domingo, 25 de diciembre de 2016

BARBARA WILLIERS, DUQUESA DE CLEVELAND COMO SANTA CATALINA SIR PETER LELY

BARBARA WILLIERS, DUQUESA DE CLEVELAND COMO SANTA CATALINA


Barbara Williers, duquesa de Cleveland como Santa Catalina
óleo sobre lienzo 125,7 x 100 cm
Colección particular




Alrededor de 1641 , Peter Lely ( 1618-1680 ) se trasladó de Haarlem a Londres, para concentrase en paisajes y cuadros históricos , antes de seguir su carrera de retratista y marchante de arte en la capital inglesa . Era el momento oportuno , porque los retratos estuvieron muy de moda durante el siglo XVII en Inglaterra y Lely seguiría los pasos de Anton van Dyck.

Sus primeras obras mostraban la influencia de este último y también del barroco holandés , si bien Peter Lely desarrolló a lo largo de su carrera un estilo propio . El artista recibió prestigiosos encargos del rey Carlos I , y después de Oliver Cromwell, pero fue durante el reinado de Carlos II cuando alcanzó la cima del éxito.

En 1660 fue nombrado pintor de cámara de Carlos II  y disfrutó de fama y fortuna considerables. Fue el mismo año en que Barbara Williers se convirtió en amante del monarca , y Lely la pintó en varias ocasiones . 

La extraordinaria belleza de la dama se convirtió en modelo de las mujeres pintadas por Lely , y recreó su lánguida sensualidad con mano suave y evocadora . Lady Williers era tan promiscua y atrevida como insinúa su mirada . Es la exuberante paleta y la atención a la textura de Lely -el brillo de sus perlas , el lustre de sus prendas de seda y el resplandor de su piel -lo que convierten la obra en un placer estético 

Mercedes Tamara
25-12-2016



domingo, 18 de diciembre de 2016

EL AVARO MARIANO FORTUNY

EL AVARO 1870. 1872
El avaro
óleo sobre tabla 30, 5 x 41 cm
Colección particular


Se trata de un tema poco frecuente en la producción de Fortuny , cuya personalidad parece que no era dada a tratar aspectos relacionados con la muerte . En este caso la parca viene disfrazada de alegoría , a través de una iconografía consagrada por la tradición , en la que el esqueleto de un avaro yace junto a un gran cofre abierto que parece guardar el tesoro recaudado a lo largo de su vida.

La escena tiene lugar en una desnuda habitación , en una de cuyas paredes se encuentra el pequeño ventanuco enrejado por la que penetra el haz de luz que ilumina la estancia en diagonal e impacta sobre el protagonista que parece haberse quedado como petrificado , al estar contando las monedas de oro, que sobre el suelo , brillan con tanto protagonismo como él . 

El aspecto algo truculento de la composición se ver reforzado por el empleo de tonalidades oscuras y la hábil utilización de la iluminación , en un alarde compositivo que vuelve a demostrar la habilidad del artista. 

La sensación atmosférica de la estancia cerrada y estancada, casí como si se tratara de una tumba , donde revolotean en el aire antiguas partículas polvorientas , ha sido captada a la perfección , conjugado cierto abocetamiento con el interés , más clásico, por el sombreado gradual , los intervalos luz-oscuridad y su importancia en la realización y consecución de las formas.


Parece que el gusto del artista se centra más en el estudio de los efectos lumínicos y de la composición , que en el melodramático tema . Así esta olvidada habitación , se abre al primer plano , a través de una composición decididamente en diagonal que queda subrayada por la disposición del esqueleto y del cofre y animada por la utilización de un color a base de tonos cálidos y ocres - donde únicamente destaca el pañuelo de intenso rojo que cubre la frente del avaro - que sigue la linea de penetración hacía el espacio imaginario del lienzo. La estancia se hace verdaderamente agobiante debido a la terminación de esta perspectiva en una pared vacía , que viene a remarcar simbólicamente la idea de prisión

Mercedes Tamara 
18-12-2016

Bibliografia . Fortuny , ARTEHISTORIA


sábado, 10 de diciembre de 2016

AUTORRETRATO ANTON RAFAEL MENGS

AUTORRETRATO 

Autorretrato
óleo sobre lienzo 102 x 77 cm
Museo del Ermitage





 Anton Rafael Mengs Fue el pintor más famoso y mejor considerado de su tiempo, y ejerció en sus coetáneos una influencia notable. En la actualidad, más que sus obras históricas y alegóricas se valoran los retratos que realizó para numerosas cortes europeas.
Su repercusión en el arte español fue notable, especialmente en la corte de Madrid. A su sombra despuntaron los Bayeu, y también intervino para que Goya obtuviese un primer empleo en la capital. Su difícil carácter hizo que se enemistara con muchos personajes de la corte, lo cual le hizo acortar su estancia.

