LADY GODIVA DE JOHN MALIER COLLIER

LADY GODIVA

Lady Godiva de Mallier Collier
óleo sobre lienzo 143x 183 cm

Herbert Art Gallery Musum

Conventry Londres

Su carrera académica comenzó en uno de los principales colegios masculinos de Inglaterra, el Eton College, y después se especializó en la escuela de arte de Slade con el pintor academicista Poynter. Fuera de Inglaterra siguió sus estudios conociendo las corrientes pictóricas que se desarrollaban en Francia y Alemania. Su figura artística llegó a ser tan destacada que se convirtió en el retratista de algunos de los personajes más importantes de su tiempo, fue cofundador de la Sociedad Real de Retratistas de Inglaterra y miembro del Real Instituto de Pintores además de ser el autor de importantes publicaciones artísticas y culturales.

Sus obras se encuadran dentro del estilo prerrafaelista. La conocida Hermandad Prerrafaelista agrupaba a algunos de los pintores, escultores o literatos más conocidos de la Inglaterra del XIX, su estilo se caracterizaba por el rechazo de las formas academicistas  imperantes y el gusto por la continuidad romántica. De hecho este grupo de artistas –entre los que se encuentran figuras tan importantes como Millais, Rossetti o Holman- se caracterizan por situar el culmen del arte renacentista en los artistas predecesores a Rafael, en el Trecento italiano, y no en Rafael como se pensaba en su época.


Sus obras, que hoy pueden resultar un tanto manidas, fueron el escándalo de la sociedad victoriana de la época: sus figuras siempre finas y delicadas se basan en bellas mujeres de largos cabellos y grandes ideales así, la Lady Godiva de Collier se presenta como una de las obras más características de este movimiento tanto por su temática como por su composición.


La obra representa la historia de Godiva, una joven dama esposa de Leofric conde de Chester y señor de Coventry que en el siglo X rogó a su esposo que redujera los impuestos de sus vasallos. Leofric accedió a la petición de su esposa con la condición de que ésta se paseara desnuda y montada a caballo por las calles de Coventry pensando que nunca aceptaría sin embargo Godiva, apenada por la situación de su pueblo accedió a la propuesta de su marido mientras sus vasallos se encerraban en sus casa con las ventanas cerradas para no perturbar más a la joven dama.


Éste es precisamente el momento escogido por Collier para representa su obra, Godiva encima de su imponente cabalgadura pasea desnuda por las calles de la ciudad; su figura avergonzada se contrapone con la altivez de su caballo que pasea elegante por la ciudad con sus mejores galas. La encarnación de la joven está muy lograda en la representación, sus formas son finas y delicadas y su melena cobriza muestra gran armonía con el manteo del caballo que lleva la heráldica del señor. La escena se desarrolla en el centro del poblado por lo que el pintor nos deja ver las construcciones de época medieval

Mercedes Tamara 

3 septiembre 2011

Bibliografía : Guía de la Historia del Arte
                      Wikipedia

EL ÁRBOL DEL PERDÓN EDWARD COLEY BURNE JONES

EL ÁRBOL DEL PERDÓN 1881-1882

El árbol del perdón de Edward Coley Burne Jones
óleo sobre lienzo 190,5 x 106cm
Liverpool , National Musum Liverpool ( Lady Lever Art Gallerie )

Ante el transfondo de un exhuberante árbol en flor , en un paisaje imaginario , Burne Jones presenta cómo Filis vuelve a transformarse en mujer , abandonando la forma de almendro , tras el regreso de  Demofonte . 


La leyenda narrada tanto en la Legend of Good Women ( 1385 )de Chaucer como en las Heroides de Ovidio , se centran en Filis, la hija del rey de Tracia , quien se encaprichó con Demofonte ,cuando éste regresaba de la guerra de Troya y le hizo la corte. Sin embargo, Demofonte rompió su promesa de regresar ese mismo mes con ella , Filis, por miedo de no volver a verle nunca más , se colgó de un árbol . Atenea tuvo compasión de ella y la convirtió en un almendro . Cuando oyó de los aciagos sucesos ,Demofonte se decidió a regresar Burne- Jones plasma justo el momento en que Filis , tras perdonar a su amante , sale del árbol para abrazarlo: los cabellos de Filis están aún enzarzadosen las ramas.


