viernes, 28 de junio de 2013

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS EL BOSCO

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS 1500

El jardin de las delicias
óleo sobre tabla 220 x 389cm
Madrid, Museo Nacional del Prado





El Bosco ( 1450-1516 ) Creó algunos de los cuadros más desconcertantes de la historia del arte . Se sabe poco acerca de él , lo cual ha dado píe ha muchas especulaciones sobre su persona y sus motivaciones. Hacía donde se sabe Hyeroymus Bosc , El Bosco pasó toda su vida en la localidad de la que recibió su nombre . S-Hertogenbosch , en el sur de los actuales Paises Bajos , cerca  de la frontera de Bélgica . En su época , cuando el mapa de Europa era muy  diferente del actual , la ciudad se encontraba en el ducado de Brabante y era un próspero y notable centro cultural .El Bosco fue el pintor más destacado  de su tiempo en 

 S-Hertogenbosch y hacía el final de su vida su obra era  

buscada por los coleccionistas , no solo de su país sino también de Italia y 

España . Su obra siguió admirándose e influyendo a lo largo del siglo XVI, 

pero después cayó en un largo olvido , hasta que hacía 1900, volvió a renovarse  

su interés por él.



El jardín de las delicias consta de tres paneles que despliegan una visión asombrosa : decenas de personajes -unos humanos, otros monstruosos-habitan un mundo fantástico que acoge desde la belleza deslumbrante hasta escenas de la tortura más espantosa. El panel de la izquierda representa , una multitud de  figuras desnudas se entrega a una actividad lúdica y sexual desenfrenada en un jardín exhuberante. Pese a que muchos detalles sean desconcertantes para el observador desprevenido, la idea general de la obra parece clara: Dios dio al hombre y a la mujer un paraíso en la Tierra, pero los pecados de la carne los han llevado a los tormentos del infierno . Con todo, siendo una obra tan poco  convencional y tan desconocidas las circunstancias de su creación , ha dado  lugar a muchas interpretaciones sobre su significado.

Es una obra abierta a la especulación ya que está documentada en 1517, al año siguiente de la muerte de El Bosco, constando entonces que estaba en Bruselas, en el palacio del conde Enrique III de Nassau . El formato tríptico era muy común en los retablos de la iglesias de la época de El Bosco, pero este es tan peculiar que es casi seguro que fue creado para un mecenas privado y no para una iglesia, y a falta de pruebas en contra es razonable suponer que  ese mecenas fue Enrique o un pariente suyo.

El autor no dejó cartas ni otros escritos y no se conservan testimonios de personas que le conocieran . Existen muchos documentos coetáneos relativos a él, conservados sobre todo en los archivos municipales de 


S-Hertogenbosch; 


estos, si bien aportan algún dato sobre su vida , no revelan nada sobre su persona. Los estudiosos modernos han intentado rellenar este vacío informativo 


con especulaciones de todo tipo , desde las que se consideran al Bosco como  


un teólogo erudito hasta que le convierten en un hereje de mente perturbada. 


Se ha propuesto, por ejemplo,que las figuras del panel central de El jardín de 


las delicias eran miembros de una oscura secta que practicaba la promiscuidad 


ritual con el fin de recobrar la antigua inocencia de Adán y Eva , que el Bosco  


habría pertenecido a dicha secta , y, que, por tanto, la obra ceñebraría la lujuría 


más que condenarla. Tales teorías pueden resultar interesantes, pero tienen 


muy poco o ningún fundamento . Más bien, todos los documentos de la época  


indican que El Bosco era un respetado miembro de la sociedad y de ideas  


convencionales en materia religiosa. Los aspectos de su obra que nos resultan 


extraños reflejan probablemente la cultura popular de su tiempo más que una 


excentricidad personal. Por ejemplo, en las procesiones y el teatro de carácter 


religioso se usaban a veces máscaras demoníacas para representar los horrores 


del infierno.







DETALLES DE LA OBRA  







 FUENTE DE LA VIDA .- Esta extraña y hermosa estructura de panel izquierdo es 


la Fuente de la Vida de la que fluyen los ríos del Paraíso.No se menciona en el  


relato bíblico de la Creación, pero aparecen en el arte cristiano a partir del siglo V 







ADÁN Y EVA .- En el relato bíblico de los primeros días del mundo . Dios creó a 


Eva a partir de una costilla de Adán mientras este duerme. Aquí , Dios, con un 


aspecto muy similar a la imagen tradicional de Cristo , toma a Eva de la muñeca 


para presentarla a Adán . Con la otra mano hace un gesto con el que bendice su 


unión.







