jueves, 29 de septiembre de 2016

EL AFILADOR FRANCISCO DE GOYA


EL AFILADOR 1808-1812

El afilador
óleo sobre lienzo 68 x 50
Museo de Bellas Artes de Budapest 


Esta pintura del Museo de Bellas Artes de Budapest pertenece a la época en que Goya realizó las " pinturas negras " . Los rasgos del rudo afilador han sido descritos a base de pinceladas abruptas y efectistas , de modo que si se observa con detenimiento el lienzo, se advierte la forma de concreción de la forma, sugerida ésta por medio de toques de iluminación violenta.

La técnica es de una total espontaneidad descuidada y económica Al observar la ejecución de la camisa que viste el personaje se constata la ferocidad con que Goya empastó el color y la escasa ilación del toque, gracias a la cual los contornos de la figura se funden con ciertas zonas de la atmósfera que los circunda.





Goya nos lo presenta sin ninguna idealización, en mangas de camisa y con el pecho descubierto.Curvado sobre su carretilla ,el afilador se nos presenta como aislado del mundo , sobre un fondo de tonos pardos animado por sombras y transparencias sugerente  Se inclina ante la rueda de afilar, transportada en una especie de carretilla que incluye un pequeño depósito de agua para enfriar la piedra. Levanta la vista de su trabajo para observar al espectador, con una mirada cómplice. No existe ninguna sugerencia espacial pero la figura adquiere grandeza gracias a su gesto y a su trabajo. De esta manera se anticipa Goya al Realismo que se desarrolla en Francia a mediados del siglo XIX, exaltando la labor de los trabajadores. 


Mercedes Tamara
29-09-2016



Bibliografia:  ARTEHISTORIA 









viernes, 23 de septiembre de 2016

LA MARQUESA DE PONTEJOS FRANCISCO DE GOYA

LA MARQUESA DE PONTEJOS 

La marquesa de Pontejos
óleo sobre lienzo 211 x 126 cm
Galeria Nacional de Washington




La influencia del retrato inglés - especialmente de Gainsborough - va a marcar buena parte de la obra de Goya, siempre abierto a recibir nuevos aires creativos. La situación de las figuras al aire libre fue lo que más llamó la atención al aragonés de los retratos británicos.Mariana de Pontejos nació en 1762 y se casó en 1786 con el hermano del Conde de Floridablanca. Se considera la fecha de su boda como aceptable para situar la de estel retrato. 


Aparece en un jardín, vestida con un elegante traje en tonos grises adornado en la sobrefalda con cintas blancas, flores rosas y una cinta en la cintura del mismo color. Se toca con un sombrero de color crema y calza chapines de tacón. 

Asi vestida parece una modelo de alta pasarela del siglo XVIII. Goya muestra especial atención por los detalles que adornan el precioso traje y por la sensación de gasa de la sobrefalda. El paisaje otorga frescura y perspectiva al conjunto, mientras el perro en escorzo del primer plano simboliza la fidelidad. Los tonos grises, rosas, verdes y blancos empleados crean una gama cromática perfecta, otorgando mayor elegancia a la aristócrata. Con este tipo de retratos Goya triunfará en los círculos cortesanos madrileños.


Mercedes Tamara
23-09-2016

Bibliografia : Goya Edit Biblioteca El Mundo

sábado, 17 de septiembre de 2016

ANGÉLICA ENCADENADA JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

ANGÉLICA ENCADENADA

Angélica encadenada
óleo sobre lienzo 97 x75 cm
Museo Sao Paulo 




El academicismo francés tiene a Jean Auguste Dominique Ingres como uno de los máximos representantes de este estilo. Hombre de extracción burguesa , su pintura retorna una y otra vez en el transcurso de su vida al tema del desnudo femenino , en ocasiones revestido de exotismo oriental o, como en el caso de Angélica encadenada, de connotaciones literarias




La heroína de la obra de Ariosto aparece también en otro cuadro de Ingres que posee el Museo del Louvre , cuya composición introduce además a la figura de Ruggero .




El del museo paulista presenta a la joven , con ambas manos unidas por una gruesa argolla de hierro , junto a un escualo de feroz aspecto. Pero el tema no es más que un pretexto para que el pintor se enfrasque en la obtención de unas calidades mórbidas en el desnudo femenino , por medio de un claroscuro difuminado y virtuoso .




El aspecto convincente del estudio anatómico queda anulado, sin embargo, por la insipidez del contenido y la vaciedad de la expresión en el rostro de la figura : a pesar del esfuerzo compositivo , el cuadro revela una falta de imaginación que es endémica en la producción de Ingres , autor al que hay que contemplar como extraordinario dibujante e innovador de las fórmulas del realismo clasicista






Mercedes Tamara

17-09-2016







Bibliografia Wikipedia










miércoles, 14 de septiembre de 2016

LA AGUADORA FRANCISCO DE GOYA

LA AGUADORA

La aguadora
óleo sobre lienzo 69 x 50 cm
Museo Nacional de Artes de Budapest






Este tipo de pintura La aguadora y El afilador (otro cuadro de similares características), supuso una revolución en la temática del momento puesto que aparece el pueblo como principal y único personaje.


Podría considerarse la antesala del realismo del s XIX. Algunos estudiosos de la obra de Goya piensan que el artista con este cuadro quiso hacer un elogio al comportamiento de las mujeres durante la Guerra de la Independencia, que salían como aguadoras hasta las líneas de fuego para suministrar agua, vino y aguardiente a los soldados, llegando a colaborar de forma activa en la batalla. Esta obra se encontró en la casa de Goya, lo que supone un ejemplo más de las obras que Goya no pintaba por encargo sino por gusto.



