EL SUEÑO DE PIERRE CÉCILE PUVIS DE CHAVANNES

EL SUEÑO 1883

El sueño de Puis de Chavanne
Óleo sobre lienzo 92x 101 cm
París Museo d´Orsay

Cuando fue presentado el Sueño de Pierre Puvis de Chavannes, en el Salón de los artistas franceses de 1883, el catálogo que acompañaba la exposición precisa el tema representado: ¡El Sueño! "Se le aparece, en su sueño, el Amor, la Gloria y la Riqueza".


Bajo un bello claro de luna, un hombre joven, probablemente un viajante como lo deja suponer el petate junto a él, se ha dormido al pié de un árbol. Se le aparecen tres mujeres jóvenes, volando por el cielo estrellado: la primera con rosas en la mano evoca el Amor, la segunda levantando la corona de laurel de la Gloria, mientras que la última esparcía las piezas de la Fortuna. El paisaje está evocado con una gran economía de recursos. Las formas de los distintos componentes del paisaje están extremadamente simplificadas y se convierten en grandes zonas coloreadas en emplastes.


Puvis de Chavannes utiliza una paleta reducida, con tonalidades mates, tan sólo iluminadas por la media luna. El pintor recupera en este cuadro de caballete, el lenguaje plástico de las grandes composiciones decorativas que le hicieron famoso. 

Mercedes Tamara

31 agosto 2011

Bibliografía : París, Museo de Orsay, Edic Uffmann

BARCO NAUFRAGADO EN EL OCÉANO GLACIAR DE CASPAR DAVID FIEDRICH

BARCO NAUFRAGANDO EN EL OCÉANO GLACIAR 1798

Barco naufragado en el
Océano Glaciar de Caspar David Fiedrich
óleo sobre lienzo 28,6 x 21,8 cm
Hamburgo, Hamburgo, Kunnstalle

Esta es una escena imaginaria como la mayoría de las pinturas que realizó el pintor romántico Caspar David Fiedrich ; la exhibió en Berlín dos años después de haberla pintado, donde fue muy mal recibida por los críticos que llegaron a decir : Ojalá que el barco se fundiera en los bloques de hielo .El pintor no pudo vender su obra durante su vida , recientemente fue adquirida por su discípulo Joham Cristiam Claussel Dahl y luego fue adquirida por Hamburgo Kunstalle en 1905.


El Barco naufragado en el Oceáno Glaciar demuestra una cuidadosa y meticulosa composición ajena a cualquier pretensión realista. Es quizás uno de los motivos de rechazo que tiene el cuadro ; ya que anula la distancia entre la escena del hundimiento del barco y del espectador 


Los bloques de hielo están dispuestos como una escalera o un proscenio que nos introduce directamente en el drama En el centro del cuadro enormes masas de hielo sepultan restos del navío y pedazos de arboladura se extiende desde la izquierda de la composición hasta el otro extremo donde encontramos el barco semihundido.


Es un paisaje desolado que carece de figuras humanas que quizás hayan desaparecido entre los bloques de hielo la manera en que han quedado colocadas las masas de hielo provocan una gran inestabilidad y , además , esta  escena tiene un carácter fantasmal por la iluminación espectral que se prolonga hacía la masa de hielo que está situada a la derecha del cuadro.


Fiedrich estaba obsesionado por la simetría y  que la geometrización de sus pinturas fuera perfecta , pero  hablando de otro aspecto de la pintura de Fiedrich, aquí no existen héroes ni autoridad alguna , sólo una gran desolación.

Mercedes Tamara

30 agosto 2011

Bibliografía : Caspar David Fiedrich , Edic Taschen

VENUS VERTICORDIA DE DANTE GABRIEL ROSSETTI

VENUS VERTICODIA 1864-1868

Venus Verticodia

óleo sobre lienzo 98x 70 cm

Russel Cotes Art Gallery and Museum

Bournemouth

Rossetti fue el más simbolista de los Prerrafaelistas mientras sus compañeros se entregaban a un estiloque era de un realismo minucioso .


