martes, 27 de diciembre de 2011

LUCHA A GARROTAZOS DE FRANCISCO DE GOYA

LUCHA A GARROTAZOS 1820 -1821
Lucha a garrotazos
óleo sobre pared trasladado
a lienzo 123 X 266 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado



Duelo a garrotazos es la más popular de las Pinturas Negras realizadas por Goya para decorar las salas principales de la Quinta del Sordo, donde vivió, desde 1819 hasta 1824, junto a Leocadia Zorrilla y su hija Rosarito

 La sala superior era donde estaba colocada la obra, compartiendo la pared con las Parcas. En la escena vemos a dos hombres, enterrados hasta las rodillas, que luchan a bastonazos; según muestran las radiografías, Goya no enterró a ambos personajes, sino que fue el restaurador de toda la serie, Martínez Cubells. Al fondo se observa un paisaje donde también se aprecia la mano del restaurador.

 El Duelo a garrotazos siempre ha sido considerado como un enfrentamiento fratricida, aludiendo a las guerras civiles españolas, aunque se puede extender a la violencia innata del ser humano que tanto criticaba la Ilustración. Por lo tanto, sería la imagen más real y cruel de las Pinturas Negras, donde se elimina todo elemento fantástico. Es una de las más coloristas de la serie, lo que puede ser interpretado como un rayo de esperanza y de vida tras el final de la violencia. Demuestra, por tanto, la preocupación de Goya por la situación política que le tocó vivir, angustia que llevó hasta su propia casa.

Mercedes Tamara 
27 diciembre 2011


Bibliografía : Goya , Edit Biblioteca El Mundo






sábado, 17 de diciembre de 2011

MERCADERES DE ESCLAVOS ARROJANDO AL MAR A LOS MUERTOS , TIFÓN ACERCANDOSE EL BARCO NEGRERO DE WILLIAM TURNER

MERCADERES DE ESCLAVOS ARROJANDO AL MAR A LOS MUERTOS , TIFÓN ACERCANDOSE EL BARCO NEGRERO 1840


Mercaderes de esclavos arrojando al mar a los muertos y
moribundos. Tifón acercándose. El barco negrero

Óleo sobre lienzo 91 x 138 cm
Boston, Museum of Fine Arts



En la exposición de 1840 la crítica atacó con aspereza El barco negrero, con toda seguridad una de las obras más fuertes y turbadoras de la producción tardía del artista , especialmente amada por Ruskin que la había comprado por 250 guineas en 1843 para regalarla a su hijo John , elcual escribió .


 " Si tuviese que confiar la inmortalidad de Turner a una única obra , eligiría ésta (...) su color es absolutamente perfecto,  no hay un tono  falso o turbio en ninguna parte, ni rasgo, está modelado de manera que cada centímetro cuadrado del lienzo es una composición perfecta " .


En la Royal Academy, el artista presentó la obra acompañada de algunos versos de su poema Las falacias de la esperanza El asunto estaba inspirado en Summer de James Thomson , donde se habla de un tifón y un barco negrero , pero , probablemente también en la epidemia declarada en el barco negrero Zong cuyas peripecias narró T. Clarkson en 1809 en la History of Abolition of the Slave Trade .


El cuadro de Turner tiene algo de magnífico y extraño : en un cielon rojo y amarillo , con  pálidos resplandores en la zona central y atravesado " de arriba a abajo  por un sendero de fuego " un navío se aleja veloz , dejando tras si una estela de detritus y cuerpos humanos abandonados a la ferocidad de las aves y de peces monstruosos.

Mercedes Tamara 
17 diciembre 2011



Bibliografía : Turner, Edit Biblioteca El Mundo

sábado, 10 de diciembre de 2011

BODEGÓN CON GATO Y PESCADO DE CHARDIN


BODEGÓN CON GATO Y PESCADO 1728
ó
Bodegón con carne y pescado de Chardin
óleo sobre lienzo 79,5 x63 cm
Museo Thyssen Bornemizsa


Chardin se encuentra representado en el Museo con tres extraordinarios bodegones: esta pareja, datada en 1728, y una naturaleza muerta con almirez, cántaro y caldero de cobre, fechada unos años más tarde. La corriente naturalista dentro de la que se inscribe Chardin convivió en Francia, durante el siglo xviii, con el rococó. El protagonista de los lienzos de Chardin es el objeto; objeto que varía y cambia su papel según la composición y su relación con el resto de los elementos figurados. Se ha dicho que Chardin es el pintor de la burguesía, representada en escenas con figuras de la década de 1730 y en las que los personajes aparecen rodeados de objetos cotidianos que forman parte de su entorno.






