edit Biblioteca El Mundo







miércoles, 24 de octubre de 2012

MUCHACHO MORDIDO POR UN LAGARTO CARAVAGGIO



MUCHACHO MORDIDO POR UN LAGARTO 
 ( 1595-1596 )

Muchacho mordido por un lagarto
óleo sobre lienzo 66x 49,5 cm
Londres, National Gallery



En 1.617 observaba Giovani Bglionie " Parecía que aquella cabeza giraba de verdad ". Y aún hoy, ese muchacho ,mordido en la punta del dedo por el lagarto que sale del bodegón , del primer plano, " grita " en actitud descontrolada y sorprendido en su reacción . El movimento repentino del muchacho , casi con toda seguridad estudiado del natural , parece ser un pretexto para profundizar en el estudio de la expresión , tal vez tiene su origen en la importancia de la representación de los movimientos del alma, una instancia avanzada por Leonardo y sin duda conocida de Caravaggio,desd e los tiempos de su formación milanesa con Simone Peterzano.

Si ese aspecto puede derivarse de la cultura lombarda del artista , la naturaleza muerta del primer plano presenta " un jarro de agua y de vidrio y con los reflejos de la ventana de una estancia " y remite a la fidelidad óptica a lo real  desarrollada en la zona lombarda en la estela de la tradición cientifíca leonardesca, iniciadora de la representación vitalista que  del mismo modo informa toda la composición.

Los tonos, en bronceados todos de verde y marrón, se extienden sobre el plano y resultan visibles sólo gracias al reflejo de la luz rasante , que viene de la izquierda , proyecta una sombra bien perfilada en el fondo y juega en las formas y superficies creando contraluces en las partes en sombra de la figura , reflejos cristalinos en el jarro de cristal y breves resplandores en la fruta más oscura ,contribuyendo así a construir las formas.

Mercedes Tamara 
24 -10-2012

Bibliografía : Caravaggio, Edit Biblioteca El Mundo