En estas telas Rossetti acentúa los rasgos característicos de Jane , una mujer que había conocido cinco años atrás y se habían conocido en un teatro de Oxford en verano de aquel año. Habían viajado juntos allí para pintar los frescos del paraninfo de la universidad. Pero como Rossetti no dominaba la técnica de los frescos, éstos comenzaron a desconcharse seis meses después de su realización .


Jane Burden fue reclutada como modelo y aquí la vemos posando en Venus Verticodia . En esta pintura Rossetti acentúa al máximo los rasgos estilizados de Jane , parecen casi fetichistas , aunque tenía  muchas dificultades con la perspectiva de sus cuadros 


No sabemos si Rossetti quiso pintar a la Venus Verticodia viva o muerta a esta turbadora diosa del amor que según la mitología griega, era hija de Zeus y nació de la espuma del mar al cortarle Cronos los genitales a Zeus, porque está rodeada de flores marchitas y , este hecho nos introduce en la duda .Rossetti como buen prerrafaelista crea imágenes llenas de luz y de color, utilizando la mayoría de las veces temáticas mitológicas 

En 1868 pintó esta hermosa representación de la diosa Venus bajo la advocación de Verticordia ( la que transformalos corazones )

El ideal de Rosseti fue crear una Venus hermosa y serenaque deja traslucir su poder pero a cuyo yugo uno se somete voluntariamente Las flechas , las mariposas que reemplazan estéticamente a las habituales moscas, así como la manzana , son símbolos evidentes de Eros y Thanatos .

Mercedes Tamara 

30 agosto 2011

Bibliografía :Prerrafaelistas , Edic Taschen

JAROSLAVA DE ALPHONSE MUCHA

JAROSLAWA  1935

Jaroslava de Alphose Mucha
Museo de Praga

Alphonse Mucha es el autor de los famosos carteles modernistas que todos hemos visto sin saber que el autor era él, era muy amigo de Toulousse Lautrec , aunque sus carteles no guardan ningún parecido con los que pintó Lautrec 


El gran caricaturista Toulousse Lautrec pintaba seres de la farándula , prostitutas, bailarinas de cabarets que era la gente que frecuentaba Su finalidad era ridiculizar al público que iba a esos lugares y que luego, se consideraban muy respetables , pero, sin duda llevaban una doble vida y también pintó a varias bailarinas del Moulin Rouge y del Diván Japonaise





Y que diferente es el mundo que parece ser rodeaba al pintor checo Alphonse Mucha El pintaba mujeres muy bellas de  apariencia muy seductora y elegantes con adornos de guirnaldas de flores Pero estas mujeres eran excesivamente impersonales  quizás porque los atuendos que le ponía para pintarlas hacía difícil distinguir a unas de otras


 Pero, sin embargo,  los carteles de Mucha eran  innovadores en aquella época y abrieron las puertas a un tipo diferente de publicidad donde las mujeres son sofisticadas y seductoras.

Jaroslawa 

Mucha  realizó muchas fotografía de su familia , su esposa Maruska y sus hijos Jiri y Jaroslava . De su hija Jaroslava  hay varias, y la de 1935 es ya la fotografía de una mujer adulta de aspecto juvenil. A partir de esta imagen realizó un cuadro al óleo, ovalado, un retrato de Jaroslava






 Para Alphonse Mucha su hija Jaroslava no es seductora ni sensual, sino inteligente y moderna, y para ello sólo quiere que le miramos los ojos,que resaltan con una mirada de persona que ya ha crecido y que llama a la puerta de la responsabilidad. Un turbante muy grande cubre su pelo y se derrama por el cuerpo,  y está sentada,así que sólo vemos su cara, y de su cara los ojos que nos miran atentos, y nos dicen que nos fijemos en la delicadeza y
ternura con que la pintaría su padre

