domingo, 18 de febrero de 2018

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS JOHANNES VERMEER

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS 1664

La muchacha del collar de perlas
óleo sobre lienzo 85 x 45 cm
Alte Pinakothek de Berlin

 V











Ya desde época renacentista empezarán a tomar fuerza los lienzos que tienen como temática la dualidad entre la virtud y el vicio, un asunto tratado por todos buena parte de los humanistas de los siglos XVI y XVII. Vermeer también recogerá en sus obras esta tesitura como bien se pone de manifiesto en esta escena, aunque sea de manera recatada y discreta. La escena, como es habitual en el maestro de Delft, se desarrolla en un interior iluminado por un potente foco de luz procedente de la ventana de la izquierda, creando intensos contrastes lumínicos que recuerdan a Caravaggio, uno de los pintores más admirados entre los maestros holandeses del Barroco, desde el grupo de Utrecht hasta Rembrandt. 

La mujer que protagoniza la composición se mira en un espejo que cuelga de la pared junto a la ventana, colocándose el collar de perlas que hace juego con sus llamativos pendientes. En la mesa encontramos una brocha para aplicar el maquillaje, otra alusión a la vanidad, mientras que la tarjeta que aparece en el extremo de la robusta mesa sería una referencia al adulterio, arreglándose para su amante. Frente al vicio representado por la amante nos encontraríamos con la virtud, simbolizado en este caso en la figura que decora la vidriera, posiblemente una representación de la Templanza que también aparece en Caballero y dama tomando vino. 


El mensaje de esta escena sería que la dama debe vivir recatadamente y frenar sus instintos, en lugar de lanzarse a la lujuria y el libertinaje, en consonancia con las ideas de los moralistas de su tiempo. La ubicación de los objetos en planos paralelos al espectador para crear la profundidad, la sensación atmosférica conseguida gracias a la luz y la manera "puntillista" de aplicar el color, repartiendo de forma chispeante la luz por toda la superficie, serán las características definitorias del estilo de Vermeer, al igual que el empleo de esas brillantes tonalidades entre las que destacan el azul y el amarillo de esta chaqueta ribeteada de armiño, propiedad de su esposa, Catharina Bolnes.




Mercedes Tamara
18-02-2018

Bibliografia : Vermeer , Edit Biblioteca el Mundo
                                   Wikipedia


















La pintura muestra a una mujer, tal vez embarazada, ante el espejo, poniéndose un collar de perlas.




Ante ella hay una mesa cubierta con varios objetos de belleza, como una brocha para aplicarse polvos y una nota, tal vez como indicación de que se arregla para recibir a su amante.




La luz del día entra por la ventana y hace revivir los colores amarillos y brillantes de las perlas. En este cuadro, Vermeer vuelve a tratar el dilema entre la virtud y el vicio, en este caso el de la vanidad.[1] Las perlas son símbolo de la vanidad, como indica una ilustración en Groot Schilderboek de Gerard de Lairesse, Ámsterdam, 1707.




Véase también



















Referencias

miércoles, 31 de enero de 2018

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO TIZIANO

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO 1555
Retrato de una dama con abanico
óleo sobre lienzo 102 x 88 cm
Galeria de Pinturas de Dresde
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Tiziano fue el pintor más importante del siglo XVI en Venecia, Italia, así como el primero en tener una clientela internacional. Fue pintor de corte del sacro emperador romano Carlos V, con el que supuestamente entabló una gran amistad. Tiziano dominó un amplio abanico de temas: desde los devocionales a los mitológi­cos, pasando por los retratos y las alegorías. Fue uno de los máximos exponentes de la técnica del colorito vene­ciano y es considerado uno de los genios máximos de la pintura universal.



Esta encantadora figura pintada por el gran maestro italiano, se cree que es la imagen de su hija que se designó con el título de Laetinia vestida de novia.