ANIMALES EXÓTICOS.- Las escenas del jardín permitían a los artistas pintar animales de todo tipo: reales o imaginarios, para ilustrar la abundancia de la 


obra divina. El mítico unicornio fue incorporado al arte cristiano como símbolo 


de pureza.







A LOMOS DE ANIMALES.- Hombres desnudos montados sobre animales reales 


e imaginarios rodean un estanque en el que las mujeres los contemplan en ademán de invitación. Los animales se asocían tradicionalmente a los apetitos 


humanos más bajos y , en la época de El Bosco , como en la actualidad , el acto 


de montar podría ser una metáfora del acto sexual.







FRESA GIGANTE.- Pocos detalles de la pintura han escapado a la interpretación 


simbólica . En el arte, la fresa era a veces una alusión simbólica de la sangre de 


Cristo , pero también funcionaba como metáfora sexual , pues su jugosa voluptuosidad sugiere el placer carnal







ESTANQUE CON MUJERES DESNUDAS.-En el estanque representado en el panel central, unas mujeres desnudas provocan a los hombres que las rodean.


Los moralistas medievales asociaron con frecuencia a la mujer con la tentación, 


siguiendo el modelo de Eva . Esta " Fuente de la Carne ", una especie de enloquecido tiovivo del cortejo , puede verse como el contrapunto pecaminoso 


de la Fuente de la Vida del primer panel del Tríptico.


HOMBRE ÁRBOL.-En parte hombre, en parte huevo y en parte árbol, esta figura se resiste a un análisis preciso , pero sin duda pretende ser la contrapartida infernal de la Fuente de La Vida del panel izquierdo . Se ha propuesto sin fundamento real , que el pálido rostro es un autorretrato de El Bosco. Sobre  su cabeza unos demonios dan vueltas a sus víctimas en un disco sobre el que hay una gaita , instrumento que a menudo tiene connotaciones sexuales.


CUCHILLO Y OREJAS.- Las dos orejas y el cuchillo tienen un evidente aspecto genital . El cuchillo lleva inserta la letra M como otras hojas que se ven en los  cuadros del Bosco, para la cual se ha dado varias explicaciones. Según una de ellas, se trataría de la inicial del mundus ( mundo en latín )

TÉCNICA.- Tanto en su imagineria como en su técnica  El Bosco fue un espíritu libre. La mayoría  de sus contemporáneos de los Países Bajos cultivaba una pincelada uniforme , lisa y precisa, pero la de El Bosco  es fluida y vigorosa . Además , fue uno de los primeros pintores del norte de Europa en realizar  dibujos concebidos como obras independientes. El ejemplo mostado aquí 
es una variación sobre el hombre-árbol de El jardín de las delicias 



Mercedes Tamara 
28 .junio-2013

Bibliografía : Obras Maestras de la Pintura , Edic Libsa








martes, 25 de junio de 2013

AUTORRETRATO VIGÉE-LEBRUN, ELISABETH

AUTORRETRATO 1790
Autorretrato
oleo sobre lienzo 100 x 81 cm
Galleria de los Uffizi, Florencia




Elisabeth Vigée- Lebrun ( 1755- 1842 ) Nació en París y fue alumna de su padre,el pintor al pastel Louis Vigée , y después estuvo bajo la tutela de Gabriel Doyen y Gabriel Briard. Completó su formación con el estudio de las obras de Pedro 
Pablo Rubens , Anthonis van Dyck y Rembrandth en las colecciones de arte de Paris.


En 1776 contrajo matrimonio con el acomodador pintor y comerciante de arte Lebrun . En 1779 a la edad de 24 años , Vigée fue nombrada pintora de cámara  de la reina Maria Antonieta ( 1755-1793 ) . En 1783 ingresó en la Academia . A partir de entonces expuso sus obras anualmente en el Salón del Louvre. Durante los años de la Revolución se vio obligada a emigrar , viajó primero a Roma, donde se estableció en 1789, y después a Viena , Berlin, Dresde, San  Petesburgo y Londres. En 1809 regresó definitivamente a París como preciada  retratista de la aristocracia europea . 


Algunas obras importantes son : Joseph Vernet , 1778 , Museo del Louvre , París,La reina Maria Antonieta , 1783, Museo Nacional del Palacio de Versalles y el Trianon, Hubert Robert 1788, Museo del Louvre.