El clasicismo ecléctico de Rafael Mengs pretendía conjugar los ideales de la Antigüedad con las tradiciones del academicismo boloñés , no se extendió en su obra al género retratístico . En este campo permaneció riguroso y exento de restricciones formales , mantuvo un vivo interés por la naturaleza , los rasgos individuales y el carácter de la personalidad humana . Uno de los mejores ejemplos es el Autorretrato del Ermitage, obra clásica por su composición , expresividad de la imagen y el colorido de tonos grises , rosados y amarillos.

Mercedes Tamara
10-12-2016

jueves, 8 de diciembre de 2016

EL DIBUJANTE JEAN SIMÉON CHARDIN

EL DIBUJANTE

El dibujante
óleo sobre lienzo 19 x 17 cm
Museo Nacional de Estocolmo









Jean Siméon Chardin, llamado sin razón, incluso en vida, Jean-Baptiste-Siméon (París, 2 de noviembre de 1699 – 6 de diciembre de 1779), está considerado como uno de los más importantes pintores franceses del siglo XVIII. Se le conoce principalmente por sus naturalezas muertas y sus retratos



Esta pintura que comentamos y que se titula El dibujante alcanzó gran éxito en su tiempo , se expuso en el Louvre en el año 1738 y hay réplicas de él en colecciones de París , pues no es el único caso en que la clientela de Chardin , le exigiera la repetición de un tema grato.

El protagonista es un dibujante , desastrado en su indumentaria , que sentado en el suelo traza una lámina a la sanguina, apoyado en un cartapacio y teniendo a la vista otro dibujo de gran tamaño e igual técnica clavado en la pared. El maestro rico y poderoso que era Chardin ha tratado con simpatía a su humilde colega y lo ha colocado de espaldas , sin rostro, como queriendo representar en el a todos los que luchan por abrirse el difícil camino del arte. 

Es admirable la entonación terrosa clara que tiene el cuadro , con una inverosimil finura de matices . Y lo es también la certeza definitiva conseguida con un pincel suelto y espontáneo . Cualidades que aún quedan más de manifiesto en El dibujante

                                                              
                                        Mercedes Tamara
                                              8-12-2016

Bibliografia :Guía de los Grandes Museos, Edit Planeta

martes, 29 de noviembre de 2016

LA CORONACIÓN DE MARÍA DE MÉDICIS PIETER PABLO RUBENS

LA CORONACIÓN DE MARÍA DE MÉDICIS 
La coronación de María de Médicis
óleo sobre lienzo 49 x 63 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo





Peter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640) fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena Fueron discípulos o ayudantes suyos, entre otros, Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Cornelis de Vos y Antoon van Dyck, que trabajaron completando varios encargos para la Corte Española en Madrid.Rubens dominaba diversas lenguas y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas.

En el año 1622 a Rubens se le encargó la confección de los adornos decorativos de una de las galerías del palacio de Luxemburgo recientemente construído en París . El tema versaba sobre la vida de  "Maria de Médicis de los que se encargó veinticuatro cuadros . La elección de este tema adquirió mucha importancia : éstos se sometían a discusión por la propia reina, el cardenal Richelieu y otras personalidades de la corte .

En el Ermitage se exponen cinco bocetos del pintor realizados para los cuadros de esta serie que en la actualidad se encuentran en el Louvre . El más señalado de todos es La coronación de María de Médicis, que es un esbozo de la primera variante de la composición . En él se representa la ceremonia que tuvo lugar en la catedral de Saint- Denis de Paris , en el momento en que el cardenal coloca la corona sobre la reina arrodillada . Los obispos se mantienen en un actitud severa e inmóvil, sobre el fondo destaca la figura de la reina. Las figuras de los niños que la rodean- el delfín Luis , la princesa Enriqueta Maria y el paje- con su fragilidad subrayan la ceremoniosa pesadez del manto de la reina que cae en pliegues . Casi de espaldas al espectador aparece el duque de Vendòme . El grupo de los cortesanos se ofrece en un breve esbozo .ç

La obra asombra por la belleza del colorido en el que dominan los tonos negros , rosados y plateados , unas veces cálidos y otras fríos. La solución del color , rebuscada y profundamente meditada , imprime una fuerza pictórica inusual a éste , que es esencia, tan sólo un boceto inicial


Mercedes Tamara
29-11-2016

Bibliografia : Wikipedia 














viernes, 25 de noviembre de 2016

EL BUEN PASTOR BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

EL BUEN PASTOR
El Buen Pastor
óleo sobre lienzo 123 x 101 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado



Este pequeño lienzo fue y sigue siendo uno de los más populares de Murillo. En un entorno agreste en el que se hallan diseminados restos de arquitectura clásica , se representa al Niño Jesús como un pastor que sujeta un cayado en la mano derecha y apoya la izquierda en una oveja. En el fondo , bajo un denso cielo grisáceo se divisa el resto del rebaño.