Hay argumentos en pro y en contra . En primer lugar, el que lleve vestido blanco y un abanico no asegura que vaya a celebrarse una boda , pues no era de rigor el traje blanco para las novias -ni lo fue hasta el siglo XIX- y en cuanto al abanico-en forma de banderola , era de uso en muchas fiestas.






Realizada con un fondo oscuro esta encantadora dama se nos presenta con la cabeza vuelta hacía el espectador , lleva un abanico típico  de esa época, el traje de un color bello color marrón claro en el que destaca los bellos pliegues del corpiño y de la falda, así como las mangas que son características del pintor veneciano y que el artista ha trazado con maestría La Luz está distribuida a lo largo de toda la vestimenta e ilumina el bello rostro de la modelo que  contrata claramente con el fondo del cuadro



Mercedes Tamara
31-01-2018

,Bibliografia : Tiziano , Edit Taschen


martes, 23 de enero de 2018

COMIDA DE PÍCAROS DIEGO RODRIGUEZ DE VELÁZQUEZ

COMIDA DE PÍCAROS 1617

Comida de pícaros
óleo sobre lienzo 96 x 112 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest

















Este cuadro que tiene un carácter marcadamente zurbanesco ,en el bodegón que aparece sobre la mesa en la Comida de pícaros del Diego de Velázquez. . Esa identidad con el estilo del pintor extremeño es puramente accidental por cuanto el cuadro fue realizado en 1619 , es decir, cuando su autor contaba tan sólo veinte años de edad y uno más que Zurbarán , quien se había establecido en Sevilla en 1614.


La composición demuestra en todo caso un paralelismo en la evolución de ambos artistas, cuyos primeros pasos recibieron una clara influencia del caravaggismo. una corriente que marcaría el estilo de muchos pintores del barroco europeo, y, que es evidente en la obra del pintor sevillano.


Este cuadro corresponde a una serie de escenas de género que probablemente se iniciara hacía el año 1617, año en el que el pintor había abandonado ya el taller de Pacheco e iba a casarse son la hija de éste. Gracias a la actividad literaria de su suegro ( " El arte de pintura, 1647 " ) sabemos que el artista trabajaba del natural ,utilizando sobre todo a un joven campesino como modelo, se trata del personaje sentado al lado derecho, en conversación con el hombre maduro que espera recibir la copa llena de vino de manos de la sirvienta. Con una paleta de colores riquísima, que en cierto modo queda absorbida por la entonación tenebrista del cuadro.


Velázquez crea una ilusión de vida que impone gravedad pero no dramatismo . Esta se sin duda, la más clara distinción que puede establecerse con respeto al caravaggismo ortodoxo; el enfoque realista no comporta teatralidad. La composición participa, en suma, del espíritu de la novela picaresca, cuyos personajes transitan por la vida con el ingenio despierto y haciendo gala de una imaginación pragmática que le permite adaptarse a esta realidad.


Mercedes Tamara
23-01-2018


Bibliografia : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo
                    Wikipedia





jueves, 10 de noviembre de 2016

SABASA GARCÍA FRANCISCO DE GOYA

SABASA GARCÍA 1806-1811

Sabasa García
óleo sobre lienzo 71 x 18 cm
Washington National Gallery , of Art






Los años transcurridos entre el nombramiento de Goya como primer pintor de la corte de Carlos IV y la invasión napoleónica de 1808 fueron un momento de gran actividad y seguridad financiera para el artista. Pintó algunas de sus mejores retratos en ese momento, Señora Sabasa García y varios otros en la colección de la National Gallery entre ellos.



En nombre de Sabasa parece ser que correspondía a un sobrenombre familiar de la modelo María García Pérez de Castro que había nacido en 1790 . Es probable que el pintor conociera a la joven que , por su fisonomía, parece tener unos veinte años de edad 


El sistema compositivo aquí realizado por Goya se podría describir como la sencillez llevada a su perfección. Presentada de busto y ladeada hacía la izquierda , dispone el pintor a la joven mujer ante un fondo oscuro, presentándola sin joyas ni otro tipo de detalles reveladores de su condición social . El resultado es, no obstante, un retrato de suprema elegancia . Los hombros de la joven , como también sus brazos , quedan cubiertos por una amplia pañoleta de tonos dorados , en cuyos pliegues se reflejan luces y se producen sombras de los tonos más oscuros.

