RECUERDOS Y REMORDIMIENTOS DE ALFRED STEVENS

RECUERDOS Y REMORDIMIENTOS  1874

Recuerdos y remordimientos
óleo sobre lienzo 61,4 x 46, 4 cm
Colección Sterling Clark

Como muchas obras de Stevens de la década de 1870, esta pintura lleva al espectador a construir un contexto narrativo para colocar la escena, sin que el autor sugiera detalles de la historia. Una mujer está sentada en una  silla con la mirada hacía abajo , dirigida a la carta que tiene en la mano derecha . Un vestido, un abanico y un parasol están amontonados a su izquierda , y, la modelo viste sólo ropa íntima. El rostro triste acentúa el aura de melancolía de la pintura, subrayada, por la postura negligente y la indiferencia con que coge la carta .

Es evidente que a pesar de los símbolos de una vida confortable -reconocibles en una cómoda muy elaborada con cepillos , frascos de perfume y un jarro con decoraciones japonesas -la mujer no es para nada feliz.

Reuniendo los diferentes detalles de la pintura , se puede suponer que la dama acaba de volver después de haber pasado la noche fuera de casa. El cajón ligeramente abierto sugiere que la carta ha sido  leída varias veces y que se refiere a una dolorosa relación pasada. El artista deja indicios visuales para confirmar esta posible situación, pero le toca al espectador imaginar las circunstancias específicas que ocasionan la tristeza de la mujer.

Además de crear un modesto tableau evocativo sobre la pérdida de un amor . Stevens incluye detalles que relacionan la pintura con tradiciones más antiguas . El espejo y los demás objetos de  lujo , colocados sobre el mueble , son elementos típicos de la vanitas en la pintura de género de los maestros holandeses del siglo XVII . Además , la pose de la modelo es una evocación de la semblanza clásica añoranza y puede estar relacionada con imágenes como las imágenes de " Melancolía " de Albert Durero.

Por lo que atañe al estilo ",Recuerdos y Remordimientos"es notable por el tratamiento del color : en conjunto, la  pincelada se presenta más amplia respecto del modo usual de Stevens, célebre por su  técnica apretada y meticulosa que  encontramos por ejemplo en " La duquesa ". 

Un crítico de principios del siglo XX elogió con fuerza la pintura , definiéndola como un lienzo poco común y quizá único en la obra de Stevens, por la amplitud del tratamiento y la delicadeza de las pinceladas. Sobre todo,gracias a estas cualidades la obra del pintor fue comparada con las creaciones de la  misma época de Degas y Manet . Además  durante mucho tiempo se avanzó la hipótesis, nunca comprobado con certeza , de que lamodelo del cuadro fuera Victorine Meurent,la misma que, unos doce años antes, había posado, espléndidamente para la Olimpia de Manet ( Musée d´Orsay, París )

Mercedes Tamara 

13 junio 2012

Bibliografía : Colección Streling Clark, Caixa Forum

EL ENCANTADOR DE SERPIENTES DE JEAN LOUIS GEROME

EL ENCANTADOR DE SERPIENTES 1879

El encantador de serpientes
Óleo sobre lienzo 82 x 131cm
Colección Sterling Clark

La meticulosa descripción de los atuendos y los detalles arquitectónicos de Encantadorde serpientes despiertan la impresión de que la tela representa un acontecimiento específico al cual el pintor asistió realmente


No obstante, como en la mayor parte de las obras de Gérôme , la composición fue realizada en estudio incorporando elementos hetereogéneos tomados de fuentes variadas, incluso fotografías. Un examen más cuidadoso revela  inequívocamente que, a pesar de su atrayente exotismo, Encantador de serpientes contiene numerosas  inexactitudes históricas.

Los azulejos motivos del arco que decoran el fondo imitan fielmente tres paneles colocados en el palacio otomano de Topkapi . en la actual Estambul. Sin embargo, la práctica de encantar serpientes no pertenecía a la tradición otomana , mientras que era un espectáculo típico en el Egipto del siglo XIX , en el cual participaban hombres desnudos como el que está representado aquí.

De todos modos, no se sabe con certeza si el artista asistió verdaderamente a uno de ellos durante su viaje por ese país o si al pintar la escena se inspiró en fuentes  de segunda mano . La localización geográfica del cuadro se complica aún más a causa del pavimento que es similar al de la mezquita  de Amr ibn-As en El Cairo, aunque el artista debería tener suficiente familiaridad con la religión islámica como para saber que un  espectáculo de este tipo no sería tolerado en un espacio sacro.

