EL PUERTO DE NOCHE : LAS HERMANAS CASPAR DAVID FIEDRICH

EL PUERTO DE NOCHE LAS HERMANAS 1820

El puerto de noche : Las hermans

óleo sobre lienzo 74 x 62 cm

Museo del Ermitage

En el Romanticismo alemán la arquitectura gótica tenía un valor estético y simbólico muy elevado, y en ocasiones era el perfil de los monumentos góticos el que reemplazaba a la visión de la naturaleza; sus agujas a los árboles, etc. Esta obra, conocida también como 'Puerto de noche: Las dos hermanas

'Es  una de las obras más enigmáticas de Friedrich. Fue expuesta por primera vez en la Academia de Dresde en agosto de 1820, bajo la descripción "Hermanas en la azotea sobre el puerto: Noche - Luz estelar", y motivó una larga serie de comentarios , pero  también se conoce a esta obra como El puerto de la noche . Las hermanas , tal como consta en el catalogo del Museo del Ermitage en el que está expuesta esta obra .

.El tratamiento del cuadro produce en el observador la impresión de un sueño o un recuerdo . Junto al parapeto de un amplio muelle , de espaldas el artista ha situado a las dos hermanas .

Las jóvenes miran al puerto de noche , las torres de la iglesia gótica- estilo preferente del autor alemán- que reflejó en varios lienzos - están muy próximas a los mástiles de los barcos . Las figuras femeninas se sitúan en el centro de la composición, equilibrándola. Ambas han sido identificadas como la propia esposa del artista, Caroline Bommer y su cuñada, esposa de su hermano Heinrich, a quien encontraron en su viaje nupcial a Greifswald en 1818. Junto a ellas se alza una cruz, probablemente de una tumba. Ambas mujeres visten trajes tradicionales alemanes, de falda larga y cuello alto, costumbre, al igual que el traje tradicional masculino, asociada a la protesta política contra la restauración absolutista.

La oscuridad iguala los contornos , pero las torres y los mástiles , que se recortan en un cielo algo más claro , parecen aproximadas de manera irreal al primer plano. El contorno de la cruz introduce un matiz místico más. El cuadro está construido sobre unas verticales muy grandes , procedimiento que enlaza a todos los elementos de la obra , dando a la composición un aire gótico. Es de destacar el buscado efecto de simetría entre las agujas góticas y los mástiles de los veleros, a la misma altura, con su sugerente recuerdo de la Cruz

Mercedes Tamara ( autora )

28-08-2016

Bibliografía : ARTEHISTORIA

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS

La niña vendedora de frutas
óleo sobre lienzo 76 x 61 cm
Museo Puskin , Moscú

Tal vez el Murillo más conocido por el público sea el de las Inmaculadas, pero hay otro Murillo, el de los niños de la calle, el de los pilluelos harapientos y piojosos que se reparten un melón robado, juegan a los dados o comparten almuerzo en aquella Sevilla que se hundía en la miseria, abrumada por los impuestos y la pujante rivalidad de Cádiz, tras la peste del 49.




El interés por los niños es recurrente en su obra y pronto pasa de la anécdota secundaria a ocupar el centro del cuadro, en línea con la evolución del sentimiento católico del Barroco, como atestiguan el Buen Pastor o los Niños de la Concha. En el Niño espulgándose, sin embargo, encontramos el primer tratamiento profano del tema. Se trata todavía de un cuadro de luces crudas, al estilo de Zurbarán, que desprende una sensación de tristeza y abandono.

Más adelante el maestro suaviza esta manera con luces tamizadas por un cielo nuboso, pincelada más amplia y fluida, que le permite un esfumado ensoñador, y gestos de una alegría vital que contrasta con los harapos que visten los niños, lo que lleva a algún crítico a afirmar que son cuadros absurdamente poéticos. Hay no obstante varias justificaciones para ello:


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En el cuadro La niña vendedora de frutas el artista pierde en gran medida la severa rectitud y despiadada  veracidad de sus predecesores , adquiere una mayor suavidad , lirismo, sensibilidad , es de una ligera y seductora idealización. Esta obra pertenece a los años cincuenta y es uno de los géneros preferidos del autor ,. Murillo subraya el carácter popular y la absoluta naturalidad de la imagen.