El tema del Buen Pastor procede de un texto de san Juan en el que se compara a Jesucristo con el que sacrifica su vida por las ovejas . La simbólica presencia de un animal en primer plano ha hecho pensar en la parábola de la oveja descarriada , extraída del Evangelio de San Mateo ( 18, 12 ) " Si uno tiene cien ovejas y se le extravía una . ¿ no dejará en el monte a las noventa y nueve e irá en busca de la extravíada ? " 

La seriedad del tema queda perfectamente plasmada en este lienzo en el que , a pesar de la ternura del Niño Jesus, prevalece un  tono general retórico y misterioso a la vez , subrayado por el empleo de tonos fríos . La composición está muy estudiada , sin que por ello parezca artificiosa. El Niño y la oveja dominan el centro y subrayan un eje vertical , recalcado a su vez por la columna quebrada del fondo. El contraste barroco aparece sugerido por la diagonal que trazan la pierna izquierda del Niño Jesús , su cavado y las dos manchas de sombra de donde éste termina.


Mercedes Tamara
25-11-2016

Bibliografia : Murillo, Edit Biblioteca El Mundo 


miércoles, 23 de noviembre de 2016

MUJER PEINÁNDOSE GIOVANNI BELLINI

MUJER PEINÁNDOSE 1515

Mujer peinándose
óleo sobre tabla 62 x 79 cm
Kunthistorichas Museum Viena





En sus últimos años Giovanni Bellini realizó uno de sus trabajos más delicados y atractivos: esta Muchacha peinándose considerada por los especialistas como una alegoría o una escena mitológica, planteándose también la posibilidad de que se tratara de un retrato. La joven se presenta ante un fondo neutro cortado por la ventana que permite contemplar el paisaje; sentada sobre una cama en la que apreciamos los pliegues del manto que ligeramente cubre su cuerpo, dirige su mirada hacia el espejo, reflejándose su tocado en otro espejo que encontramos en la pared.


Su blanquecina piel sirve de contraste con el fondo y el paño, mostrando el canon femenino de la época. La luz que baña la figura realza su belleza, apreciándose una ligera desproporción en el brazo que la muchacha se lleva al cabello, quizá motivada por la colaboración de algún discípulo al fallecer Giovanni Bellini antes de finalizar el trabajo. Este tipo de imágenes servirá de influencia a Tiziano.

Mercedes Tamara
23.11-2016

Bibliografía : Guía de los Grandes Museos Edit Planeta

miércoles, 16 de noviembre de 2016

LA MATANZA DE SCIO EUGÉNE DELACROIX

LA MATANZA DE SCIO 

La matanza de Scio
óleo sobre lienzo 419 x 354 cm
Paris Museo del Louvre





Delacroix, como hombre de su tiempo, sintió una gran atracción hacia la guerra de liberación que enfrentó a Grecia con el Imperio turco. En varias ocasiones representó asuntos con esta temática, destacando la Masacre de Quíos, obra en la que se recuerda el ataque de diez mil hombres enviados por el Sultán a la isla de Quíos como represalia contra un ataque independentista griego en 1822. Más de 20.000 personas fallecieron, convirtiendo en esclavos a las mujeres y los niños que sobrevivieron a la matanza. Impresionado por este episodio de la reciente historia griega





El resultado es este cuadro prácticamente monocromo, con unas tonalidades cobrizas que unifican el espacio y proporcionan al cuadro una luz infernal. 
 El cuadro se compone de tres pirámides humanas. De izquierda a derecha, se ven expresiones de miedo y desesperación. Los cuerpos, semidesnudos y tirados, reflejan la derrota de los griegos.

A la izquierda hay una pareja moribunda. Puede verse la sangre que recorre el cuerpo del hombre. En primer plano, a la derecha, se encuentra la figura de una mujer vieja, que mira hacia afuera del lienzo con expresión de horror. Su presencia refuerza el patetismo de la escena.

Detrás de ella, a la derecha, se ve a un oficial turco llevándose a una mujer desnuda, lo que enfatiza la crueldad de la masacre.

Destaca en el lienzo la ausencia de un héroe. La masa de los habitantes son los protagonistas, los que resultan heroicos, sufriendo todos ellos la guerra.