Asimismo, el lienzo presenta una gama de  tipologías étnicas diferentes entre ellas y un verdadero fárrago de armas y atuendos ( algunos de ellos usados también en otras pinturas ) . Elementos muy detallados , como el friso con los versos del Corán en la pared del fondo, acentúan el exotismo de la escena y aumentan la distancia entre los personajes representados y el público europeo al que está destinado el cuadro. Tenemos la impresión de que el motivo central de la pintura no es un acontecimiento específico, sino más bien la representación
de la idea de lo exótico, de lo raro.

Mercedes Tamara

9 junio 2012

Bibliografía : Colección Streling Clark, Caixa Forum

LA PEQUEÑA VENDEDORA DE FRUTA DE BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

LA PEQUEÑA VENDEDORA DE FRUTAS 1870-1875

La pequeña vendedora de frutas
Óleo sobre lienzo 149 x113 cm
Munich Bayerische Staageldesammulungen
Alte Pinakothet

Murillo fue el menor de los 14 hijos de un médicode Sevilla . Al parecer nunca salió de su ciudad,aparte de un supuesto viaje a Madrid hacía 1642. A los diez años se quedó huérfano y pronto entró en el taller de un pintor llamado Castillo . Su primer gran encargo fue el ciclo de pinturas para el claustro del monasterio de San Francisco , en Sevilla ( 1645-1646 ) .esta fue la obra que le hizo famoso .


En su primera época todavía muestra influencias del claroscuro de Zurbarán y más tarde de Ribera, y se inclina por el empleo de colores fríos ; pero en seguida encontrará su propio estilo , suave y de tonos cálidos , en cuyo desarrollo tuvieron una importancia capital las obras de Van Dick , Rubens y Rafael , que Murillo conocía a través de colecciones sevillanas .

Sus escenas costumbristas , consideradas con frecuencia empalagosas (Niños comiendo uva 1645/46 Münich , Alte Pinakothet , La pequeña vendedora de frutas ) supusieron en su época una nueva forma de percibir la realidad . Cuando Hegel dijo de los pequeños mendigos de Murillo que están sentados en el suelo" satisfechos y felices como dioses del Olimpo , estaba refiriéndose a la liberación del poderoso destino así como a una sensibilización hacía los objetos  y emociones más simples que no llegó a manifestarse de forma contundente hasta el siglo XVIII .

Sus numerosas Madonnas representan una religiosidad  emotiva y popular . Las innovaciones temáticas y conceptuales , así como su brillante técnica pictórica , hicieron de Murillo la figura principal y mejor pagada de la escuela sevillana , fue además fundador y presidente de la Academia de Sevilla.

Una joven muchacha , con su rostro de auténtica Madonna, un alegre jovencito , que observa complacido las ganancias y un cesto lleno de uvas , ya de por si un bodegón de gran calidad . ¿ Representan un símbolo de vida despreocupada ?

 La evidente pobreza , su trabajo poco infantil , pero necesario hace surgir más bien un sentimiento de desconsuelo y de miseria . Y, sin embargo, estos niños irradían alegría y satisfacción . Aquí radica el mensaje cristiano de Murilo , como  estos niños no sienten su indigencia como un peso, su existencia como algo triste , son bellos y " distinguidos "este cuadro podría encontrarse en el palacio de cualquier soberano.

Mercedes Tamara 

24 mayo 2012

Bibliografía: Murillo, Edit Biblioteca El Mundo

VENUS, VULCANO Y MARTE DE TINTORETTO

VENUS, VULCANO Y MARTE  1555

Venus, Vulcano y Marte
óleo sobre madera 135 x 198 cm
Staademäldesalungen Alte Pinakothek

En el trío de los grandes pintores venecianos del siglo XVI , Tintoretto representa las  tendencias manieristas más decididamente que Tiziano o Veronés .Jacob Robusti,llamado  Tintoretto por el oficio de su padre le llamaban ( tintoreto ) se formó en  el taller de Tiziano . En 1539 es mencionado maestro como primera vez . Entre 1548 y 1563 pinta varios lienzos de gran tamaño  con escenas de milagros de San Marcos .


Las representaciones se caracterizan por una vehemencia de la acción , desconocida hasta entonces en la pintura veneciana y conseguida mediante violentos escorzos y movimientos exagerados . También fue una novedad en Venecia el enérgico modelado del cuerpo ,que excede los hallazgos de Miguel Ángel Lucas . Luces trémulas interrumpen la continuidad de la superficie.