Burne-Jones trabajó este tema diez años antes y despertó la controversia , Filis y Demofonte en la técnica de la aguada ,muestra la misma escena, pero la figura masculina aparece completamente desnuda ( en esta versión una pequeña tela tapa los genitales ) mientras que Filis está envuelta en un velo  transparente . El presidente de la " Old Watercolour Society " , Frederick Tayler declaró que había recibido una carta de protesta contra la obscenidad de la acuarela.Sin embargo, Burne Jones se mantuvo en su postura por la que retiró la obra de la exposición y se dio de baja de en la Sociedad.


Otro debate despertado por Filis y Demofinte estaba relacionado con el evidente parecido entre Filis y la escultora griega María Zambaco , con quien Burne tenía una relación extramarital , como era sabido ( algunos visitantes de la exposición se darían cuenta de la infidelidad de Burne- Jones para con su esposa Georgina ) En 1868 María intentó suicidarse saltando el RAegent¨s Canals después de que él intentó romper la relación .  Sin embargo, esta continuó durante años hasta que María comprendió que Burne - Jones nunca se compremetiría con ella. 


En El árbol del perdón ,el parecido entre Filis y María no es tan obvio; además , el hombre parece menos vulnerable , comparador con su predecesor Burne- Jones estuvo diversas ocasiones en Italia en la década de 1870  el retrato de Demofonte , en esta versión , revela la admiración de Burne- Jones por Miguel Angel .


Sin embargo , los críticos no se mostraros satisfechos e hicieron notar que la musculatura es exagerada .The Times denominó a Filis y Demofonte en extremo repelente.

Mercedes Tamara 

2 septiembre 2011

Bibliografía El Prerrafaelismo, Edic Taschen

EL TRIBUNAL DE LA INQUISICIÓN DE FRANCISCO DE GOYA

EL TRIBUNAL DE LA INQUISICIÓN 1812-1814

El Tribunal de la Inquisición de Francisco de Goya 

óleo sobre lienzo 46x 73 cm

Madrid, Real Academia de San Fernando

Este lienzo forma parte de una serie de cuatro de iguales dimensiones propiedad de la Academia . La fecha de referencia para esta obra no se conoce con seguridad,  parece pertenecer al mismo grupo que el Entierro de la sardina si bien el formato es diferente 
.La fecha de referencia para estas obras no es segura y  ha sufrido oscilaciones , también considerables según los estudiosos : sin embargo es seguro-por el feroz espíritu que le impregna -que guarden relación con la época de la Guerra de la Independencia , probablemente en una fase avanzada.


Los temas tratados no son en realidad uniformes ,pero tienen en común el abordar antiguas tradiciones o instituciones españolas; la crudeza de las escenas y el estar atestadas de diminutos personajes . En el primero vemos reunidos , bajo las tétricas arcadas del edificio eclesiástico , un grupo de religiosos -señaladamente domínicos - de rostros monstruosos e indefinibles ,huesudos como calaveras con sus grandes órbitas vacías .


Participan en masa en la inquisición de un grupo de judíos , reconocibles por las capas amarillas ( el amarillo es tradicionalmente el color de la vergüenza , de la traición , de la herejía ) y por los humillantes capirotesque Goya habría visto sin duda en la realidad , pero en los cuales está el Auto de fe de Pedro Berruguete.


La persecución antisemita tenía en España una historia secular que había culminado con la expulsión de los judíos del país en 1492 , pero es evidente que los trastornos de la Guerra de la Independencia la estaban reavivando .


Goya hace un espectáculo del encarnizamiento masificado y bien planificado, contra seres humanos inermes , deformados por la tortura y encogidos sobre si mismos La esencia fundamentalmente irracional de la Inquisición , su inclinación natural a transmutarse en una máquina coral de muerte ,son denunciadas aquí más allá de toda duda razonable.

Mercedes Tamara 

2 septiembre 2011

Bibliografia : Goya , Edit Biblioteca El Mundo

EL SUEÑO DE PIERRE CÉCILE PUVIS DE CHAVANNES

EL SUEÑO 1883

El sueño de Puis de Chavanne
Óleo sobre lienzo 92x 101 cm
París Museo d´Orsay

Cuando fue presentado el Sueño de Pierre Puvis de Chavannes, en el Salón de los artistas franceses de 1883, el catálogo que acompañaba la exposición precisa el tema representado: ¡El Sueño! "Se le aparece, en su sueño, el Amor, la Gloria y la Riqueza".