Mercedes Tamara 

29 agosto 2011

Bibliografía : Libro de la Fundación Mucha

LOS JINETES DEL APOCALIPSIS DE CARLO CARRÀ

LOS JINETES DEL APOCALIPSIS 1908

Los jinetes del Apocalipsis de Carlo Carrá
óleo sobre lienzo 36x94 cm
The Art Institue of Chicago

Antes de iniciar su carrera como pintor Carrà fue decorador en Valenza hasta que en 1895 se marcha a Milán Allí comienza sus relaciones con la pintura a través de la Galería Grubicy A principios de siglo son dos las líneas que elige para estudiar pintura. 

Una es la pintura de Gustave Coubert junto al movimiento impresionista y al puntillismo francés; la otra son las composiciones deJ. Constable y W. Turner en Londres.




En 1906 se encuentra en la Accademia Brera aprendiendo junto al pintor C. Tallone. Esta etapa inicial se caracteriza por la aparición de rasgos del romanticismo lombardo y de los paisajistas del Piamonte, a los que hay que sumar notas de la pintura divisionista como en los paisajes pintados en Sagliano Micca durante el año 1908. Una de las fechas clave de su carrera artística es 1910, cuando se une al movimiento futurista  participando en sus numerosas actuaciones.


Algunas de sus obras en este sentido son Los funerales del anarquista Galli (1911) y sus publicaciones en la revista futurista "Lacerba". Otra de esas fechas clave es el año 1916,momento en que gira hacia la pintura  metafísica realizando obras con una nueva lectura dela imagen clásica arcaica





.En ese periodo se encuentra en Ferrara con otros miembros de la pintura metafísica,Giorgio de Chirico, A. Savinio yF. De Pisis, estableciendo las bases de esa pintura que tiene como duración hasta 1921.

Hay que destacar algunos escritos de Carràcomo los "Ensayos sobre "Pintura metafísica"de 919.Obras como Óvalo de las apariciones (1918), La habitación encantada,La amante del ingeniero,etc. son ejemplos del nuevo camino que culminaría en Valoei Plastici.


Ahora las composiciones tienden a una idealización geométrica de la realidad, a veces con un sentido mítico. Su viaje a Liguria pone de manifiesto el interés por la recuperación de la cultura italiana y la influencia de artistas como Giotto o Masaccio como en Pino en el mar (1921). 




En Los jinetes del Apocalipsis sigue la simultaneidad de las sensaciones con la ayuda del expresionismo de tendencia fantástica y de una técnica próxima al divisionismo . El resultado es otra" pintura metafísica " movimiento que inagurará con Chirico y Savinio 

Mercedes Tamara

28 agosto 2011

Bibliografía : Expresionismo Edit Taschen

                  : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume                 

EL TRES DE MAYO LOS FUSILAMIENTOS DE GOYA

EL 3 DE MAYO EN MADRID : LOS FUSILAMIENTOS 1814

El tres de mayo : los fusilamientos de Francisco de Goya 
óleo sobre lienzo 266x345 cm
Museo Nacional del Prado

La obra representa la ejecución de patriotas por las tropas francesas. El pelotón de ejecución muestra a los soldados rígidos con la impersonalidad que tiene una máquina de matar.

La factura es amplia y pastosa, extendida a trazos con la espátula, sin embargo el efecto de realismo es impactante: el hombre caído en el suelo en un charco de sangre , con el cráneo deshecho posee una una urgencia trágica que golpea nuestra imaginación con un disparo.

Goya no describe, no narra, sino que nos impresiona ya que nos graba la imagen en la memoria" El personaje central que lleva la camisa blanca deslumbrante con los brazos abiertos se transforma en un puro grito plástico ".

Las formas abiertas y divergentes como una explosión,la cegadora claridad radiante que capta reflejar la luz contrastando con las sombras  hacen de este lienzo una de las gloriosas anticipaciones de ciertas telas contemporáneas, que, con medios enteramente plásticos, intentan comunicar el grito, la desesperación o la brutalidad

. Expresar más que narrar o provocar más que informar es lo que ha conseguido Goya en esta trágica pintura.