No sabemos si Tintoretto estuvo en Roma pero existen datos de que en obras posteriores utilizó temas de la Antigüedad clásica y también de Miguel Ángel y Gambologna. En sus últimas obras la luz adquiere cada vez un papel más importante . Según un informe de Marco Boschini, Tintoretto montaba cada vez un escenario semejante al espacio del cuadro ,colocaba figurillas de cera a modo de prueba e iluminaba el conjunto para estudiarlo.


De 1564 a 1587 el pintor está ocupado con la decoraciónde la Scuola di San Rocco El extenso ciclo nos da una idea de la importancia del pintor . Junto a magníficos trabajos , se encuentran  otros, en los que predomina el efecto virtuoso. Sin embargo hay que contar con la participación de un gran taller, ya que Tintoretto,con una energía inagotable , acaparó un encargo tras otro.


El amor entre Venus y Marte representado por Boticelli como amor ideal siguiendo la filosofía neoplatónica adquiere en la pintura del siglo XVI un fuerte componente erótico Es característico  del temperamento de Tintoretto , tendente a la  escenificación dramática  que no escoja como tema la unión entre los amantes , sino su descubrimiento por el anciano esposo de Venus, Vulcano, Representado en movimiento , Vulcano descubre el pubis de Venus , mientras que Martese esconde debajo de la cama . El espacio se abre desde el primer plano izquierdo hacía el fondo a la derecha , con una asimetría acentuada .Esta dirección queda subrayada por la reducción del muro y la posición de Cupido , así como la perspectiva de las baldosas que llevan a la habitación contigua .

De igual modo, el espejo sugiere una ampliación del espacio uniéndose con tres figuras principales en una nueva diagonal . Además el espejo tiene una segunda e importante función : completa la figura de Vulcano, muy especial ya por el momento hasta formar una " escultura " visible de todos  los lados . Una impresión reforzada que denota el estudio de Miguel Angel . Contrasta con ella la figura aspera , casi masculina de Venus , para la que pudo servir de modelo la Andrómeda de Tiziano .En la composición, Venus es un contrapeso a la fuerte diagonal.

Mercedes Tamara

21 mayo 2012

Bibliografía : Tintoretto, Edit Biblioteca El Mundo

AMOR VICTORIOSO DE CARAVAGGIO

AMOR VICTORIOSO  1602-1603

Amor victorioso de Caravaggio

óleo sobre lienzo 156x 113 cm
Berlín Dahlem, Staatliche 
Museen Preussicher Kulturbesit

El marqués Giustiniani fue uno de esos personajes cultos y pertenecientes a la aristocracia que protegieron y realizaron frecuentes encargos a Caravaggio


 Este miembro de la alta sociedad romana pidió al artista que le pintara un Amor Terrenal, en competencia directa con el Amor Divino que había realizado Baglione. Baglione era otro pintor de Roma, rival directo y a veces encarnizado, de Caravaggio, aunque más tarde se convirtió en su biógrafo


. Caravaggio no se limita a un Amor Terrenal, sino que plasma la estampa feliz y risueña de un Amor Victorioso, cuyo poder pisotea con el descuido de un niño todas las glorias del mundo. Un poeta del círculo de Caravaggio, Murtola, escribió en 1603 a propósito del lienzo: "No mires, no mires en estas telas a Amor pues te incendiará el corazón". El muchacho escogido por Caravaggio para posar como el Amor resulta un pilluelo de la calle, del que no se oculta su condición.

 Tal vez el pintor quería dar a entender la presencia de este dios en cualquier manifestación humana, sin ser necesario sublimar su apariencia física. Como dato curioso diremos que las alas que porta el muchacho son de gorrión, otro pájaro típicamente urbano. El niño parece estar resbalando desde el borde de una cama para ir a caer sobre una serie de objetos, que pisotea sin siquiera mirarlos: la música, las armas, los libros... nada resulta atractivo ya ante el poder del Amor. El descaro del rostro del chico unido al desparpajo con que se mueve le convierten en cómplice del espectador y en un reclamo muy atrayente para su mensaje.

Mercedes Tamara 

17 mayo 2012

Bibliografía : Caravaggio, Edit Biblioteca El Mundo

NEVERA NUEVA DE ANTONIO LÓPEZ

NEVERA NUEVA  1991-1994

Nevera nueva de Antonio López
óleo sobre lienzo 240x 10 cm
Colección del artista

Aunque suele entenderse como la pintura de un objeto cotidiano, que lo es. Nevera nueva supone bastante más. No parece exagerado verla como la búsqueda del espacio donde representar , sin artificios , la versión contemporánea del bodegón. En el interior de la nevera encontramos sus componentes tradicionales:frutas, recipientes de características distintas (opacos,cristal ) verduras, animales muertos .