Bajo un bello claro de luna, un hombre joven, probablemente un viajante como lo deja suponer el petate junto a él, se ha dormido al pié de un árbol. Se le aparecen tres mujeres jóvenes, volando por el cielo estrellado: la primera con rosas en la mano evoca el Amor, la segunda levantando la corona de laurel de la Gloria, mientras que la última esparcía las piezas de la Fortuna. El paisaje está evocado con una gran economía de recursos. Las formas de los distintos componentes del paisaje están extremadamente simplificadas y se convierten en grandes zonas coloreadas en emplastes.


Puvis de Chavannes utiliza una paleta reducida, con tonalidades mates, tan sólo iluminadas por la media luna. El pintor recupera en este cuadro de caballete, el lenguaje plástico de las grandes composiciones decorativas que le hicieron famoso. 

Mercedes Tamara

31 agosto 2011

Bibliografía : París, Museo de Orsay, Edic Uffmann

BARCO NAUFRAGADO EN EL OCÉANO GLACIAR DE CASPAR DAVID FIEDRICH

BARCO NAUFRAGANDO EN EL OCÉANO GLACIAR 1798

Barco naufragado en el
Océano Glaciar de Caspar David Fiedrich
óleo sobre lienzo 28,6 x 21,8 cm
Hamburgo, Hamburgo, Kunnstalle

Esta es una escena imaginaria como la mayoría de las pinturas que realizó el pintor romántico Caspar David Fiedrich ; la exhibió en Berlín dos años después de haberla pintado, donde fue muy mal recibida por los críticos que llegaron a decir : Ojalá que el barco se fundiera en los bloques de hielo .El pintor no pudo vender su obra durante su vida , recientemente fue adquirida por su discípulo Joham Cristiam Claussel Dahl y luego fue adquirida por Hamburgo Kunstalle en 1905.


El Barco naufragado en el Oceáno Glaciar demuestra una cuidadosa y meticulosa composición ajena a cualquier pretensión realista. Es quizás uno de los motivos de rechazo que tiene el cuadro ; ya que anula la distancia entre la escena del hundimiento del barco y del espectador 


Los bloques de hielo están dispuestos como una escalera o un proscenio que nos introduce directamente en el drama En el centro del cuadro enormes masas de hielo sepultan restos del navío y pedazos de arboladura se extiende desde la izquierda de la composición hasta el otro extremo donde encontramos el barco semihundido.


Es un paisaje desolado que carece de figuras humanas que quizás hayan desaparecido entre los bloques de hielo la manera en que han quedado colocadas las masas de hielo provocan una gran inestabilidad y , además , esta  escena tiene un carácter fantasmal por la iluminación espectral que se prolonga hacía la masa de hielo que está situada a la derecha del cuadro.


Fiedrich estaba obsesionado por la simetría y  que la geometrización de sus pinturas fuera perfecta , pero  hablando de otro aspecto de la pintura de Fiedrich, aquí no existen héroes ni autoridad alguna , sólo una gran desolación.

Mercedes Tamara

30 agosto 2011

Bibliografía : Caspar David Fiedrich , Edic Taschen

VENUS VERTICORDIA DE DANTE GABRIEL ROSSETTI

VENUS VERTICODIA 1864-1868

Venus Verticodia

óleo sobre lienzo 98x 70 cm

Russel Cotes Art Gallery and Museum

Bournemouth

Rossetti fue el más simbolista de los Prerrafaelistas mientras sus compañeros se entregaban a un estiloque era de un realismo minucioso .


En estas telas Rossetti acentúa los rasgos característicos de Jane , una mujer que había conocido cinco años atrás y se habían conocido en un teatro de Oxford en verano de aquel año. Habían viajado juntos allí para pintar los frescos del paraninfo de la universidad. Pero como Rossetti no dominaba la técnica de los frescos, éstos comenzaron a desconcharse seis meses después de su realización .


Jane Burden fue reclutada como modelo y aquí la vemos posando en Venus Verticodia . En esta pintura Rossetti acentúa al máximo los rasgos estilizados de Jane , parecen casi fetichistas , aunque tenía  muchas dificultades con la perspectiva de sus cuadros 


No sabemos si Rossetti quiso pintar a la Venus Verticodia viva o muerta a esta turbadora diosa del amor que según la mitología griega, era hija de Zeus y nació de la espuma del mar al cortarle Cronos los genitales a Zeus, porque está rodeada de flores marchitas y , este hecho nos introduce en la duda .Rossetti como buen prerrafaelista crea imágenes llenas de luz y de color, utilizando la mayoría de las veces temáticas mitológicas 

En 1868 pintó esta hermosa representación de la diosa Venus bajo la advocación de Verticordia ( la que transformalos corazones )

El ideal de Rosseti fue crear una Venus hermosa y serenaque deja traslucir su poder pero a cuyo yugo uno se somete voluntariamente Las flechas , las mariposas que reemplazan estéticamente a las habituales moscas, así como la manzana , son símbolos evidentes de Eros y Thanatos .