 Sus bodegones están compuestos con utensilios queridos por el pintor que formaban parte de su intimidad y de su vida privada y de los que se serviría constantemente para elaborar sus pinturas. Son muy pocos los dibujos preparatorios que se conocen, un hecho que encaja con los peculiares métodos del maestro. Mariette, en su texto Abécédario, comentaba que el artista tenía que tener continuamente bajo sus ojos el modelo, desde el primer esbozo hasta el último toque. También procede de Mariette la noticia de que Chardin vendía sus cuadros mejor que otros artistas dedicados a géneros más prestigiosos, como la pintura de figuras .


Esta pareja de lienzos, que perteneció a la colección del barón Edmond de Rothschild, fue adquirida en 1986. La procedencia más antigua que sobre ellos se conoce se remonta a la colección Rémond, ancien maître d’hôtel du roi, y a 1778, fecha en la que salieron a la venta. Los óleos, según parece, pasaron después a la colección de Armand-Frederic Nogaret, siendo subastados, en París, en 1807. Ya entrado el siglo xix, figuraron entre los bienes del barón de Beurnonville con ventas en 1881 y 1883. En la centuria siguiente estuvieron en la colección de Leon Michel-Levy, y entre sus siguientes propietarios conocidos figuraron el barón Maurice y el mencionado barón de Rothschild .


Ambos óleos participan de la estética holandesa que impregnó las primeras composiciones de Chardin, en las que el artista adaptó a su gusto temas y formatos nórdicos. El Bodegón con gato y pescado está firmado y fechado en 1728. La fecha, de difícil lectura, fue interpretada y registrada en la bibliografía anterior a 1979 como 1758 . Con motivo de la exposición monográfica dedicada en ese año al artista, Rosenberg rectificó, junto con Caritt, la fecha de ejecución, al leer 1728, año más acorde con el estadio estilístico que muestra esta pareja de óleos . El 25 de septiembre de ese año de 1728 fue precisamente cuando el artista fue admitido en la Academia como pintor de frutas y animales .


En esa etapa, en la que se fechan dos de sus obras maestras (La raya, de hacia 1725, y El buffet, de 1728) y en la que con más nitidez se percibe la deuda con el bodegón holandés, Chardin empezó a acompañar sus objetos silenciosos con la presencia de animales que rompen con sus movimientos la quietud de la composición. Estos dos lienzos, compuestos con un esquema sencillo —una encimera de piedra sobre la que se van alineando los animales, el almirez, las ostras, el salmón, las hortalizas y la loza— se quiebran en su horizontalidad con los pescados colgados de los ganchos.


 El rico colorido, aplicado con generosidad de pasta y delicados toques repartidos por toda la superficie, nos da una imagen fidedigna y llena de honestidad visual. La gama de blancos, que Chardin utiliza aquí para las escamas del pescado y las pieles de los animales, sería admirada por pintores de la generación siguiente como Descamps. El espíritu de estos dos bodegones es distinto del que Chardin desplegó en su célebre Buffet, en el que cambió el gato por un perro y en el que presenta una mesa dispuesta con objetos y alimentos más exquisitos. De esta pareja de óleos existen dos versiones con variantes en el Nelson-Atkins Museum y en la colección Burrell de Glasglow


Mercedes Tamara
10 diciembre 2011
Bibliografia : Obra de la Colección Carmen Thyssen Bornemizsa , Madrid

lunes, 5 de diciembre de 2011

EL PEQUEÑO PAJE DE ELEANOR BRICDALE

EL PEQUEÑO PAJE 1905

El pequeño paje
óleo sobre lienzo 91 x 57 cm
Liverpool National Museum 
( Walter Art Gallery )






Fortescue - Brickdale estudió en la escuela de Arte Crystal Palace de Londres y después en la escuela de la Academia Real donde ganó un premio de 40 coronas por el diseño de una decoración mural 

.El año siguiente publicó sus primeras ilustraciones en A. Cotswold Village ( 1808 ) de Joseph Artur Gibbs ( 1887-1899 ) Fortescue - Brickdale continuaría haciendo obras gráficas durante toda su carrera e ilustraciones para ediciones de textos literarios como los Poems ( 1905 )de Tennyson y Golden Treasury ( 1925 ) de Francis Palgrave.


Expuso regularmente óleos en las exposiciones de la Academia Real entre 1899 y 1908 en los que se aprecía la influencia de Rossetti, Hunt y otros artistas del círculo prerrafaelista . En 1902 , Fortescue - Brickdale fue la primera mujer miembro del Real Instituto de Pintura al Óleo . Durante la Primera Guerra Mundial diseñó posters para diversos departamentos del gobierno, después de la Gran Guerra creó más de 20 vidrieras conmemorativas.