Cambia su disposición porque están ordenados según marca la lógica tanto del orden familiar como del que posee el propio electrodoméstico. Puede parecer una interpretación excedida, pero también puede verse como una reflexión sobre los cambios en el interior de las viviendas, además de evitar lo que de escenográfico tiene elegir y disponer los elementos para componer un 
bodegón.

El recurso, además, tiene un antecedente en Nevera de hielo, un cuadro fechado en 1966 , en el que sobre la nevera y en el interior de su puerta superior ,dispone de dos bodegones . El formato de ambos cuadros es grande , como corresponde a la convicción de que las medidas de soporte deben guardar una relación  directa con las del motivo representado .

El tratamiento de los cuadros es bastante distinto. Con el primero entramos en la época más oscura de la pintura del manchego : una composición en que la iluminación busca un contraste fuerte , abundan las zonas de penumbra y existe un cuidado tratamiento de las texturas de las paredes. Cada elemento está en su sitio y todo responde a una lógica , a unas normas claras: la dirección de la luz , las leyes de la perspectiva , el perfil de la habitación .

En Nevera nueva de un tono más cálido , que  corresponde a la propia luz de la nevera. Algunas formas ( caso de las botellas ) están esbozadas , con una pintura suelta ,lo que ,unido al cuidado dibujo previo o al fondo blanco de la composición ( azulejos, suelo ) le dan un aire más voluntariamente alegre.

Mercedes Tamara 
16 mayo 2012

Bibliografía : Antonio López, Edit Biblioteca El Mundo

EL ESPEJO DE VENUS DE EDWARD COLEY BURNE-JONES

EL ESPEJO DE VENUS 1875

El espejo de Venus de Edward Coley Burne- Jones

Óleo sobre lienzo 10x 300 cm

Lisboa, Museo Calouste Gulberkian

El espejo de Venus tiene su origen en una serie de ilustraciones que Burney-Jones hizo paraThe Earthly Paradise de William Morris un compendio de narraciones clásicas y románticas  El libro se publicó entre ( 1868-1870 ) pero al  final apenas contenía ilustra ciones Al igual que  en La escalera dorada, la belleza es el tema principal de la composición ,que presenta a Venus, la diosa del amor, rodeada por nueve mujeres en un paisaje rocoso e inhóspito. Con excepción de la figura que alza la vista para mirar a Venus ,todas ellas contemplan melancólicamente , como en un trance , su reflejo sobre la superficie del agua.


La deidad, envuelta como las demás en un vestido clásico, se distingue por estar de píe y tener la mirada ausente . Su condición ultamundana e inmortal se recalca con un vestido más claro : la belleza de Venus se mantendrá siempre , la de las otras es de corta duración La elegancia de las  figuras testimonia la influencia de los artistas renacentistas , sobre todo de Boticelli , a quien Burne- Jones admiraba mucho . Los vestidos de gasa , sin corsé, crinolina ni miriñiaque reflejan asimismo el gusto del círculo de mujeres de Little Watts, Tennynson y Browning , eran uno de los artistas que frecuentaban esa casa.


El espejo de Venus se presentó con otras ocho obras de Burne- Jones, en la exposición  inagural de la Grovernor Gallery. Esta galeria inagurada en 1877en la New Bord Streeet de Londres, mostró desde un principio un mayor atrevimiento que la Academia Real. Las salas principales estaban decoradas en estilo italiano: a diferencia de la práctica usual cada cuadro colgaba justo al lado del otro- se dejó bastante espacio a cada obra. Era la primera ez,desde hacía siete años que Burne- Jones exponía sus obras, después del escándalo debido a la desnudez explicita de Filis y Demofonte .

El público no estaba preparado para pinturas sin explicación ; un crítico perplejo ante El espejo de Venus se refirió a mujeres inexplicables , quienes, frente a un paisaje trazado con regularidad  convencional miran fijamente y con una seriedad realmente extraña y solemne el reflejo de sus propios rostros en el estanque.