A la vista queda su antebrazo izquierdo , cubierto, al al igual que el derecho, por un mitón largo de cabritilla que supera la muñeca y parte de la mano , directamente entrecruzada con su derecha y ni siquiera sostiene el característico abanico , detalle habitual en los demás retratos femeninos de Goya. Delante de la oscuridad del fondo luce la cabeza joven , en cuyo rostro pálido define el pintor con delicadeza su nariz fina , sus labios levemente carnosos y sus ojos brillantes , que subrayan la serenidad de este personaje algo distante. 

Cubierta por un ligero velo de gasa transparente decorado en sus bordes con un dibujo pequeño , caen sus rizos sobre la frente , muy a la moda de entonces y haciendo juego con el aspecto natural de la retratada . La joven queda circunscrita en el espacio neutro , en el cual su tronco y su cabeza evocan una figura geométrica triangular de lineas cerradas . en el que la cabeza ocupa uno de los vértices - eje del lienzo - y los otros puntos los sitúa el pintor en los vértices del antebrazo izquierdo ( codo y cruce de la mano ) cerrando su busto en el margen inferior del cuadro.

A pesar de la sencillez de la composición , apreciamos una gran riqueza de recursos técnicos en Goya a la hora de describir con largas y amplias pinceladas , la superficie de la tela de su vestimenta , que contrastan marcadamente con los finos toques aplicados con gran precisión para sugerir el brillo de su pelo o para definir sus rostro , pintando éste como si de una miniatura se tratase . La variedad de las pinceladas y la técnica cuidada que se muestra en el rostro son muy propias del artista .
Mercedes Tamara
10-11-2016

Bibliografia : Goya Edit Biblioteca El Mundo 
                        Guía de la Historia del Arte

martes, 8 de noviembre de 2016

NORHAM CASTEL : AMANECER WILLIAM MAILLORD TURNER

MORHAM CASTEL : AMANECER
Norham Castel : Amanecer
óleo sobre lienzo 91 x 122 cm
Tate Gallery, Londres


Se conocen numerosos dibujos y bocetos de este lugar, más de veinte versiones a pluma y a lápiz , de los cuales se sacaron grabados a la acuarela , como las dos conservadas en el Britsih Museum , una de alrededor de 1817 y otra de los años treinta , en la cual el sol desgarra las nubes y la niebla con tonos malva y anaranjado.


De todas ellas fue en ésta en la que alcanzó el nivel más alto de abstracción , desmaterializando las formas en el esplendor de la luz, de tal modo que al verlo Paul Signac tuvo palabras de grandísimo elogio y observó que esta obra en comparación con las versiones anteriores había sido " simplificada y despojada " de todo lo que podía resultar inútil y superfluo .

En este lienzo, al que algunos críticos asignan una fecha incluso en los 1840- 1845 Turner obtiene con el color al óleo la misma transparencia y luminosidad de la acuarela ; la luz es deslumbradora , el color sutil , los tonos amarillos se difuminan en los grises azulados y en las sombras azules del castillo en el centro de la escena , en una perfecta fusión de aire y agua , de reflejos y de formas que emergen de sutiles veladuras con los toques rojos del animal errante . 