Mercedes tamara

 28 agosto 2011

Bibliografía : Goya, Edit Biblioteca El Mundo

LA ABOLICIÓN DE LA SERVIDUMBRE EN RUSIA DE ALPHONSE MUCHA

LA ABOLICIÓN DE LA SERVIDUMBRE EN RUSIA 1913

La abolición de la servidumbre en Rusia de Alphonse Mucha
óleo sobre lienzo 610 x 810
Museo Mucha Praga

 Ha sta 1861 Rusia mantuvo un sistema anarcrónico propio del  Antiguo Régimen. Una enorme masa de campesinos estaba sujeta a la tierra por lazos de servidumbre por normas jurídicas que le sujetaban a la nobleza.


El zar Alejandro II ( 1855-1881 ) vislumbrando los problemas que le originaba esta situación acometió una serie de reformas aconsejado por los reformistas con el fin de industrializar el país.


Pero económicamente esta serie de reformas tuvo repercusiones desfavorables . El decreto ( ukase ) permitía la desvinculación de los campesinos de su señores , pero ahora se habían convertido en vasallos con obligaciones feudales que fueron a parar a manos de la nobleza Todo ello incrementó la pobreza de los campesinos y el endeudamiento de éstos 

Por lo tanto, aumentó el descontentosocial. Alphonse Mucha uno de los creadores del " Art Nouveau " además de pintar bellos retratos de damas engalanadas con joyas y guirnaldasde flores también pintó cuadros de temas históricos que hacen referencia a rebeliones en paises selavos.

. La historia de los eslavos – poco conocida fuera – se encarna en 

episodios claves desde el punto de vista de su identificación cultural, 

vistos desde el prisma del checo Mucha.

De la historia rusa le llama la atención un único episodio: la abolición de

servidumbre. Son curiosas las fotos tomadas por él para la preparación 

de este lienzo, en la Plaza Roja de Moscú en 1913: mujeres ataviadas 

con pañuelos y primitivo calzado de corteza de tilo, niños con el pelo

 mal cortado…

Mercedes Tamara 

26 agosto 2011

Bibliografía : Mucha, Dover 1981 Mucha, Dover 1981

LA SARGANTAIN DE RAMON CASAS

LA SAGANTAIN 1907

La Sargantain de Ramón Casas
óleo sobre lienzo 91 x 63 cm
Teatro del Liceo de Barcelona

Hacia el 1905, Casas conoció a una joven de 18 años, de procedencia modesta, con la que estableció la única relación sentimental estable que se le conoce y con la que acabaría casándose en 1922 La atracción que en los inicios de la relación tuvo que sentir el pintor hacia esta joven, llamada Julia Peraire, queda soberbiamente reflejada en la obra que comentamos, sin duda la pintura más sensual de toda su trayectoria artística.

Con el cambio de siglo y especialmente tras el éxito rotundo que cosechó Casas con su exposición individual celebrada en la Sala Parés en 1900, su producción se centró preferentemente en el retrato, género con el que había debutado en el entonces ya lejano Salon des Champs-Élysées de París de 1883 y que cultivaría el resto de su vida. Los retratos de este largo periodo continúan evidenciando la especial dotación de este artista, tanto para representar los rasgos fisonómicos del personaje en cuestión, que en la mayoría de los casos eran mujeres de la burguesía catalana, como su facilidad para captar la atmósfera. Al mismo tiempo, en La Sargantain se manifiestan de nuevo también sus extraordinarios dotes de colorista en el valiente tratamiento del amarillo intenso del vestido que insinuándo se recoge en la falda la chica.

Sin embargo, en aquel tiempo, el modernismo llegaba a su fin y, en consecuencia, aquellos artistas que, como Casas, lo habían liderado pasaban a la retaguardia del arte catalán. La nueva situación del pintor en el panorama artístico catalán se acusó lógicamente en su obra, que a menudo sufre de un cierto convencionalismo.