Fortescue - Brickdale fue una de las artistas que asumieron el prerrafaelismo y lo llevaron al siglo XX. En cuanto a la elección de temas y el estilo, su obra es típica de la segunda generación prerrafaelista , pero , al mismo tiempo se parece también al de su amigo John Byam Listom Shaw. Sin embargo,en vez de una ciudad moderna , que habría supuesto una fuerte inspiración para Brown y Millais , prefería objetos oníricos derivados de la literatura El pequeño paje es un episodio dela balada escocesa Burd Helen también conocida como Childe Waters un tema que ya había hecho suyo el prerrafaelista de Liverpool William Lindsay 50 años antes Windus retrató a Helen en un avanzado estado de gestación , montada en la grupa de un caballo dispuesta para cruzar el río Clyde.


En contraste con esta representación Fortescue - Brickdale presenta a la heroína sola en el bosque , rodeada de saúcos y rosas silvestres . Con expresión preocupada se prepara para seguir a su amante infiel disfrazada de paje . Los vestidos que podrían delatarla , se encuentran esparcidos por el suelo del bosque , sostiene en la mano unas tijeras para cortarse el largo cabello . Tiene éxito y después de dar a luz al hijo de su amante , éste la reconoce y se casa con ella. 


El pequeño paje es típico de un cierto número de trabajos,en los que Fortescue - Brickdale aísla a una única figura, que rodea de objetos. Es digna de tener en cuenta , sobretodo si se considera que el comienzo del siglo XX hacía pocos años que las mujeres habían conseguido el acceso al dibujo con modelos y al estudio de la anatomía .

Mercedes Tamara 
5 diciembre 2011


Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

jueves, 1 de diciembre de 2011

LOS NÁUFRAGOS DE LA MEDUSA THÉODORE GÉRICAULT

LOS NÁUFRAGOS DE LA MEDUSA 1818

Los náufragos de la Medusa
óleo sobre lienzo 491 x 716 cm
Paris ,Museo del Louvre




El período creativo de Gericault se redujo a doce años y, sin embargo, dio origen a una gran obra . Sentía pasión por los caballos y fue un gran jinete . A lo largo de su vida , realizó numerosos esbozos y cuadros con este tema, cuyo realismo y vitalidad todavía no han sido superados.

Uno de estos cuadros Retrato de un oficial de los cazadores dirigiendo una carga fue la primera obra que expuso en el Salón en 1812 y que le dio a conocer , El carácter apasionado y vehemente de su representación supone el fin del Neoclasicismo en el anuncio del Romanticismo. Otro cuadro de caballos Derby en Epson , que pintó pocos años antes de su muerte, abría el camino al Impresionismo

1808 Gericault entra en el taller de Carle Vernet pintor de caballos y batallas y en 1810 pasa al Guérin , aunque pronto abandonará el Neoclasicismo de éste. Su estilo se vio muy influido por el estudio de la Antigüedad clásica y los maestros de los siglos XVI y XVII . En Italia donde residió entre 1816/17 se entusiasmó por Miguel Ángel . En Inglaterra ( 1820-1822 ) se interesó por Constable por Wilkie y Hogarth . El realismo casi insuperable de sus retratos y representaciones de animales se  fundamenta en un intenso estudio de la naturaleza.

Géricault espuso Los náufragos de la Medusa en el Salón de 1819.El monumental lienzo indignó a la mayoría de quienes la vieron , a pesar deque sus figuras perfectamente modeladas y el fuerte claroscuro debieron resultar familiares al público gracias al arte neoclásico . También eran conocidas las dramáticas descripciones de naufragios con los supervivientes navegando a la deriva en botes salvavidas . La causa de las iras del público fue la presunción del artista al emplear un formato sin representar ningún tema clásico , heroico o edificante como mandaban los cánones académicos.

La fragata de la Medusa había naufragado frente a la costa oriental africana . La tripulación abandonó a su suerte a 150 personas en una balsa. Los náufragos navegaron a la deriva trece días durante los que se sucedieron terrorríficas escenas de locura , muerte, asesinato y canibalismo . Cuando finalmente se avistó la balsa sólo quedaban quince supervivientes , cinco de los cuales murieron tras el rescate. Las altas esferas ocultaron el suceso Más tarde en otoño de 1817  los supervivientes publicaron un relato que provocó una oleada de repulsa  narración que fue inmediatamente confiscada.

Con la obstinación propia del artista , Géricault se lanzó a transformar este escándalo en una composición que superó, con mucho , el mero reportaje o el cuadro de género , para convertirse en una parábola del comportamiento humano en condiciones extremas. Con la pirámide que forman las personas en la balsa, cuyas figuras estaban en muchos casos basadas en Miguel Angel y coronada por un hombre negro que enarbola una pieza de ropa para llamar la atención de los lkejanos rescatadores , la disposición de las figuras posee una solidez que contrasta con el caos del oleaje que rodea la balsa.

Mercedes Tamara 
1 diciembre 2011


Bibliografía : El Romanticismo, Edic Taschen
                      Enciclopedia de Historia del Arte, Edit Planeta