Las aguadoras tuvieron un importante papel durante los sitios de las ciudades en la Guerra de la Independencia, llevando agua fresca y animando a los hombres del frente. Goya ha presentado a esta joven en una postura muy clásica, portando una pequeña cesta en su mano derecha y el cántaro en la izquierda, apoyándolo en la cintura.




Goya nos presenta a una joven aguadora con sus utensilios, el cántaro y la cesta con vasos, más que vendiendo agua parece que esta posando para el autor. Mira con cierto desplante al espectador, actitud que se acentúa por hacerlo desde arriba, pues Goya utiliza un punto de vista bajo, reforzado por el vuelo de la falda.




Vestida popularmente, mira al espectador para implicarnos en su patriótica labor con una sonrisa en el rostro, orgullosa de su actividad. Las telas del vestido apenas están sugeridas, dejando de lado los detalles al aplicar el color de manera rápida y contundente. Un potente foco de luz resbala por la figura, haciéndola más escultórica y atractiva a la vez. Junto al Afilador, Goya ejecutó una pareja anónima que se distingue por su heroísmo y por su anticipación al Realismo decimonónico.


                                                                      Mercedes Tamara
                                                                              14-09-2016


Bibliografía : ARTEHISTORIA





miércoles, 7 de septiembre de 2016

DAMA EN AZUL KONSTANTIN SOMOV

DAMA EN AZUL
Dama en azul
óleo sobre lienzo 103 x 103 cm
Galeria Tetriakov, Moscú
Konstatin Somov integraba la asociación artística " Mundo del Arte " que se formó a finales de 1890 alrededor de la revista homónima y contrapuso sus ideales al academicismo y a las tendencias naturalistas en la época tardía de los ambulantes.

Somov fue uno de los exponentes más sutiles del grupo con sus cuadros históricos , de género y retratos . Su Dama en azul no sólo es un retrato psicológico penetrante de la pintora Elizabeta Martínova , sino que es asimismo , la imagen típica, dtramática por su filosofía , de la mujer contemporánea que expresa la amargura poética de la concepción del mundo de Somov.

La belleza espiritual de la joven y frágil mujer con un vestido de tipo antiguo , que se ha refugiado con un libro en el parque, está minada por una enfermiza y agobiante soledad, por la insatisfacción de la vida . 

Estas notas , son particularmente perceptibles , ya que Somov estiliza, con los métodos más modernos , su tema preferido y el clima de los retratos del siglo XVIII, donde se reflejó idílicamente la armonía del hombre con la naturaleza . El pintor revaloriza la esencia de este viejo idilio , revela de desacuerdo espiritual del hombre consigo mismo y con el mundo. Los suaves tonos del cielo y del atardecer introducen unas entonaciones angustiosas.

Mefcedes Tamara
7-09-2016

Bibliografia Guía de los Grandes Museos, Edit Planeta 

domingo, 4 de septiembre de 2016

EL AMOR SACRO Y EL AMOR PROFANO TIZIANO

EL AMOR SACRO Y EL AMOR PROFANO 1515
El amor sacro y el amor profano
óleo sobre lienzo 118 x 279 cm
Galleria Borghese, Roma


El título de esta obra proviene del siglo XVII Parece ser que el artista quiso reflejar en este lienzo una concepción neoplatónica sobre las dos naturalezas de amor , complementarias ambas, en este caso unidas por Cupido , que mueve hacía ambas el sarcófago -fuente , y por el propio parecido físico de las dos mujeres . se cree que hubo una única modelo , Violante, un amor juvenil del pintor -y sus ideas contrapuestas como sugiere el título .

La paleta del artista vuelca sobre las sensuales jóvenes y sus ropajes una fuerte iluminación , pero es discreta en el aporte cromático , que se reduce, en el primer plano central, a tonos rosas , rojos, blancos y dorados. El paisaje está integrado en la escena, y su pálido colorido insinúa el comienzo del crepúsculo. .

Toda la obra ofrece ideas y detalles en apariencia contradictorios, que obligan a afinar la inteligencia para desentrañar la intención de Tiziano. Cabe recordar que para el neoplatonismo y los artistas del Renacimiento , la desnudez femenina era símbolo de la virtud e idealismo.

Si se atiende al título de la obra , parece que Tiziano nos quiere mostrar , a través de la joven atavíada con sus mejores galas y llevando una vasija de aceite en la mano , el rechazo de las realidades terrenales perecederas y la adhesión a lo espiritual y eterno. Todos estos contrastes se acentúan con la actitud reservada y digna de una y la vitalidad exuberante de la otra . A pesar de todo, no hay lucha , sino una tendencia a la unidad dada por el gesto de Cupido , el elemente de enlace , el enlace, el sarcófago -fuente, ya mencionado , y por la mirada que la joven desnuda dirige a su compañera.

El sarcófago- fuente continúa el juego de contrastes dado , en primer lugar ; por este mismo elemento sobre el que se sientan las dos jóvenes . Un objeto reservado a guardar restos mortales se transforma en un depositario de la vida , representada por el agua . Su decoración persevera en esta línea : algunas figuras de pie y otras en el suelo , y caballos y personajes que simbolizan la libertad , mientras que la esclavitud se ejemplifica en el castigo que un hombre inflige a  otro.

El paisaje también participa de este movimiento doble . La masa arbórea que está detrás del pequeño dios oficia el enlace entre una ciudad fortificada , sombría y casí vacía , a la izquierda del cuadro , y una escena campestre , más luminosa y vital , con un pueblo abierto - con su iglesia , sus jinetes, sus pastores y un rebaño a la derecha .

Todo el cuadro guarda una simetría dialéctica, interactuante , tanto en los elementos de la composición , como entre la misma pintura y el espectador .

Mercedes Tamara
4-09-2016

Bibliografía : Tiziano Edit Biblioteca El Mundo
                    Wikipedia