El cuadro obtuvo el premio que concedía el Círculo del Liceo en un certamen internacional, lo que conllevaba que la pieza pasara a formar parte de dicha entidad.

Mercedes Tamara

23 agosto 2011

Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume

MEMORIAS DE FERNAND KNOPFF

MEMORIAS 1889

Memorias de Fernad Knopff
pastel 127 x 200 cm
Musée Royaux des Beaux- Arts -Bruselas

 A pesar de la dificultad de definición del Simbolismo, sí que pueden registrarse en el arte de Khnopff ciertas maneras de representar comunes a esta tendencia, principalmente la huida y negación del mundo cotidiano material y la consiguiente construcción de mundos propios a través del arte, poblados de los aspectos no tangibles de la existencia: todo aquello que aunque no se perciba sensorialmente no es menos real, lo onírico, lo oculto, etc.

 Los cuadros de Khnopff construyen la realidad a base de metáforas, que son las verdaderas protagonistas de unos lienzos que comunican a algo más allá de la propia superficie pictórica. El cuadro es un vínculo entre el yo del espectador y el del artista, y su contenido siempre habla de algo que no se percibe con un juicio técnico o formal de la obra. Esta cualidad del arte de Khnopff es en realidad algo común a los artistas finiseculares, y de hecho es lo que permite la agrupación bajo el término Simbolismo de manifestaciones artísticas a priori muy diferentes. 

A Khnopff se le ha acusado a menudo se ser demasiado difícil, puesto que en sus cuadros las alegorías y analogías que se desarrollan aluden a aspectos muy particulares del yo del artista, que mezcla y entrelaza las fuentes de sus símbolos en un mismo lienzo, consiguiendo así una obra laberíntica de casi imposible interpretación.

 Pero en el caso de Khnopff la forma no se altera en pos de una mejor expresión del símbolo o de la metáfora en que se convierta el cuadro, caso de los finiseculares más cercanos al Expresionismo como Edvard Munch  o James Ensor

. Al contrario, la técnica de Khnopff es de lo más preciosista, minuciosa y fotográfica. Con ello se gana en peso simbólico, puesto que el símbolo se comunica mejor a través de una forma reconocible.

Khnopp se integra también en los clichés académicos y en el mundo de la imagen estereotipada de la época; pero sobrepasa ese mundo con ciertas obras que manifiestan sus capacidades reales de invención plástica .En el caso de esta obra Memorias obtiene su encanto de su extraña ambigüedad  el artista ha demostrado en esta obra su buen hacer

Mercedes Tamara

23 agosto 2011

Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume

EL NACIMIENTO DE VENUS DE ALEXANDER CABANELL

EL NACIMIENTO DE VENUS  1863

El nacimiento de Venus de Alexander
Cabanell 
óleo sobre lienzo 130 x 225 cm
París, Musée d´Orsay

EL nacimiento de Venus es uno de los grandes éxitos del Salón de 1863 que fue adquirido por Napoleón III. La virtuosidad técnica de Cabanel convierte esta pintura fácil y refinada en un perfecto ejemplo del arte que en aquel entonces obtenía los favores del público y de las entidades oficiales


.Dentro del espíritu ecléctico característico del Segundo Imperio, Cabanel mezcla las referencias a Ingres y a la pintura del siglo XVIII. Sin embargo, el tema mitológico aquí es sólo un pretexto para abordar el desnudo cuya idealización no excluye la lascividad.


La bella dama se despereza voluptuosanente en el agua rodeada de amorcillos que parecen alegrarse por su nacimiento Cabanell pintó a esta Venus en escorzo con un empleo minucioso del dibujo , un tratamiento exquisito de la luz y de los colores , resultando una obra de gran belleza.

Mercedes Tamara 

19 agosto 2011 

Bibliografía : París, Museo de Orsay, Edic Uffmann