Es la imagen de un sueño, o mejor de un recuerdo que brota lentamente de lo profundo , disipando las nieblas del amanecer

Mercedes Tamara
8- 11- 2016

Bibliografía : Turner , Edit Biblioteca El Mundo 

lunes, 24 de octubre de 2016

LADY GODIVA JOHN COLLIER

LADY GODIVA 1896
Lady Godiva
óleo sobre lienzo 142, 2 x 183 cm
Art Gallery Londres



Lady Godiva es una obra pictórica realizada por el pintor prerrafaelista John Collier en torno a 1897. Collier (1850-1934) fue un pintor británico que cosechó grandes éxitos como retratista durante su vida; el artista provenía de una acomodada familia que le permitió disponer de numerosos contactos y una buena formación académica El artista se sentía fascinado por las leyendas del pasado 





Sus obras se encuadran dentro del estilo prerrafaelista. La conocida Hermandad Prerrafaelista agrupaba a algunos de los pintores, escultores o literatos más conocidos de la Inglaterra del XIX, su estilo se caracterizaba por el rechazo de las formas academicistas imperantes y el gusto por la continuidad romántica. De hecho este grupo de artistas –entre los que se encuentran figuras tan importantes como Millais, Rossetti o Holman- se caracterizan por situar el culmen del arte renacentista en los artistas predecesores a Rafael, en el Trecento italiano, y no en Rafael como se pensaba en su época.

La obra representa la historia de Godiva, una joven dama esposa de Leofric conde de Chester y señor de Coventry que en el siglo X rogó a su esposo que redujera los impuestos de sus vasallos. Leofric accedió a la petición de su esposa con la condición de que ésta se paseara desnuda y montada a caballo por las calles de Coventry pensando que nunca aceptaría sin embargo Godiva, apenada por la situación de su pueblo accedió a la propuesta de su marido mientras sus vasallos se encerraban en sus casa con las ventanas cerradas para no perturbar más a la joven dama.

Éste es precisamente el momento escogido por Collier para representa su obra, Godiva encima de su imponente cabalgadura pasea desnuda por las calles de la ciudad; su figura avergonzada se contrapone con la altivez de su caballo que pasea elegante por la ciudad con sus mejores galas. 

La encarnación de la joven está muy lograda en la representación, sus formas son finas y delicadas y su melena cobriza muestra gran armonía con el manteo del caballo que lleva la heráldica del señor. La escena se desarrolla en el centro del poblado por lo que el pintor nos deja ver las construcciones de época medieval.

Mercedes Tamara
24-10-2016

Bibliografia : Wikipedia
                      La guía de la Historia del Arte 



domingo, 2 de octubre de 2016

LECCIÓN DE AMOR ANTOINE WATTEAU

LECCIÓN DE AMOR 


Lección de amor
óleo sobre lienzo 44 x 61 cm
Museo Nacional de Estocolmo



La composición es análoga a la de otros cuadros del mismo maestro. Parte el cuadro en dos mitades, una de vegetación oscura y otra de celaje claro. Ante estas dos partes coloca los personajes, destacándolos por contraste con el fondo. El mayor número de figuras y de colores más vivos se sitúan ante la masa de boscaje para aligerar su pesadez; en cambio sobre el cielo se recorta un solo músico para dejar que allí el cuadro tenga aire y profundidad.


Como detalle curioso, por referirse a la manera de trabajar de Watteau, diremos que el examen radioscópico de este cuadro ha revelado que lo pintó sobre un trozo de la puerta de un coche, en la que había un escudo de armas.

Watteau  con su estilo personalísimo supo fundir la observación flamenca , la vivacidad italiana y la gracia francesa , asumiéndolas en una sagaz interpretación de la sensibilidad de la época 

Mercedes Tamara
2-10-2016 


jueves, 29 de septiembre de 2016

EL AFILADOR FRANCISCO DE GOYA


EL AFILADOR 1808-1812

El afilador
óleo sobre lienzo 68 x 50
Museo de Bellas Artes de Budapest 


Esta pintura del Museo de Bellas Artes de Budapest pertenece a la época en que Goya realizó las " pinturas negras " . Los rasgos del rudo afilador han sido descritos a base de pinceladas abruptas y efectistas , de modo que si se observa con detenimiento el lienzo, se advierte la forma de concreción de la forma, sugerida ésta por medio de toques de iluminación violenta.

La técnica es de una total espontaneidad descuidada y económica Al observar la ejecución de la camisa que viste el personaje se constata la ferocidad con que Goya empastó el color y la escasa ilación del toque, gracias a la cual los contornos de la figura se funden con ciertas zonas de la atmósfera que los circunda.





