miércoles, 14 de septiembre de 2011

EL RAPTO DE PROSERPINA DE REMBRANDT



EL RAPTO DE PROSERPINA 1631


El rapto de Proserpina de Rembrandth
Óleo sobre tabla 85 x 80 cm
Gemaldegalerie Berlin





Venus sentía unos enormes celos de la belleza de Proserpina,la única hija de Júpiter y Ceres; por eso incitó al Amor a herir a Plutón, dios de los Infiernos, con uno de sus dardos y propiciar el encuentro entre Plutón y Proserpina. 

El dios, en su única subida al mundo terrenal, se enamoró de Proserpina y la raptó. Los gritos aterradores de la diosa llamaron la atención de Ceres, Venus, Minerva y Diana que intentaron evitar el rapto sin conseguirlo. Este momento de máxima tensión ha sido representado de manera esplendorosa por  Rembrandt en esta tabla.

El carro de Plutón se presenta en el centro de la composición dispuesto a iniciar el viaje, mientras las diosas agarran el vestido de Proserpina, lo que provoca que se caigan las flores que estaba recogiendo y que llevaba en su regazo.

La escena se desarrolla al aire libre, mostrando un fondo de paisaje,aunque las figuras reciben todo el impacto de la luz, resaltando la violencia de la lucha y las calidades de los vestidos. El maestro se especializa en estos primeros años en imágenes llenas de tensión, ya sean de temática religiosa - Jesús en el lago Tiberiadeso mitológica como en este caso. El brusco contraste entre luces y sombras ha sido tomado de la pintura de Caravaggio uno de los pintores favoritosdel holandés en sus años juveniles.  

Mercedes Tamara
14 septiembre 2011     



Bibliografía Rembrandt, Biblioteca El Mundo    

domingo, 11 de septiembre de 2011

PIA DE TOLOMEI DE DANTE GABRIEL ROSSETTI

PIA DE TOLOMEI 1888




PIA DE TOLOMEI
óleo sobre lienzo 105 x120,6 cm
Univesity of Kansas Spenxer 
Museum of Arts





La trágica historia de Pia de Tolomei . la mujer que se encontró Dante en su viaje al purgatorio, fue representada en Londres en 1856 y 1857 lo que probablemente inspirara al artista para pintar este óleo. El marco estaba adornado  por algunas lineas del 5º canto del Purgatorio de Dante , junto a la traducción de Rossetti.


En este episodio Dante conoce a Pia , una mujer de Siena , que había sido recluida por su marido , Nello della Pietra en una fortaleza de Maremma, una región pantanosa en la costa toscana . El cuadro muestra a Pia rodeada de hiedra , símbolo de fidelidad acariciando su anillo de matrimonio . Su tristeza se hace patente en la expresión de los ojos que se apartan de los edificios para volverse hacía un paisaje sombrío . 


El reloj de sol representa el paso del tiempo ; las cartas de su marido, un amor descuidado. El rosario negro y plateado y el libro  de devociones aluden a su nombre ,la piadosa . Los grajos anuncían la muerte de Pia ,que será causada por la malaria o el veneno.


Como modelo , el artista empleó a Jane Morris, quetenía 29 años de edad. Con el cabello fluido , los labios carnosos y los grandes ojos, aparece como el símbolode lo femenino.


Durante la década de 1860 Rossetti se fue enamorando cada vez más de Jane : su cara recurrente en obras que tratan de matrimonios desafortunados como Mariana ( 1870 ) y Prosepina ( 1874 ) . En este último aparece como Proserpina comiendo una granada símbolo de su cautividad. En estas obras Rossetti camufló las tensiones que había en el matrimonio entre Jane y William Morris y la relación que él mantuvo con Jane


Mercedes Tamara
11 septiembre 2011



Bibliografía : Prerrafaelismo, Edic Taschen


jueves, 8 de septiembre de 2011

NEGRO Y PLATA DE JAMES JEBUSA SHANNON

NEGRO Y PLATA 1909


Negro y plata
óleo sobre lienz0 85.1x 101 cm
Londres, Royal Academie of Art





James Jebusa Shannon fue elegido miembro de pleno derecho de la Royal Academy of Art en 1909. De acuerdo con los estatutos de dicha institución . debía depositar " en la Royal Academy , de forma permanente , un cuadro (...) u otra muestra de su talento que contara con la aprobación del Consejo permanente de la Academia " . Shannon escogió la obra Negro y plata , uno de los numerosos estudios de mujeres hermosas que formaban parte de su obra . La modelo era su hija , Katherine Marjorie( Kitty ) nacida el 3 de febrero de 1887 .


La obra evidencia la maestría en la representación de la figura femenina que garantizara a Shannon su condición de principal retratista de la sociedad británica del siglo XIX. Nacido en Estados Unidos en 1878 se trasladó a Londres y entró en la National Art Trainning Schools de South Kensington, donde,tres años más tarde ganó la medalla de oro en la categoría de pintura de figuras . Su reputación se consolidó cuando su retrato de una de las damas de honor de la Reina Victoria ,la honorable Horatia Stopford , se exhibió por orden real en la Royal Academy Summer Exhibition ( Exposición Estival de la Real Academia de Bellas Artes ) de 1881,una plataforma de exhibición pública que utilizó una y otra vez tanto para consolidar su reputación como para atraer a nuevos clientes.


Las exhuberantes colgaduras que sirven de marco a la modelo y el magnífico sofá estilo Regencia en el que aparece sentada nos lleva a pensar que la pintura se realizó en el recién construido segundo estudio de Shannon en su casa taller del número 3 de Holland Park Road , West London, un espacio que Karl Anderson describió como " suntuosamente amueblado "con ricas colgaduras y raras piezas de mobiliario antiguo.


El énfasis en la textura de telas-el vestido, el sombrero,los guantes, las colgaduras - la sofisticada naturalidad de la pose de la modelo y la soltura y extravagancia del manejo del pincel sitúan al retrato de Shannon en el contexto del naturalismo pictoricista , tales como el estadounidense John Singer Sargent ( 1856-1925)y el español Joaquim Sorolla ( 1863- 1923 ) .


No cabe duda de que la versatilidad de su técnica pictórica recuerda los exitosos y favorecedores retratos de sociedad de Sargent , un detalle que a menudo señalan los críticos , como ocurriera en El estudio en 1902 ( Shannon ) es uno de los pocos artistas que se puede afirmar que rivalizan con John Singer . Sin embargo, Shannon, carente de esa formación parisina debía su magistral riqueza y fluidez en el manejo del pincel a los maestros holandeses del siglo XVII .


El título del cuadro , Negro y plata sugiere que debería entenderse más como un ejercicio de las cualidades formales impuestas por la interacción de dos colores que, como la representación de una modelo concreta . En este sentido Shannon no sólo rinde homenaje a Diego Velázquez ( 1599- 1660 ) cuyo arte comenzaba a ser reconocido cada vez como un posible modelo del arte moderno , sino que además se identifica con el precedente establecido por un compatriota suyo, James Abbot Mc Neill Whisttler (1834-1903 ) en el que un retrato se define por los tonos dominantes ,por ejemplo, como una " Armonía en rosa y gris "y sólo de forma secundaria como la representación de una modelo concreta.  



Mercedes Tamara 
8 septiembre 2011



Bibliografía :Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo






miércoles, 7 de septiembre de 2011

EL GEÓGRAFO DE DIEGO DE VELÁZQUEZ

EL GEÓGRAFO 1624-O 1640

El Geógrafo
óleo sobre lienzo 98 x 91 cm
Museo de Bellas Artes, Ruan




Este magnífico lienzo fue atribuido a José de Ribera durante largo tiempo, pasando a ser considerado como obra de Velázquez en el siglo XIX. Se piensa que fue realizada en una época temprana - hacia 1627, por los colores verdes y marrones empleados - y retocada posteriormente, cuando el artista alcanzara cierta madurez.


 Se trata de un personaje con aire chistoso y cómico, vestido a la moda con un cuello blanco, un jubón en tonos oscuros y un manto de color marrón. Mira hacia el espectador y señala una bola del mundo y unos libros que se encuentran sobre una mesita. La figura se recorta sobre un fondo neutro para obtener un efecto volumétrico mayor


. Desconocemos exactamente quién es este personaje, pudiendo tratarse de un bufón o de un filósofo de la Antigüedad clásica representado con cierto aire satírico (se ha pensado en Demócrito), rasgo muy habitual en el Barroco y que motivó la primera atribución. También se piensa en una imagen algo más "científica", planteándose como auténticos retratos de Galileo Galilei o incluso Cristóbal Colón. Por esto se acepta como título El geógrafo. Sin duda, estamos ante una figura totalmente realista, que nos mira a los ojos para atraer nuestra atención, llevándonos a esa bola del mundo a la que señala


 La luz procedente de la izquierda ilumina su expresivo rostro, trabajado con una pincelada más suelta que lo que acostumbra por estos años

Mercedes Tamara
7 septiembre 2011


Bibliografía : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo

viernes, 2 de septiembre de 2011

VENUS ANADYOMENES DEL MAR DE THEODORE CHAUSSERIAU

VENUS ANADYOMENES DEL MAR 1838

Venus Anadyomenes of the sea
óleo sobre lienzo
Museo Nacional de Edimburgo






Théodore Chassériau, hijo de la dominicana Maria Magdalena Couret de la Blasquiére (1791-1866) yde Benoit Chassériau (1780-1844), francés, diplomático y comerciante, nació en la isla de Santo Domingo. Su  Familia se traslada a Francia, cuando él tenia tres años de edad.


Desde muy joven su vocación fue la pintura, a los doce años estudiaba en el taller de Jean Auguste Ingres (1780-1867), pintor que se distinguió por la pureza y el refinamiento de sus dibujos, Jefe de la escuela clásica, frente al romanticismo. Ingres dijo de este precoz pintor:« Señores, este joven será el Napoleón de la pintura »


Fue discípulo de Ingres de 1830 a 1834 y se especializó como retratista influenciado porel realismo de los cuadros nórdicos y el dramatismo de la pintura española y la técnica de su maestro
El romanticismo fue una escuela individualista que prescindía de las reglas y preceptos clásicospara inclinarse por ambientes fantásticos , sentimentales y generosos




Theodore Chasseriau pintó una bellisima Venus desnuda y provista de un cuerpo que exhala armonía de los seres modelados como lo hubiese realizado un orfebre minuciosamente , es una de las pinturas sobre la diosa Venus aquí llamada Anadyomenes ( la diosa que emergió del mar de Chipre ) 


La diosa Anadyomenes eclipsa con su presencia la fascinación que despierta su figura junto al mar que la circunda .Esta pintura está realizada en el momento en que la diosa al emerger del mar se despereza y estira bien loa brazos para ser admirada por los mortales que tuvieron el privilegio de verla salir de los mares 


Mercedes Tamara 
3 septiembre 2011


Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume

LADY GODIVA DE JOHN MALIER COLLIER

LADY GODIVA
Lady Godiva de Mallier Collier
óleo sobre lienzo 143x 183 cm
Herbert Art Gallery Musum
Conventry Londres





Su carrera académica comenzó en uno de los principales colegios masculinos de Inglaterra, el Eton College, y después se especializó en la escuela de arte de Slade con el pintor academicista Poynter. Fuera de Inglaterra siguió sus estudios conociendo las corrientes pictóricas que se desarrollaban en Francia y Alemania. Su figura artística llegó a ser tan destacada que se convirtió en el retratista de algunos de los personajes más importantes de su tiempo, fue cofundador de la Sociedad Real de Retratistas de Inglaterra y miembro del Real Instituto de Pintores además de ser el autor de importantes publicaciones artísticas y culturales.

Sus obras se encuadran dentro del estilo prerrafaelista. La conocida Hermandad Prerrafaelista agrupaba a algunos de los pintores, escultores o literatos más conocidos de la Inglaterra del XIX, su estilo se caracterizaba por el rechazo de las formas academicistas  imperantes y el gusto por la continuidad romántica. De hecho este grupo de artistas –entre los que se encuentran figuras tan importantes como Millais, Rossetti o Holman- se caracterizan por situar el culmen del arte renacentista en los artistas predecesores a Rafael, en el Trecento italiano, y no en Rafael como se pensaba en su época.


Sus obras, que hoy pueden resultar un tanto manidas, fueron el escándalo de la sociedad victoriana de la época: sus figuras siempre finas y delicadas se basan en bellas mujeres de largos cabellos y grandes ideales así, la Lady Godiva de Collier se presenta como una de las obras más características de este movimiento tanto por su temática como por su composición.


La obra representa la historia de Godiva, una joven dama esposa de Leofric conde de Chester y señor de Coventry que en el siglo X rogó a su esposo que redujera los impuestos de sus vasallos. Leofric accedió a la petición de su esposa con la condición de que ésta se paseara desnuda y montada a caballo por las calles de Coventry pensando que nunca aceptaría sin embargo Godiva, apenada por la situación de su pueblo accedió a la propuesta de su marido mientras sus vasallos se encerraban en sus casa con las ventanas cerradas para no perturbar más a la joven dama.


Éste es precisamente el momento escogido por Collier para representa su obra, Godiva encima de su imponente cabalgadura pasea desnuda por las calles de la ciudad; su figura avergonzada se contrapone con la altivez de su caballo que pasea elegante por la ciudad con sus mejores galas. La encarnación de la joven está muy lograda en la representación, sus formas son finas y delicadas y su melena cobriza muestra gran armonía con el manteo del caballo que lleva la heráldica del señor. La escena se desarrolla en el centro del poblado por lo que el pintor nos deja ver las construcciones de época medieval

Mercedes Tamara 


3 septiembre 2011


Bibliografía : Guía de la Historia del Arte

                      Wikipedia


EL ÁRBOL DEL PERDÓN EDWARD COLEY BURNE JONES

EL ÁRBOL DEL PERDÓN 1881-1882


El árbol del perdón de Edward Coley Burne Jones
óleo sobre lienzo 190,5 x 106cm
Liverpool , National Musum Liverpool ( Lady Lever Art Gallerie )




Ante el transfondo de un exhuberante árbol en flor , en un paisaje imaginario , Burne Jones presenta cómo Filis vuelve a transformarse en mujer , abandonando la forma de almendro , tras el regreso de  Demofonte . 


La leyenda narrada tanto en la Legend of Good Women ( 1385 )de Chaucer como en las Heroides de Ovidio , se centran en Filis, la hija del rey de Tracia , quien se encaprichó con Demofonte ,cuando éste regresaba de la guerra de Troya y le hizo la corte. Sin embargo, Demofonte rompió su promesa de regresar ese mismo mes con ella , Filis, por miedo de no volver a verle nunca más , se colgó de un árbol . Atenea tuvo compasión de ella y la convirtió en un almendro . Cuando oyó de los aciagos sucesos ,Demofonte se decidió a regresar Burne- Jones plasma justo el momento en que Filis , tras perdonar a su amante , sale del árbol para abrazarlo: los cabellos de Filis están aún enzarzadosen las ramas.


Burne-Jones trabajó este tema diez años antes y despertó la controversia , Filis y Demofonte en la técnica de la aguada ,muestra la misma escena, pero la figura masculina aparece completamente desnuda ( en esta versión una pequeña tela tapa los genitales ) mientras que Filis está envuelta en un velo  transparente . El presidente de la " Old Watercolour Society " , Frederick Tayler declaró que había recibido una carta de protesta contra la obscenidad de la acuarela.Sin embargo, Burne Jones se mantuvo en su postura por la que retiró la obra de la exposición y se dio de baja de en la Sociedad.


Otro debate despertado por Filis y Demofinte estaba relacionado con el evidente parecido entre Filis y la escultora griega María Zambaco , con quien Burne tenía una relación extramarital , como era sabido ( algunos visitantes de la exposición se darían cuenta de la infidelidad de Burne- Jones para con su esposa Georgina ) En 1868 María intentó suicidarse saltando el RAegent¨s Canals después de que él intentó romper la relación .  Sin embargo, esta continuó durante años hasta que María comprendió que Burne - Jones nunca se compremetiría con ella. 


En El árbol del perdón ,el parecido entre Filis y María no es tan obvio; además , el hombre parece menos vulnerable , comparador con su predecesor Burne- Jones estuvo diversas ocasiones en Italia en la década de 1870  el retrato de Demofonte , en esta versión , revela la admiración de Burne- Jones por Miguel Angel .


Sin embargo , los críticos no se mostraros satisfechos e hicieron notar que la musculatura es exagerada .The Times denominó a Filis y Demofonte en extremo repelente.


Mercedes Tamara 
2 septiembre 2011



Bibliografía El Prerrafaelismo, Edic Taschen


EL TRIBUNAL DE LA INQUISICIÓN DE FRANCISCO DE GOYA

EL TRIBUNAL DE LA INQUISICIÓN 1812-1814



El Tribunal de la Inquisición de Francisco de Goya 

óleo sobre lienzo 46x 73 cm
Madrid, Real Academia de San Fernando





Este lienzo forma parte de una serie de cuatro de iguales dimensiones propiedad de la Academia . La fecha de referencia para esta obra no se conoce con seguridad,  parece pertenecer al mismo grupo que el Entierro de la sardina si bien el formato es diferente 
.La fecha de referencia para estas obras no es segura y  ha sufrido oscilaciones , también considerables según los estudiosos : sin embargo es seguro-por el feroz espíritu que le impregna -que guarden relación con la época de la Guerra de la Independencia , probablemente en una fase avanzada.


Los temas tratados no son en realidad uniformes ,pero tienen en común el abordar antiguas tradiciones o instituciones españolas; la crudeza de las escenas y el estar atestadas de diminutos personajes . En el primero vemos reunidos , bajo las tétricas arcadas del edificio eclesiástico , un grupo de religiosos -señaladamente domínicos - de rostros monstruosos e indefinibles ,huesudos como calaveras con sus grandes órbitas vacías .


Participan en masa en la inquisición de un grupo de judíos , reconocibles por las capas amarillas ( el amarillo es tradicionalmente el color de la vergüenza , de la traición , de la herejía ) y por los humillantes capirotesque Goya habría visto sin duda en la realidad , pero en los cuales está el Auto de fe de Pedro Berruguete.


La persecución antisemita tenía en España una historia secular que había culminado con la expulsión de los judíos del país en 1492 , pero es evidente que los trastornos de la Guerra de la Independencia la estaban reavivando .


Goya hace un espectáculo del encarnizamiento masificado y bien planificado, contra seres humanos inermes , deformados por la tortura y encogidos sobre si mismos La esencia fundamentalmente irracional de la Inquisición , su inclinación natural a transmutarse en una máquina coral de muerte ,son denunciadas aquí más allá de toda duda razonable.


Mercedes Tamara 
2 septiembre 2011



Bibliografia : Goya , Edit Biblioteca El Mundo