Mercedes Tamara
16-11-2016

Bibliografia : Wikipedia 

jueves, 10 de noviembre de 2016

SABASA GARCÍA FRANCISCO DE GOYA

SABASA GARCÍA 1806-1811

Sabasa García
óleo sobre lienzo 71 x 18 cm
Washington National Gallery , of Art






Los años transcurridos entre el nombramiento de Goya como primer pintor de la corte de Carlos IV y la invasión napoleónica de 1808 fueron un momento de gran actividad y seguridad financiera para el artista. Pintó algunas de sus mejores retratos en ese momento, Señora Sabasa García y varios otros en la colección de la National Gallery entre ellos.



En nombre de Sabasa parece ser que correspondía a un sobrenombre familiar de la modelo María García Pérez de Castro que había nacido en 1790 . Es probable que el pintor conociera a la joven que , por su fisonomía, parece tener unos veinte años de edad 


El sistema compositivo aquí realizado por Goya se podría describir como la sencillez llevada a su perfección. Presentada de busto y ladeada hacía la izquierda , dispone el pintor a la joven mujer ante un fondo oscuro, presentándola sin joyas ni otro tipo de detalles reveladores de su condición social . El resultado es, no obstante, un retrato de suprema elegancia . Los hombros de la joven , como también sus brazos , quedan cubiertos por una amplia pañoleta de tonos dorados , en cuyos pliegues se reflejan luces y se producen sombras de los tonos más oscuros.

A la vista queda su antebrazo izquierdo , cubierto, al al igual que el derecho, por un mitón largo de cabritilla que supera la muñeca y parte de la mano , directamente entrecruzada con su derecha y ni siquiera sostiene el característico abanico , detalle habitual en los demás retratos femeninos de Goya. Delante de la oscuridad del fondo luce la cabeza joven , en cuyo rostro pálido define el pintor con delicadeza su nariz fina , sus labios levemente carnosos y sus ojos brillantes , que subrayan la serenidad de este personaje algo distante. 

Cubierta por un ligero velo de gasa transparente decorado en sus bordes con un dibujo pequeño , caen sus rizos sobre la frente , muy a la moda de entonces y haciendo juego con el aspecto natural de la retratada . La joven queda circunscrita en el espacio neutro , en el cual su tronco y su cabeza evocan una figura geométrica triangular de lineas cerradas . en el que la cabeza ocupa uno de los vértices - eje del lienzo - y los otros puntos los sitúa el pintor en los vértices del antebrazo izquierdo ( codo y cruce de la mano ) cerrando su busto en el margen inferior del cuadro.

A pesar de la sencillez de la composición , apreciamos una gran riqueza de recursos técnicos en Goya a la hora de describir con largas y amplias pinceladas , la superficie de la tela de su vestimenta , que contrastan marcadamente con los finos toques aplicados con gran precisión para sugerir el brillo de su pelo o para definir sus rostro , pintando éste como si de una miniatura se tratase . La variedad de las pinceladas y la técnica cuidada que se muestra en el rostro son muy propias del artista .
Mercedes Tamara
10-11-2016

Bibliografia : Goya Edit Biblioteca El Mundo 
                        Guía de la Historia del Arte

martes, 8 de noviembre de 2016

NORHAM CASTEL : AMANECER WILLIAM MAILLORD TURNER

MORHAM CASTEL : AMANECER
Norham Castel : Amanecer
óleo sobre lienzo 91 x 122 cm
Tate Gallery, Londres


Se conocen numerosos dibujos y bocetos de este lugar, más de veinte versiones a pluma y a lápiz , de los cuales se sacaron grabados a la acuarela , como las dos conservadas en el Britsih Museum , una de alrededor de 1817 y otra de los años treinta , en la cual el sol desgarra las nubes y la niebla con tonos malva y anaranjado.


De todas ellas fue en ésta en la que alcanzó el nivel más alto de abstracción , desmaterializando las formas en el esplendor de la luz, de tal modo que al verlo Paul Signac tuvo palabras de grandísimo elogio y observó que esta obra en comparación con las versiones anteriores había sido " simplificada y despojada " de todo lo que podía resultar inútil y superfluo .

En este lienzo, al que algunos críticos asignan una fecha incluso en los 1840- 1845 Turner obtiene con el color al óleo la misma transparencia y luminosidad de la acuarela ; la luz es deslumbradora , el color sutil , los tonos amarillos se difuminan en los grises azulados y en las sombras azules del castillo en el centro de la escena , en una perfecta fusión de aire y agua , de reflejos y de formas que emergen de sutiles veladuras con los toques rojos del animal errante . 

Es la imagen de un sueño, o mejor de un recuerdo que brota lentamente de lo profundo , disipando las nieblas del amanecer

Mercedes Tamara
8- 11- 2016

Bibliografía : Turner , Edit Biblioteca El Mundo