Goya nos lo presenta sin ninguna idealización, en mangas de camisa y con el pecho descubierto.Curvado sobre su carretilla ,el afilador se nos presenta como aislado del mundo , sobre un fondo de tonos pardos animado por sombras y transparencias sugerente  Se inclina ante la rueda de afilar, transportada en una especie de carretilla que incluye un pequeño depósito de agua para enfriar la piedra. Levanta la vista de su trabajo para observar al espectador, con una mirada cómplice. No existe ninguna sugerencia espacial pero la figura adquiere grandeza gracias a su gesto y a su trabajo. De esta manera se anticipa Goya al Realismo que se desarrolla en Francia a mediados del siglo XIX, exaltando la labor de los trabajadores. 


Mercedes Tamara
29-09-2016



Bibliografia:  ARTEHISTORIA 









viernes, 23 de septiembre de 2016

LA MARQUESA DE PONTEJOS FRANCISCO DE GOYA

LA MARQUESA DE PONTEJOS 

La marquesa de Pontejos
óleo sobre lienzo 211 x 126 cm
Galeria Nacional de Washington




La influencia del retrato inglés - especialmente de Gainsborough - va a marcar buena parte de la obra de Goya, siempre abierto a recibir nuevos aires creativos. La situación de las figuras al aire libre fue lo que más llamó la atención al aragonés de los retratos británicos.Mariana de Pontejos nació en 1762 y se casó en 1786 con el hermano del Conde de Floridablanca. Se considera la fecha de su boda como aceptable para situar la de estel retrato. 


Aparece en un jardín, vestida con un elegante traje en tonos grises adornado en la sobrefalda con cintas blancas, flores rosas y una cinta en la cintura del mismo color. Se toca con un sombrero de color crema y calza chapines de tacón. 

Asi vestida parece una modelo de alta pasarela del siglo XVIII. Goya muestra especial atención por los detalles que adornan el precioso traje y por la sensación de gasa de la sobrefalda. El paisaje otorga frescura y perspectiva al conjunto, mientras el perro en escorzo del primer plano simboliza la fidelidad. Los tonos grises, rosas, verdes y blancos empleados crean una gama cromática perfecta, otorgando mayor elegancia a la aristócrata. Con este tipo de retratos Goya triunfará en los círculos cortesanos madrileños.


Mercedes Tamara
23-09-2016

Bibliografia : Goya Edit Biblioteca El Mundo

sábado, 17 de septiembre de 2016

ANGÉLICA ENCADENADA JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

ANGÉLICA ENCADENADA

Angélica encadenada
óleo sobre lienzo 97 x75 cm
Museo Sao Paulo 




El academicismo francés tiene a Jean Auguste Dominique Ingres como uno de los máximos representantes de este estilo. Hombre de extracción burguesa , su pintura retorna una y otra vez en el transcurso de su vida al tema del desnudo femenino , en ocasiones revestido de exotismo oriental o, como en el caso de Angélica encadenada, de connotaciones literarias




La heroína de la obra de Ariosto aparece también en otro cuadro de Ingres que posee el Museo del Louvre , cuya composición introduce además a la figura de Ruggero .




El del museo paulista presenta a la joven , con ambas manos unidas por una gruesa argolla de hierro , junto a un escualo de feroz aspecto. Pero el tema no es más que un pretexto para que el pintor se enfrasque en la obtención de unas calidades mórbidas en el desnudo femenino , por medio de un claroscuro difuminado y virtuoso .




El aspecto convincente del estudio anatómico queda anulado, sin embargo, por la insipidez del contenido y la vaciedad de la expresión en el rostro de la figura : a pesar del esfuerzo compositivo , el cuadro revela una falta de imaginación que es endémica en la producción de Ingres , autor al que hay que contemplar como extraordinario dibujante e innovador de las fórmulas del realismo clasicista






Mercedes Tamara

17-09-2016







Bibliografia Wikipedia