Mercedes Tamara 

30 agosto 2011

Bibliografía :Prerrafaelistas , Edic Taschen

JAROSLAVA DE ALPHONSE MUCHA

JAROSLAWA  1935

Jaroslava de Alphose Mucha
Museo de Praga

Alphonse Mucha es el autor de los famosos carteles modernistas que todos hemos visto sin saber que el autor era él, era muy amigo de Toulousse Lautrec , aunque sus carteles no guardan ningún parecido con los que pintó Lautrec 


El gran caricaturista Toulousse Lautrec pintaba seres de la farándula , prostitutas, bailarinas de cabarets que era la gente que frecuentaba Su finalidad era ridiculizar al público que iba a esos lugares y que luego, se consideraban muy respetables , pero, sin duda llevaban una doble vida y también pintó a varias bailarinas del Moulin Rouge y del Diván Japonaise





Y que diferente es el mundo que parece ser rodeaba al pintor checo Alphonse Mucha El pintaba mujeres muy bellas de  apariencia muy seductora y elegantes con adornos de guirnaldas de flores Pero estas mujeres eran excesivamente impersonales  quizás porque los atuendos que le ponía para pintarlas hacía difícil distinguir a unas de otras


 Pero, sin embargo,  los carteles de Mucha eran  innovadores en aquella época y abrieron las puertas a un tipo diferente de publicidad donde las mujeres son sofisticadas y seductoras.

Jaroslawa 

Mucha  realizó muchas fotografía de su familia , su esposa Maruska y sus hijos Jiri y Jaroslava . De su hija Jaroslava  hay varias, y la de 1935 es ya la fotografía de una mujer adulta de aspecto juvenil. A partir de esta imagen realizó un cuadro al óleo, ovalado, un retrato de Jaroslava






 Para Alphonse Mucha su hija Jaroslava no es seductora ni sensual, sino inteligente y moderna, y para ello sólo quiere que le miramos los ojos,que resaltan con una mirada de persona que ya ha crecido y que llama a la puerta de la responsabilidad. Un turbante muy grande cubre su pelo y se derrama por el cuerpo,  y está sentada,así que sólo vemos su cara, y de su cara los ojos que nos miran atentos, y nos dicen que nos fijemos en la delicadeza y
ternura con que la pintaría su padre

Mercedes Tamara 

29 agosto 2011

Bibliografía : Libro de la Fundación Mucha

LOS JINETES DEL APOCALIPSIS DE CARLO CARRÀ

LOS JINETES DEL APOCALIPSIS 1908

Los jinetes del Apocalipsis de Carlo Carrá
óleo sobre lienzo 36x94 cm
The Art Institue of Chicago

Antes de iniciar su carrera como pintor Carrà fue decorador en Valenza hasta que en 1895 se marcha a Milán Allí comienza sus relaciones con la pintura a través de la Galería Grubicy A principios de siglo son dos las líneas que elige para estudiar pintura. 

Una es la pintura de Gustave Coubert junto al movimiento impresionista y al puntillismo francés; la otra son las composiciones deJ. Constable y W. Turner en Londres.




En 1906 se encuentra en la Accademia Brera aprendiendo junto al pintor C. Tallone. Esta etapa inicial se caracteriza por la aparición de rasgos del romanticismo lombardo y de los paisajistas del Piamonte, a los que hay que sumar notas de la pintura divisionista como en los paisajes pintados en Sagliano Micca durante el año 1908. Una de las fechas clave de su carrera artística es 1910, cuando se une al movimiento futurista  participando en sus numerosas actuaciones.


Algunas de sus obras en este sentido son Los funerales del anarquista Galli (1911) y sus publicaciones en la revista futurista "Lacerba". Otra de esas fechas clave es el año 1916,momento en que gira hacia la pintura  metafísica realizando obras con una nueva lectura dela imagen clásica arcaica





.En ese periodo se encuentra en Ferrara con otros miembros de la pintura metafísica,Giorgio de Chirico, A. Savinio yF. De Pisis, estableciendo las bases de esa pintura que tiene como duración hasta 1921.

Hay que destacar algunos escritos de Carràcomo los "Ensayos sobre "Pintura metafísica"de 919.Obras como Óvalo de las apariciones (1918), La habitación encantada,La amante del ingeniero,etc. son ejemplos del nuevo camino que culminaría en Valoei Plastici.


Ahora las composiciones tienden a una idealización geométrica de la realidad, a veces con un sentido mítico. Su viaje a Liguria pone de manifiesto el interés por la recuperación de la cultura italiana y la influencia de artistas como Giotto o Masaccio como en Pino en el mar (1921). 




En Los jinetes del Apocalipsis sigue la simultaneidad de las sensaciones con la ayuda del expresionismo de tendencia fantástica y de una técnica próxima al divisionismo . El resultado es otra" pintura metafísica " movimiento que inagurará con Chirico y Savinio 

Mercedes Tamara

28 agosto 2011

Bibliografía : Expresionismo Edit Taschen

                  : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume                 

EL TRES DE MAYO LOS FUSILAMIENTOS DE GOYA

EL 3 DE MAYO EN MADRID : LOS FUSILAMIENTOS 1814

El tres de mayo : los fusilamientos de Francisco de Goya 
óleo sobre lienzo 266x345 cm
Museo Nacional del Prado

La obra representa la ejecución de patriotas por las tropas francesas. El pelotón de ejecución muestra a los soldados rígidos con la impersonalidad que tiene una máquina de matar.

La factura es amplia y pastosa, extendida a trazos con la espátula, sin embargo el efecto de realismo es impactante: el hombre caído en el suelo en un charco de sangre , con el cráneo deshecho posee una una urgencia trágica que golpea nuestra imaginación con un disparo.

Goya no describe, no narra, sino que nos impresiona ya que nos graba la imagen en la memoria" El personaje central que lleva la camisa blanca deslumbrante con los brazos abiertos se transforma en un puro grito plástico ".

Las formas abiertas y divergentes como una explosión,la cegadora claridad radiante que capta reflejar la luz contrastando con las sombras  hacen de este lienzo una de las gloriosas anticipaciones de ciertas telas contemporáneas, que, con medios enteramente plásticos, intentan comunicar el grito, la desesperación o la brutalidad

. Expresar más que narrar o provocar más que informar es lo que ha conseguido Goya en esta trágica pintura.

Mercedes tamara

 28 agosto 2011

Bibliografía : Goya, Edit Biblioteca El Mundo

LA ABOLICIÓN DE LA SERVIDUMBRE EN RUSIA DE ALPHONSE MUCHA

LA ABOLICIÓN DE LA SERVIDUMBRE EN RUSIA 1913

La abolición de la servidumbre en Rusia de Alphonse Mucha
óleo sobre lienzo 610 x 810
Museo Mucha Praga

 Ha sta 1861 Rusia mantuvo un sistema anarcrónico propio del  Antiguo Régimen. Una enorme masa de campesinos estaba sujeta a la tierra por lazos de servidumbre por normas jurídicas que le sujetaban a la nobleza.


El zar Alejandro II ( 1855-1881 ) vislumbrando los problemas que le originaba esta situación acometió una serie de reformas aconsejado por los reformistas con el fin de industrializar el país.


Pero económicamente esta serie de reformas tuvo repercusiones desfavorables . El decreto ( ukase ) permitía la desvinculación de los campesinos de su señores , pero ahora se habían convertido en vasallos con obligaciones feudales que fueron a parar a manos de la nobleza Todo ello incrementó la pobreza de los campesinos y el endeudamiento de éstos 

Por lo tanto, aumentó el descontentosocial. Alphonse Mucha uno de los creadores del " Art Nouveau " además de pintar bellos retratos de damas engalanadas con joyas y guirnaldasde flores también pintó cuadros de temas históricos que hacen referencia a rebeliones en paises selavos.

. La historia de los eslavos – poco conocida fuera – se encarna en 

episodios claves desde el punto de vista de su identificación cultural, 

vistos desde el prisma del checo Mucha.

De la historia rusa le llama la atención un único episodio: la abolición de

servidumbre. Son curiosas las fotos tomadas por él para la preparación 

de este lienzo, en la Plaza Roja de Moscú en 1913: mujeres ataviadas 

con pañuelos y primitivo calzado de corteza de tilo, niños con el pelo

 mal cortado…

Mercedes Tamara 

26 agosto 2011

Bibliografía : Mucha, Dover 1981 Mucha, Dover 1981