Sin embargo, la mayoría de los críticos se mostró  entusiasmados y el autor Henry James ( 1843- 1916 ) elgió a Burne- Jones denominándole " El león de la exposición "

Mercedes Tamara

14 mayo 2012

Bibliografía . El Prerrafaelismo, Edic Taschen

EL CAMPO DEL MORO DE ANTONIO LÓPEZ

EL CAMPO DEL MORO  1990-1194

EL CAMPO DEL MORO DE ANTONIO  LÓPEZ
óleo sobre tabla 190 x 245 cm
Colección de artista

Más de treinta años separan los dos cuadros que Antonio López titula El Campo del Moro desde la parte alta de la Plaza de la Armería, no se atreve a presentar el paisaje desnudo y añade dos figuras que andan  y conversan, flotando en la zona superior , para darle un tono simbólico misterioso . 

El segundo está pintado desde la ventana central de la zona de servicio del Palacio Real , lo que permite establecer una composición simétrica  en la que sirve de eje el parterre central de los jardínes: " Estaba seguro de que la vista me iba a hechizar , con el bosque que empieza  a tus pies y termina a los lejos, enlazando El Campo del Moro con La Casa de Campo. Todo ese escalonamiento , ese movimiento, ese deslizarse hacía el Manzanares , y esa simetría que le da algo mágico , irreal. Por eso elegí el balcón que me daba la más  absoluta simetría, dejando incluso las doszonas urbanas con la misma anchura , como si una se repitiese en un espejo".


La definición es significativa : se siente  impresionado por la vista real ,que inmediatamente cree posible representar desde la pintura ; repara en un elemento aparentemente extraño , en el que siente la presencia de un atractivo misterio ; y las primeras indicaciones técnicas son de medida ( la anchura de las zonas urbanas )porque en su mirada ya está la imagen convertida en cuadro.

El Campo del Moro es el paisaje en plenitud Pintado al mediodía , se quedó sin terminar;un detalle que ya no preocupa al pintor , más preocupado en  mirar hacía delante : " Quizás pinte otro cuadro desde el mismo lugar .Me parecería milagroso bajar en el metro de Ópera , con toda la dureza de la ciudad y asomarte a ese balcón , a ese mundo vegetal: era asombroso, tan sorprendente  Lo maravilloso de lo maravilloso . Añoro aquellos momentos  Tal vez vuelva a pedir permiso para pintar un nuevo cuadro , con la misma estructura, para ver qué ha ocurrido ",

Mercedes Tamara 

13 mayo 2012

Bibliografía : Antonio López, Edit Biblioteca El Mundo

EL MUNDO DE CHRISTINA DE ANDREW WYETH

EL MUNDO DE CHRISTINA  1948

El mundo de Cristina

témpera sobre madera con imprimación

81,9X 121,3 cm

Nueva York, The Museum of Modern Art 

Andrew Wyeth goza de un nutrido grupo de admiradores , que le consideran un " painter for the people " , un pintor de pueblo. Para la crítica profesional y en el mejor de los casos , apenas si pasa de ilustrador con talento. Un fenómeno bastante sorprendente en el mundo del arte , pero en este  caso concreto particularmente instructivo. El artista , benjamín de la familia del pintor N C Wyeth , estudió desde los 15 años en el taller de su padre ; a los 18 se dedicó por completo a la pintura , y a los 20 celebró su primera exposición.


Su obra, compuesta a primera vista de hermosas y simples imágenes y de paisajes arquetípicos de una idilíca campiña norteamericana que nunca ha existido , ocupa un lugar de honor en la memoria colectiva y está profusamente representada en los museos , y sin embargo- o quizás precisamente por ello-despierta suspicacias entre la crítica.  Wyeth ha creado con sus cuadros una mitología inconfundible y un concepto único y fantástico de los paisajes del continente americano . Estos,a su vez, pasan a ser la superficie sobre la que proyectan todas las amenazas y peligros que acechan en la gran urbe, némesis clásica de la sencillez rural . El sano mundo de prados y  trigales ,de cabañas rusticas y desvencijados  pajares en el entorno rural de la costa este es una típica idealización del americanismo :" land of the free and home of the brave " ( la tierra de los libres , el hogar de los valientes ).

Un cuadro en particular del artista , profundamente arraigado durante toda su vida en el estado de Maine,escapa a toda crítica En El mundo de Christina , su obra más conocida , el idílico paisaje es tan sólo hermosa apariencia , un velo de ilusiones tras el que se oculta la realidad . La joven tendida deespaldas al espectador sobre un mar de hierba da la impresión de estar relajada , pero sólo a primera vista. Está lejos del sendero , que tras trepar un montículo , conduce hacía una casa a cuya izquierda , a cierta distancia , puede verse  un pajar . No es necesario saber que la muchacha es Christina Olson , vecina inválida y amiga del matrimonio Wyeth para comprender que la distancia que la separa de su hogar resulta insalvable.