Vigée pintó este Autorretrato cuando residía en Roma, por encargo de los Uffizi.Realizó muchos esbozos y pruebas antes de poder realizarlo En este Autorretrato se representa pintando ante un gran lienzo. Está mirando fijamente al espectador con un bello vestido negro con un gran lazo rojo que rodea su cintura . En el cuello lleva una especie de encaje blanco que hace juego con el sombrero blanco que lleva sobre su cabeza . 





Su rostro es deliciosamente bello ,sus mejillas las coloreado ligeramente En la mano lleva la paleta para aplicar los colores a su lienzo. Esta se confunde  con el color del traje En la mano izquierda lleva varios pinceles para continuar  la pint ura , tras el breve descanso que se ha tomado Están muy logrados los claroscuros -donde se aprecía la influencia de los maestros flamenco: Van Dyck, Rubens y Rembrandth La luz cae directamente sobre su bello rostro y se extiende alrededor de su cuerpo y luego se disuelve en las semipenumbras de este magnífico autorretrato 

                                    Mercedes Tamara
                                            25-06-2013







Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

viernes, 21 de junio de 2013

PRIMAVERA GIUSEPPE ARCIMBOLDO

PRIMAVERA 1573
Primavera
óleo sobre lienzo 76x 63,5 cm
Museo del Louvre , París





Giuseppe Arcimboldo ( 1527-1593 ) Creó un nuevo tipo de retrato . Sus obras quedaron olvidadas durante siglos , pero desde su redescubrimiento no han dejado de deleitar y fascinar a un amplio público . La carrera de Arcimboldo comenzó y terminó en su ciudad natal , Milán , pero su memorable aportación al arte se realizó en Viena y después en París al servicio de tres soberanos sucesivos del Sacro Imperio Romano: Fernando I, Maximiliano II y Rodolfo II. Gozó de fama en su tiempo, pero tras su muerte, su obra se consideró como una mera curiosidad . El resurgimiento del interés por su pintura comenzó con los surrealistas, que compartían su afición por el juego virtual y la paradoja  y lo consideraron un predecesor de su estilo.


Primavera es una obra de puro ingenio que capta nuestra atención al instante. Resulta admirable su imaginación al concebir una cabeza de mujer hecha de flores y la habilidad con que materializa la idea . Sus contemporáneos también disfrutaron de su gracia y artificio, pero además apreciaban significados más  profundos en sus obras, pues en esa época era habitual presentar ideas serias bajo formas caprichosas . Esto era especialmente cierto en las sofisticadas cortes en las que trabajó Arcimboldo.


Los emperadores de Habsburgo para los que trabajó el autor dominaban extensos territorios en Europa , y el arte creado para ellos a menudo rendía homenaje a su poder, de modo directo e indirecto. Los trabajos de Arcimboldo son sutiles alegorías de su autoridad e influencia Primavera forma parte de una serie de cuatro cuadros que representan las estaciones del año, encargados por Maximiliano II como regalo para Augusto I , elector de Sajonia . La serie celebra la munificencia del reinado de los Habsburgo y sugiere además que  la dinastia será perdurable , igual que las estaciones se suceden una tras otra en un ciclo sin fin




El rostro se compone principalmente de rosas, que representan la belleza y la fragancia de la juventud. Con frecuencia las cuatro estaciones se representan  como cuatro edades , identificándose la vejez con el invierno. Así, de hecho, podrían representar las edades del hombre ( cuyo número podría variar entre  tres y siete , siendo el de cuatro un modelo típico ). Las flores se han utilizado a menudo para simbolizar el paso del tiempo y la vanidad de los logros mundanos, pues hasta la flor más hermosa se marchita y muere.


Las flores que componen el cabello de Primavera ( o tal vez, su tocado ) crean un efecto encantador de un tapiz. El autor las pintó con mayor delicadeza que las  flores y hojas que recorren el marco , que se consideran un añadido del siglo 
XVII. También Primavera sostiene una flor de iris. Como sucede con muchas  flores , su simbolismo varía según el contexto. Aquí probablemente alude a la renovación de la tierra tras la monotonía invernal.


El torso se compone de verduras Estas han tenido en el arte menor predicamento que suelen representar la abundancia general de la naturaleza más que cualidades específicas . Con todo el artista ha dado aquí a las humildes verduras la misma importancia que a las llamativas flores.


Mercedes Tamara 
21 -junio -2013

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo