domingo, 28 de agosto de 2022

JOVEN DEFENDIENDOSE DE EROS WILLIOAM ADOLPHE BOUGERAU


                                 JOVEN DEFENDIENDOSE DE EROS 1880

 

Joven defendiéndose de Eros
óleo sobre lienzo 79, 5 x 55cm
Paul Gallery Museum, Malibu



Los desnudos serán la especialidad del pintor academicista William Adolphe Bougerau . Durante el Segundo Imperio está temática será muy demandada por la sociedad., lo que no deja de sorprender debido al puritanismo imperante. Pero los desnudos siempre han estado camuflados entre escenas mitológicas o pinturas de género. En esta ocasión nos encontramos con una joven que intenta rechazar las flechas del amor, que se representa frente a un paisaje 


La suavidad y la precisión de las lineas y la admiración por la estatuaria clásica serán las características dignas de mención de esta obra , ligeramente superficial pero no exenta de belleza , y delicadeza



Mercedes Tamara

28 agosto 2022

Bibliografia : Artehistoria




miércoles, 10 de agosto de 2022

MUJER CON MANTILLA Y BASQUIÑA FRANCISCO DE GOYA

                                MUJER CON MANTILLA Y BASQUIÑA 1807


Mujer con mantilla y basquiña 
óleo sobre lienzo 109 x 77cm
Museo National Gallery Washington 



La falta de datos sobre este personaje ha llevado a una identificación algo romántica . La investigación más reciente relaciona este retrato con la 
entrada de la señora con. mantilla y basquiña que aparece en el inventario de Serafín de la Huerta realizado en 1840 y 1843 ( Brown ) 

El personaje aparece aqui de tres cuartos vestida con una basquiña negra - prenda de lujo y distinción que se ponían las señoras para salir a la calle. La joven se ha preparado para abandonar su recinto hogareño , ya que sus brazos y manos quedan enfundadas por unos guantes largos de cabritilla de color claro con un lazo en el antebrazo . 


También se ha cubierto la cabeza con una mantilla de encaje blanco . Su atuendo queda discretamente enriquecido por el abanico y el collar rojo que hace juego con sus labios carnosos y que interrumpe en la restringida gama de tono negros y blancos de su traje. La silueta oscura de su vestido define un cuerpo de una voluminosidad un tanto escultórica, que corresponde a la  constitución de la modelo.



Mercedes Tamara
10 -08-2022

Bibliografia . Goya Edit Taschen 


sábado, 6 de agosto de 2022

LA VISION DEL APOCALIPSIS EL GRECO

                                LA VISION DEL APOCALIPSIS 1609-1614


La visión del Apocalipsis
óleo sobre 
lienzo 222,3 x 193cm
Nueva York, The Metropolitan Museum



Los hospitales tenían como funcionar ayudar a los enfermos a morir santamente ; por ello, la mayoría de sus capillas estaban decoradas con escenas del Juicio Final De la misma manera El Greco diseña para el hospital de San Juan Bautista una imagen relativa al Juicio Final , llamando la atención hacia los privilegios que tendrían los fallecidos en dicha institución, al concederles el Papa la absolución de sus pecados y la indulgencia plenaria . Doménikos une la resurrección de los muertos previa al Juicio con la Visión de la Apertura del Quinto Sello que describe San Juan en el Apocalipsis .


Originalmente seria mucho más amplia, sin embargo , ha sido mutilada, desapareciendo la escena superior donde se supone que encontraríamos al Cordero Mistico y demás símbolos apocalípticos . Nos encontramos con una obra muy original salida de los pinceles del artista cretense. San Juan se sitúa en primer plano  es una figura gigantesca que viste túnica azul , mientras que su manto rojo señala hacia los resucitados. Las almas desnudas se despojan de sus ropas mortuorias para colocarse los paños blancos que reparten los angelitos.Uno de los resucitados parece elevarse hacia el cielo , mientras que los demás se levantarían de sus tumbas en posturas sumamente escorzadas, aludiéndo una vez mas al Manierismo . 



Las dos figuras femeninas están. pefectamente modeladas , con un canon clásico , mientras sus compañeros masculinos se estilizan al máximo , es decir: la cabeza es la decimotercera parte del cuerpo. El fondo nos muestra un aspecto totalmente dramático, iluminado por las luces del Juicio Final . La iluminación es multifocal , incidiendo de diferente manera en cada uno de los siete cuerpos , alusión al numero mágico, Esos focos de luz modelan las figuras bruscamente , en especial la tunica de San Juan , que parece esculpida como si se tratase de una estatua . Respecto a los colores, abunda los blancos , pero la fuerza del azul, el rojoso el amarillo resulta determinante para una escena donde las tonalidades chocan entre si y las perspectivas empleadas no son las tradicionales El Greco ha suprimido las leyes de la lógica para realizar la intepretación de uno de los momentos cumbres de la fe cristiana


Mercedes Tamara

5 agosto 2022


Bibliografia : Artehistoria 














viernes, 5 de agosto de 2022

UN MARROQUI MARIANO FORTUNY

     UN MARROQUI 1869


Un marroquí 
acuarela 32 x 20 cm
Museo N acional del Prado, Madrid 



Contra la pared , con una  única linea como referencia espacial del suelo 
Con el torso medio desnudo, los pies descalzos sobre la tierra , las manos entrelazadas en actitud de reposo y un brillo en la mirada que termina de esbozar la medida sonrisa con la que el marroquí nos mira, el pintor capta la esencia de Marruecos, la luz y su gente.

Esta pared , que es de barro, encalada. arenosa, en la misma gama de tonos que que su piel y que parte del país, y sobretodo del Magreb, Esa pared que sirve de fondo para mostrarnos un ser anónimo , racial y cultural , esa pared que también en la representación de un territorio en donde se funden sus pies , sus raíces 

Cuando realizó esta acuarela, el orientalismo estaba de moda en Europa . Y esa tierra de barro y roca , magistralmente plasmadas en esta acuarela con una texturas y una luz prodigiosa . que el pintor buscaba en las tierras del Magreb


Mercedes Tamara
agosto 2022


Bibliografia Fortuny Edit Taschen

jueves, 20 de enero de 2022

PROCESION INTERRUMPIDA POR LA LLUVIA MARIANO FORTUNY

       



       PROCESION INTERRUMPIDA POR LA LLUVIA 1867 -1868

Procesión interrumpida por la lluvia
óleo sobre lienzo 35 x 44 cm
Colección particular



La estela De Goya fue seguida con fuerza por los representantes del costumbrismo madrileño  , quedando interrumpida hasta que Fortuny se interesó especialmente por el maestro aragonés: El Greco y Velázquez y 
, por supuesto, Goya, llegando a manifestar que "cada día voy conociendo más que hay mucha afinidad entre lo que él buscaba y lo que busco yo"
,


 Esa afinidad la encontramos en esta escena que contemplamos, a pesar de emplear cada artista un medio diferente, buscando ambos la vitalidad y la expresividad en sus trabajos. A las puertas de una iglesia los sacerdotes deben regresar al interior del templo ante la lluvia que descarga, provocando la interrupción de la procesión. Un hombre vestido a la moda dieciochesca sujeta un paraguas rojo mientras los monaguillos corren en dirección al templo portando largas palmatorias. 


Las expresiones y los gestos de cada personaje están logrados a la perfección, exhibiendo Fortuny un estilo rápido y minucioso al mismo tiempo, preocupándose por los detalles que considera necesarios, contrastando entre las zonas sin apenas tratamiento y las figuras más detalladas. Las vivas tonalidades rojas empleadas contrastan a su vez con los blancos y los negros, obteniendo un resultado de elevada calidad, como si de un cronista gráfico se tratara.


Mercedes Tamara

20-enero 2022


Bibliografia : Artehistoria

domingo, 3 de febrero de 2019

EL HOMBRE DEL CASCO DE ORO REMBRANDT


EL HOMBRE DEL CASCO DE ORO


El hombre del casco de oro
óleo sobre lienzo 67 x 60 cm
Galeria Dahlem de Berlin

El hombre del casco de oro es una de las obras más famosas y reproducidas de Rembrandt Esta pintura nos muestra un adusto general de austero yelmo , repujado y emplumado que provoca en el espectador una extraña inquietud 

Una vez el artista recurre a la luz como su favorito medio de expresión pictórica Un viejo soldado de rostro noble y melancólico ,vestido con su uniforme militar con un impresionante casco dorado es el protagonista  principal que da nombre al cuadro.

Es  en el yelmo donde Rembrandt ha fijado su atención Es sin duda , el protagonista de esta pintura aunque también es expresiva la mirada el medio del que se vale el artista para hablar elocuentemente de la personalidad de quien lo lleva. Del mismo modo apura el detalle en esos puntos centrales del magnífico yelmo que luce el protagonista de este magnífico retrato del pintor holandés.


La mandíbula y la boca del viejo soldado, la inclinación de su cabeza, proyectan vigor y coraje. La vejez no parece haber reducido en nada la fortaleza y virilidad de la juventud.



El fondo se funde con el cuerpo del militar, existiendo apenas distinciones entre una zona y otra. Las tonalidades empleadas corresponden al estilo de Rembrandt al igual que la pincelada rápida y empastada, la "manera áspera" según se denominaba en su tiempo.

Mercedes Tamara
3-02-2019

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos Edit Planeta 

domingo, 23 de diciembre de 2018

MUCHACHA CAMPESINA ( LA CONTADINA ) DIEGO DE VELÁZQUEZ

MUCHACHA CAMPESINA ( LA CONTADINA 1650
Muchacha campesina ( La Contadina )
óleo sobre lienzo 65 x 51 cm
Colección particular


Publicada por primera vez en 1973 por Gudiol , la obra puede identificarse con el
" retrato de muchacha con un pañuelo en la cabeza " que figura en 1687 en el inventario del difunto Gaspar de Haro. 

La atribución al pintor, ampliamente aceptada por la crítica , es rechazada por Brown , que juzga la ejecución incompatible con el estilo de Velázquez . Se observa una gran similitud en la colocación de las luces , la modulación de las carnaciones y la construcción plástica del rostro Más que una obra inacabada puede tratarse de un estudio . Además la intensidad de la mirada , la fuerza plástica que emana del rostro , el virtuosismo en la ejecución del pañuelo blanco , el trabajo en reserva del vestido -dibujado en pintura -según la costumbre de Velázquez y la libertad de la pincelada , que en el rostro , remite a los bufones de Felipe IV , no pueden compararse más que con el pintor sevillano.



Mercedes Tamara
23-12-2018

Bibliografia . Velázquez Edit Lumberg

domingo, 5 de agosto de 2018

ALINE MASSON. CON MANTILLA BLANCA RAIMUNDO DE MADRAZO




ALINE MASSON. CON MANTILLA BLANCA




Aline Masson con mantilla blanca..
 Óleo sobre lienzo, 65 x 52 cm
Museo del Prado. Madrid





Aline Masson, fue la modelo preferida de Madrazo y representó el ideal estético femenino del París burgués de finales del siglo XIX.

La mantilla blanca sobre un mantón de Manila rojo y las flores de la cabeza, relacionan esta obra con el gusto francés decimonónico por lo español, detalle que Madrazo subrayó en muchas de sus obras.




La gracia y la belleza que caracterizan la obra de Raimundo de Madrazo lo encontramos en esta obra, un magnífico retrato donde podemos apreciar el perfecto dibujo del rostro, las manos y las flores bordadas de la mantilla. Madrazo mezcla el dibujo con la pincelada suelta de la mantilla, el cabello o los lazos, siendo éste el estilo identificativo de la pintura realista finisecular.

 Destaca la expresión pícara de la modelo y la carnación de brazos y rostro, consiguiendo un estilo cercano a la fotografía. El colorido, a pesar de ser poco variado, es muy alegre, contrastando el fondo, muy oscuro, con el primer plano, más claro.



Mercedes Tamara
5-08-2018



Bibliografia : ArteHistoria
















viernes, 15 de junio de 2018

LA LECCIÓN DE MÚSICA JEAN HONORE FARGONARD

LA LECCIÓN DE MÚSICA

La lección de música
óleo sobre lienzo 109 x 121 cm
Museo del Louvre, Paris 




Fragonard fue un pintor ecléctico que a lo largo de su carrera experimentó no sólo un evolución estilística sino también estética. Tras la asimilación de principios de naturalismo en un periodo de aprendizaje 
con Chardin , se entregó al decorativismo barroco de Boucher y Tiépolo 


El tema de la lección de música fue tratado con frecuencia por los pintores holandeses, como puede verse en la Lección de música de Vermeer; en la pintura barroca, sin embargo, solía ser una alegoría de los cinco sentidos.

Aquí el tema se ha transformado en galante envuelto en una atmósfera de ensueño amoroso: el joven profesor de música corteja a su alumna y le mira el escote. Su entrega es paralela a la entrega de la joven pianista.

Mercedes Tamara
15-06-2018
Bibliografia Wikipedia



lunes, 11 de junio de 2018

TRES MUCHACHOS ( DOS GOLFILLOS Y UN. NEGRITO ) BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO


Tres muchachos (Dos golfillos y un negrito),
óleo sobre lienzo, 159 x 104 cm.
Londres National Pictures Gallery

.Murillo tuvo un esclavo negro llamado Juan que había nacido en 1657. Puede tratarse del modelo empleado para esta composición, también titulada en algunas ocasiones El pobre negro. Al igual que su compañero Invitación al juego de pelota a pala, el maestro sevillano realiza una nueva demostración de cómo captar las reacciones psicológicas de los niños. 

La escena tiene lugar al aire libre donde dos niños están dispuestos a iniciar su merienda cuando aparece un tercero que porta un cántaro, demandando un trozo de la tarta que están a punto de comer. El que tiene la tarta en sus manos la retirada del campo de acción del muchacho negro mientras que el otro dirige su mirada al espectador y sonríe abiertamente. El pequeño negro muestra un gesto amable en su demanda.


Un triángulo organiza la composición, ocupando la cabeza del niño negro el vértice, creando un juego de luces y sombras con el que refuerza la sensación atmosférica, de la misma manera que hizo Velázquez en Las Meninas. Las tonalidades pardas y terrosas contrastando con claras son habituales de esta época caracterizada por el aspecxto naturalista de las composiciones, especialmente las populares.



Mercedes Tamara 
11-06-2018


Bibliografia ForoXerbar 

miércoles, 14 de marzo de 2018

RETRATO DE GINEVRA DE BENCI LEONARDO DE VINCI




RETRATO DE GINEVRA DE BENCI

Retrato de Ginevra de Benci
óleo sobre lienzo 38 x 27 cm
Galeria Nacional de Washington









Ginevra de Benci era hija de un amigo de Leonardo da Vinci, Amerigo di Giovanni Benci. Pese a ciertas dudas en la atribución del cuadro a Leonardo, la belleza y poder del retrato son valores indudables.


La pose de la muchacha marca un tipo que Leonardo utilizará en la mayoría de sus retratos femeninos. Ella está levemente estilizada, de tres cuartos y vista de medio plano, del que se supone que faltan las manos sobre el pecho (ver el Estudio de manos femeninas). La modelo posee una expresividad poco frecuente, con un rostro serio y penetrante, que impone su presencia psicológica en el mundo del espectador.




Es una anticipación de la Gioconda. Se tardó algún tiempo en identificar a la joven. La pista principal se encuentra en la botánica, disciplina que interesaba grandemente a Leonardo. Decimos esto por dos razones. La primera son los árboles que prestan el decorado de fondo a la silueta femenina. Se trata de enebros, cuyo nombre en italiano, ginepro, son fonéticamente muy similares a Ginevra. Además, existe un emblema al dorso de la tabla del retrato, que consiste en una rama de laurel cruzada con una rama de palmera. Ambas encierran un lema en latín: Virtutem Forma Decorat, que quiere decir,



 La Belleza es el ornamento de la Virtud. Este emblema parece ser que podría corresponder a la heráldica de Bernardo Bembo. La vida de Ginevra nos cuenta que en 1474 se casó con Luigi Bernardini di Lapo Nicolini, cuando ella contaba con 17 años. Su matrimonio fue desgraciado por los problemas financieros de su marido, y por problemas de salud de ella, que aparecieron a partir de 1480. Tras este deterioro, tuvo una relación de carácter platónico con el embajador de Venecia en Florencia, el citado Bernardo Bembo, padre del cardenal Pietro Bembo.


Mercedes Tamara
14-03-2018

Bibliografia ArteHistoria ( copia integra )

viernes, 2 de marzo de 2018

LA MUERTE DE MARAT JEAN LOUIS DAVID

LA MUERTE DE MARAT 1793


La muerte de Marta
óleo sobre lienzo 188 x 128 cm
Reales Museos de Bruselas 




Ya en las postrimerías del siglo XVIII, Louis David es estéticamente el jefe del neoclasicismo en Francia y políticamente un exaltado revolucionario. Ambas condiciones confluirán en la ejecución de un cuadro extraño, realmente único :

Marat asesinado 


Estamos ante el retrato de un hombre que acaba de sufrir una muerte violenta . El episodio es bien conocido . El médico jacobino , dentro de su bañera, está escribiendo y le acaban de pasar el memorial escrito por una mujer de 25 años , Carlota Godoy ,
cuyo suplicante texto puede leerse bien en el detalle, encabezado por la fecha del suceso : 13 de julio de 1793 . La propia Carlota , irrumpe en la escena y apuñala a Marat en la bañera, siendo luego apresada y por último agillotinada. David estaba totalmente identificado con las ideas extremadas de su amigo nos pinta a éste inmediatamente después del asesinato , desplomado , todavía con la pluma en la mano 
y a su lado el sangriento cuchillo que le ha dado muerte. 


El cuadro fue realizado en seguida de haber de haber ocurrido el crimen , meses antes de que David fuera encarcelado por sus excesos revolucionarios , que habrían de templarse más tarde ,al convertirse en retratista oficial del futuro emperador Napoleón . El macabro asunto, iba bien con el sentimiento del artista , que ya había pintado a  Sócrates bebiendo la cicuta y que miraba la muerte de su amigo como una tragedia clásica 


La pintura fue ampliamente admirada durante el Terror, ya que sus líderes ordenaron muchas copias para servir de propaganda. No obstante, La muerte de Marat cayó en desgracia tras la caída y ejecución de Robespierre. Desde 1795 hasta la muerte de David, el cuadro languideció en la oscuridad y yació en el olvido.




Mercedes Tamara
2-03-2018



Bibliografia : " Artehistoria
                      " Wikipedia "



domingo, 18 de febrero de 2018

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS JOHANNES VERMEER

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS 1664

La muchacha del collar de perlas
óleo sobre lienzo 85 x 45 cm
Alte Pinakothek de Berlin

 V











Ya desde época renacentista empezarán a tomar fuerza los lienzos que tienen como temática la dualidad entre la virtud y el vicio, un asunto tratado por todos buena parte de los humanistas de los siglos XVI y XVII. Vermeer también recogerá en sus obras esta tesitura como bien se pone de manifiesto en esta escena, aunque sea de manera recatada y discreta. La escena, como es habitual en el maestro de Delft, se desarrolla en un interior iluminado por un potente foco de luz procedente de la ventana de la izquierda, creando intensos contrastes lumínicos que recuerdan a Caravaggio, uno de los pintores más admirados entre los maestros holandeses del Barroco, desde el grupo de Utrecht hasta Rembrandt. 

La mujer que protagoniza la composición se mira en un espejo que cuelga de la pared junto a la ventana, colocándose el collar de perlas que hace juego con sus llamativos pendientes. En la mesa encontramos una brocha para aplicar el maquillaje, otra alusión a la vanidad, mientras que la tarjeta que aparece en el extremo de la robusta mesa sería una referencia al adulterio, arreglándose para su amante. Frente al vicio representado por la amante nos encontraríamos con la virtud, simbolizado en este caso en la figura que decora la vidriera, posiblemente una representación de la Templanza que también aparece en Caballero y dama tomando vino. 


El mensaje de esta escena sería que la dama debe vivir recatadamente y frenar sus instintos, en lugar de lanzarse a la lujuria y el libertinaje, en consonancia con las ideas de los moralistas de su tiempo. La ubicación de los objetos en planos paralelos al espectador para crear la profundidad, la sensación atmosférica conseguida gracias a la luz y la manera "puntillista" de aplicar el color, repartiendo de forma chispeante la luz por toda la superficie, serán las características definitorias del estilo de Vermeer, al igual que el empleo de esas brillantes tonalidades entre las que destacan el azul y el amarillo de esta chaqueta ribeteada de armiño, propiedad de su esposa, Catharina Bolnes.




Mercedes Tamara
18-02-2018

Bibliografia : Vermeer , Edit Biblioteca el Mundo
                                   Wikipedia


















La pintura muestra a una mujer, tal vez embarazada, ante el espejo, poniéndose un collar de perlas.




Ante ella hay una mesa cubierta con varios objetos de belleza, como una brocha para aplicarse polvos y una nota, tal vez como indicación de que se arregla para recibir a su amante.




La luz del día entra por la ventana y hace revivir los colores amarillos y brillantes de las perlas. En este cuadro, Vermeer vuelve a tratar el dilema entre la virtud y el vicio, en este caso el de la vanidad.[1] Las perlas son símbolo de la vanidad, como indica una ilustración en Groot Schilderboek de Gerard de Lairesse, Ámsterdam, 1707.




Véase también



















Referencias

miércoles, 31 de enero de 2018

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO TIZIANO

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO 1555
Retrato de una dama con abanico
óleo sobre lienzo 102 x 88 cm
Galeria de Pinturas de Dresde
T




Tiziano fue el pintor más importante del siglo XVI en Venecia, Italia, así como el primero en tener una clientela internacional. Fue pintor de corte del sacro emperador romano Carlos V, con el que supuestamente entabló una gran amistad. Tiziano dominó un amplio abanico de temas: desde los devocionales a los mitológi­cos, pasando por los retratos y las alegorías. Fue uno de los máximos exponentes de la técnica del colorito vene­ciano y es considerado uno de los genios máximos de la pintura universal.



Esta encantadora figura pintada por el gran maestro italiano, se cree que es la imagen de su hija que se designó con el título de Laetinia vestida de novia.



Hay argumentos en pro y en contra . En primer lugar, el que lleve vestido blanco y un abanico no asegura que vaya a celebrarse una boda , pues no era de rigor el traje blanco para las novias -ni lo fue hasta el siglo XIX- y en cuanto al abanico-en forma de banderola , era de uso en muchas fiestas.






Realizada con un fondo oscuro esta encantadora dama se nos presenta con la cabeza vuelta hacía el espectador , lleva un abanico típico  de esa época, el traje de un color bello color marrón claro en el que destaca los bellos pliegues del corpiño y de la falda, así como las mangas que son características del pintor veneciano y que el artista ha trazado con maestría La Luz está distribuida a lo largo de toda la vestimenta e ilumina el bello rostro de la modelo que  contrata claramente con el fondo del cuadro



Mercedes Tamara
31-01-2018

,Bibliografia : Tiziano , Edit Taschen


martes, 23 de enero de 2018

COMIDA DE PÍCAROS DIEGO RODRIGUEZ DE VELÁZQUEZ

COMIDA DE PÍCAROS 1617

Comida de pícaros
óleo sobre lienzo 96 x 112 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest

















Este cuadro que tiene un carácter marcadamente zurbanesco ,en el bodegón que aparece sobre la mesa en la Comida de pícaros del Diego de Velázquez. . Esa identidad con el estilo del pintor extremeño es puramente accidental por cuanto el cuadro fue realizado en 1619 , es decir, cuando su autor contaba tan sólo veinte años de edad y uno más que Zurbarán , quien se había establecido en Sevilla en 1614.


La composición demuestra en todo caso un paralelismo en la evolución de ambos artistas, cuyos primeros pasos recibieron una clara influencia del caravaggismo. una corriente que marcaría el estilo de muchos pintores del barroco europeo, y, que es evidente en la obra del pintor sevillano.


Este cuadro corresponde a una serie de escenas de género que probablemente se iniciara hacía el año 1617, año en el que el pintor había abandonado ya el taller de Pacheco e iba a casarse son la hija de éste. Gracias a la actividad literaria de su suegro ( " El arte de pintura, 1647 " ) sabemos que el artista trabajaba del natural ,utilizando sobre todo a un joven campesino como modelo, se trata del personaje sentado al lado derecho, en conversación con el hombre maduro que espera recibir la copa llena de vino de manos de la sirvienta. Con una paleta de colores riquísima, que en cierto modo queda absorbida por la entonación tenebrista del cuadro.


Velázquez crea una ilusión de vida que impone gravedad pero no dramatismo . Esta se sin duda, la más clara distinción que puede establecerse con respeto al caravaggismo ortodoxo; el enfoque realista no comporta teatralidad. La composición participa, en suma, del espíritu de la novela picaresca, cuyos personajes transitan por la vida con el ingenio despierto y haciendo gala de una imaginación pragmática que le permite adaptarse a esta realidad.


Mercedes Tamara
23-01-2018


Bibliografia : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo
                    Wikipedia





jueves, 10 de noviembre de 2016

SABASA GARCÍA FRANCISCO DE GOYA

SABASA GARCÍA 1806-1811

Sabasa García
óleo sobre lienzo 71 x 18 cm
Washington National Gallery , of Art






Los años transcurridos entre el nombramiento de Goya como primer pintor de la corte de Carlos IV y la invasión napoleónica de 1808 fueron un momento de gran actividad y seguridad financiera para el artista. Pintó algunas de sus mejores retratos en ese momento, Señora Sabasa García y varios otros en la colección de la National Gallery entre ellos.



En nombre de Sabasa parece ser que correspondía a un sobrenombre familiar de la modelo María García Pérez de Castro que había nacido en 1790 . Es probable que el pintor conociera a la joven que , por su fisonomía, parece tener unos veinte años de edad 


El sistema compositivo aquí realizado por Goya se podría describir como la sencillez llevada a su perfección. Presentada de busto y ladeada hacía la izquierda , dispone el pintor a la joven mujer ante un fondo oscuro, presentándola sin joyas ni otro tipo de detalles reveladores de su condición social . El resultado es, no obstante, un retrato de suprema elegancia . Los hombros de la joven , como también sus brazos , quedan cubiertos por una amplia pañoleta de tonos dorados , en cuyos pliegues se reflejan luces y se producen sombras de los tonos más oscuros.

A la vista queda su antebrazo izquierdo , cubierto, al al igual que el derecho, por un mitón largo de cabritilla que supera la muñeca y parte de la mano , directamente entrecruzada con su derecha y ni siquiera sostiene el característico abanico , detalle habitual en los demás retratos femeninos de Goya. Delante de la oscuridad del fondo luce la cabeza joven , en cuyo rostro pálido define el pintor con delicadeza su nariz fina , sus labios levemente carnosos y sus ojos brillantes , que subrayan la serenidad de este personaje algo distante. 

Cubierta por un ligero velo de gasa transparente decorado en sus bordes con un dibujo pequeño , caen sus rizos sobre la frente , muy a la moda de entonces y haciendo juego con el aspecto natural de la retratada . La joven queda circunscrita en el espacio neutro , en el cual su tronco y su cabeza evocan una figura geométrica triangular de lineas cerradas . en el que la cabeza ocupa uno de los vértices - eje del lienzo - y los otros puntos los sitúa el pintor en los vértices del antebrazo izquierdo ( codo y cruce de la mano ) cerrando su busto en el margen inferior del cuadro.

A pesar de la sencillez de la composición , apreciamos una gran riqueza de recursos técnicos en Goya a la hora de describir con largas y amplias pinceladas , la superficie de la tela de su vestimenta , que contrastan marcadamente con los finos toques aplicados con gran precisión para sugerir el brillo de su pelo o para definir sus rostro , pintando éste como si de una miniatura se tratase . La variedad de las pinceladas y la técnica cuidada que se muestra en el rostro son muy propias del artista .
Mercedes Tamara
10-11-2016

Bibliografia : Goya Edit Biblioteca El Mundo 
                        Guía de la Historia del Arte

martes, 8 de noviembre de 2016

NORHAM CASTEL : AMANECER WILLIAM MAILLORD TURNER

MORHAM CASTEL : AMANECER
Norham Castel : Amanecer
óleo sobre lienzo 91 x 122 cm
Tate Gallery, Londres


Se conocen numerosos dibujos y bocetos de este lugar, más de veinte versiones a pluma y a lápiz , de los cuales se sacaron grabados a la acuarela , como las dos conservadas en el Britsih Museum , una de alrededor de 1817 y otra de los años treinta , en la cual el sol desgarra las nubes y la niebla con tonos malva y anaranjado.


De todas ellas fue en ésta en la que alcanzó el nivel más alto de abstracción , desmaterializando las formas en el esplendor de la luz, de tal modo que al verlo Paul Signac tuvo palabras de grandísimo elogio y observó que esta obra en comparación con las versiones anteriores había sido " simplificada y despojada " de todo lo que podía resultar inútil y superfluo .

En este lienzo, al que algunos críticos asignan una fecha incluso en los 1840- 1845 Turner obtiene con el color al óleo la misma transparencia y luminosidad de la acuarela ; la luz es deslumbradora , el color sutil , los tonos amarillos se difuminan en los grises azulados y en las sombras azules del castillo en el centro de la escena , en una perfecta fusión de aire y agua , de reflejos y de formas que emergen de sutiles veladuras con los toques rojos del animal errante . 

Es la imagen de un sueño, o mejor de un recuerdo que brota lentamente de lo profundo , disipando las nieblas del amanecer

Mercedes Tamara
8- 11- 2016

Bibliografía : Turner , Edit Biblioteca El Mundo 

lunes, 24 de octubre de 2016

LADY GODIVA JOHN COLLIER

LADY GODIVA 1896
Lady Godiva
óleo sobre lienzo 142, 2 x 183 cm
Art Gallery Londres



Lady Godiva es una obra pictórica realizada por el pintor prerrafaelista John Collier en torno a 1897. Collier (1850-1934) fue un pintor británico que cosechó grandes éxitos como retratista durante su vida; el artista provenía de una acomodada familia que le permitió disponer de numerosos contactos y una buena formación académica El artista se sentía fascinado por las leyendas del pasado 





Sus obras se encuadran dentro del estilo prerrafaelista. La conocida Hermandad Prerrafaelista agrupaba a algunos de los pintores, escultores o literatos más conocidos de la Inglaterra del XIX, su estilo se caracterizaba por el rechazo de las formas academicistas imperantes y el gusto por la continuidad romántica. De hecho este grupo de artistas –entre los que se encuentran figuras tan importantes como Millais, Rossetti o Holman- se caracterizan por situar el culmen del arte renacentista en los artistas predecesores a Rafael, en el Trecento italiano, y no en Rafael como se pensaba en su época.

La obra representa la historia de Godiva, una joven dama esposa de Leofric conde de Chester y señor de Coventry que en el siglo X rogó a su esposo que redujera los impuestos de sus vasallos. Leofric accedió a la petición de su esposa con la condición de que ésta se paseara desnuda y montada a caballo por las calles de Coventry pensando que nunca aceptaría sin embargo Godiva, apenada por la situación de su pueblo accedió a la propuesta de su marido mientras sus vasallos se encerraban en sus casa con las ventanas cerradas para no perturbar más a la joven dama.

Éste es precisamente el momento escogido por Collier para representa su obra, Godiva encima de su imponente cabalgadura pasea desnuda por las calles de la ciudad; su figura avergonzada se contrapone con la altivez de su caballo que pasea elegante por la ciudad con sus mejores galas. 

La encarnación de la joven está muy lograda en la representación, sus formas son finas y delicadas y su melena cobriza muestra gran armonía con el manteo del caballo que lleva la heráldica del señor. La escena se desarrolla en el centro del poblado por lo que el pintor nos deja ver las construcciones de época medieval.

Mercedes Tamara
24-10-2016

Bibliografia : Wikipedia
                      La guía de la Historia del Arte 



domingo, 2 de octubre de 2016

LECCIÓN DE AMOR ANTOINE WATTEAU

LECCIÓN DE AMOR 


Lección de amor
óleo sobre lienzo 44 x 61 cm
Museo Nacional de Estocolmo



La composición es análoga a la de otros cuadros del mismo maestro. Parte el cuadro en dos mitades, una de vegetación oscura y otra de celaje claro. Ante estas dos partes coloca los personajes, destacándolos por contraste con el fondo. El mayor número de figuras y de colores más vivos se sitúan ante la masa de boscaje para aligerar su pesadez; en cambio sobre el cielo se recorta un solo músico para dejar que allí el cuadro tenga aire y profundidad.


Como detalle curioso, por referirse a la manera de trabajar de Watteau, diremos que el examen radioscópico de este cuadro ha revelado que lo pintó sobre un trozo de la puerta de un coche, en la que había un escudo de armas.

Watteau  con su estilo personalísimo supo fundir la observación flamenca , la vivacidad italiana y la gracia francesa , asumiéndolas en una sagaz interpretación de la sensibilidad de la época 

Mercedes Tamara
2-10-2016