El verdadero interés artístico de la obra radica en la técnica pictórica , en el trazo . Tras numerosos estudios previos Wyeth conjura con absoluta exactitud un paisaje sobre el lienzo que resulta de inmediato comprensible . Con todo, el realismo cambia de inmediato a otro plano en una sutil ,casi imperceptible superrepresentación . Pese a la exactitud de la imagen representada, el autor sabe de sobra que ésta no puede existir como tal. Al plasmar con realismo personas y objetos sienta las bases para el tipo de contemplación que pretende ver esta naturaleza bajo otra luz.

Esta ambigüedad del mundo plácido y contemplativo resuena en la obra de Wyeth plasmada con técnica y habilidad sublimes . La belleza supone para él un escenario tras el que se esconde la realidad . El artista ha sabido retratar las contradicciones de su país- la inexistencia,por ejemplo ,de un idilíco espacio rural como el del cuadro- en extraordinarias imágenes .Quien rehusa sucumbir a su atractivo corre el peligro de renunciar a parte de la realidad.

" En la representación de la casa,

 sus ventanas se convierten casi

 en ojos o partes del alma ,para mi,

 cada ventana representa una parte

de la vida de Christina"

Andrew Wyeth

Mercedes Tamara

18 abril 2012

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

RETRATO DE LA CONDESA MATHIEU DE NOAILLES DE IGNACIO ZULOAGA Y ZABALETA

RETRATO DE LA CONDESA MATHIEU DE NOAILLES  1913

Retrato de la condesa de Mathieu de Noailles
de Ignacio Zuloaga Zabaleta
óleo sobre lienzo 152x195 cm
Museo de Bellas Artes de Bilbao

La princesa Anna-Elisabeth de Brancovan ( 1876-1933 ) parisina de origen greco-romano , contrajo matrimonio en 1897 con el conde Mathieu de Noailles de quien adquirió el nombre y el título nobiliario .



Dedicada a la poesía , la condesa Anna Mathieu de Noailles obtuvo su primer triunfo con Le coeur innombrable en 1901 y llegó a conseguir en el mundo literario francés ,mediante unas obras poéticas muy refinadas en la  que reflejaba fundamentalmente la vida mundana y sus estados de espíritu , el difícil éxito como escritora.

Consolidada como uno de los personajes más interesantes de París de la Belle Époque, la condesa celebró en su casa uno de los " salones literarios " más prestigiosos del momento, donde reunió a buena parte del París intelectual , en el que ya,en 1913 , se encontraba Ignacio Zuloaga . Ese año durante el mes de julio como símbolo de admiración y amistad , el pintor acometió en su estudio el retrato de la poetisa.

Zuloaga, sigue la representación característicos de sus retratos, divide el lienzo en dos planos.La condesa aparece en primer término , reclinada sobre un diván , donde ese año por motivos de salud recibía habitualmente a sus invitados,
interrumpiendo momentáneamente su lectura .


En esta" pose allongée " una fuerte iluminación destaca su presencia , mientras su vestido , compuesto por gasas y tules  rosas-malvas y anaranjados , se encuentra resaltado por el contraste cromático del raso verde del diván. Su busto se erige vigorosamente y está enmarcado por su oscura cabellera , que, junto a sus labios , su mirada y sus rasgos orientales acentúa la sensualidad expresiva e intelectual de la condesa y, con ello,la profundidad psicológica . Sin embargo, la seducción física de su cuerpo ha sido anulada por las sueltas vestiduras " que
Zuloaga estiliza como conviene a su arabesco ".

El segundo plano , realizado a modo de telón de fondo , anula toda la intención de perspectiva . Zuloaga, a diferencia de algunos de sus retratos más característicos, prescinde aquí de todo lo  simbólico y opta por un celaje flanqueado por pesados cortinajes, subrayando así su carácter escenográfico y enalteciendo aún más
a la poetisa. Por último, el pintor dispone sobre una mesa unos libros , que evocan la profesión de la representada , un collar de perlas, distintivo de la pasión y un jarrón de rosas, símbolo del amor. Un pequeño compendio simbólico de la producción artística de la condesa y que es, a su vez, una reintenpretación del tema dela vanitas del barroco español.

Mercedes Tamara

14 abril 2012

                     

Bibliografía . 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic 

                                 Grijalbo

                                 Artehistoria