Los rasgos de este rostro de boca grande son sencillos y poco hermosos , pero iluminados con una alegre sonrisa . Con su inocencia , actitud confiada hacía el espectador la niña campesina suscita en éste un sentimiento de profunda simpatia Las frondosas coronas de los árboles y las ligeras nubes sobre el fondo del cielo, parecen secundar el aire lírico creado por el artista . El tono plateado unifica todos los colores de la rica gama cromática del cuadro creando una impresión etérea en el espacio.

Mercedes Tamara

16-08-2016

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos

EL MEDIODIA DE ARKADI PLÁSTOV

EL MEDIODIA 1961

El mediodia
óleo sobre lienzo 174 x 231 cmMuseo Estatal Ruso 

La vida de Arkadi Plastov estaba escrita mucho antes de su nacimiento y él no pudo renunciar a esto de ninguna forma, cumpliendo inexorablemente con su destino. Plástov recibió su educación en la cultura tradicional rusa y, al ser descendiente de sacerdotes y pintores de iconos, portaba en sus genes la representación sobre la conveniente organización divina del mundo, de la armonía y de la belleza.

El cuadro del Mediodía realizado en 1961 no sólo representa el momento álgido de día , el brillo del sol que se encuentra en su zenit, sino el apogeo de la vida en general , el florecimiento pleno de todas las fuerzas de la vida . La belleza del hombre y la naturaleza se unen en un poderoso acorde que afirma la alegría y la plenitud de la vida .

El murmurar de la fuente y el croar de la rana en la sombra fresca. Junto al pozo, los viajeros cansados, devastados por el calor de mediodía, calman la sed. En la obra, la mujer tiene la sangre caliente y el cuerpo de una campesina sana. El hombre tiene la audacia rusa, y manos abultadas y fuertes que pueden hacerlo todo. La madura belleza de los protagonistas encaja con la alegre naturaleza que bebe de los rayos de sol y del áspero aroma de las hierbas en el florido prado.

El brillante verdor de la hierba con los  resplandores de un amarillo igneo de los colores , los tonos cálidos de los cuerpos morenos con el transparente azul del agua del manantial , el cielo que se refleja en él, dan una gran fuerza artística a la obra, que le confieren una sonoridad festiva y triunfal que supera los límites de lo cotidiano.

En Mediodía, Plastov sigue con la tradición del romanticismo ruso del siglo XIX y abre una idea de fusión armónica entre las personas y la naturaleza. Además, lo hace con la libertad que se somete a una vida material sencilla y cotidiana.

Mercedes Tamara ( autora )

13-08-2016

Bibliografia . Guía de los Grandes Museos 

EL ANGELUS DE JEAN-FRANCOIS MILLET

EL ANGELUS 1859

El Angelus
óleo sobre lienzo 55, 5 x 66 cm
París, Museo de Orsay 

Jean François Millet ( 1814-1875 ) estudió en la École de Beaux-Arts y fue alumno de Paul Delaroche , como Charles François Daubigny . Debutó en el Salón en 1840. La mayoría de las obras de juventud son retratos y escenas mitológicas que recuerdan el estilo de Nicolas Poussin.

Entre 1848 y 1849 , una epidemia de cólera en París le hizo trasladarse a Barbizon , a una casa cercana a la de Théodore Russseau, donde pasó gran parte de su vida , en estrecho contacto con el grupo de paisajistas que pintaban el bosque de Fontainebleau . En 1848 presentó en el Salón El aventador ( Museo de Orsay, Paría)

A partir de este momento se dedicó casi exclusivamente a los temas rurales , en los que reviste los años felices y despreocupados de su infancia en el campo , con sus padres. Sordo a la aprobación de los críticos que rechazaban este tipo de obras , no hizo caso y eligió dedicar sus obras a la vida y al trabajo de los campesinos , que describió con gran implicación humana y emocional . Su obstinación le acabó dando la razón , y poco a poco sus obras se entendieron y revalorizaron en 1867 

En El Angelus Millet rehuye  la polémica y la sátira y prefiere el lirismo y el  ambiente sencillo del campo , con un naturalismo desnudo y esencial  , pero al mismo tiempo muy sugestivos . Las dos figuras de la obra se expresan de forma muy elemental , con un dibujo apenas sugerido y de una dosificación cuidadosa de la luz , y los colores en busca de armonías delicadas y acordes cromáticos íntimos Su naturalismo desnudo y esencial paralelo al realismo de Coubert se expresó a través de formas muy elementales 

La escena se sitúa en el momento de la oración vespertina , al cabo de la dura jornada laboral . La mujer está completamente absorta en la plegaria , con una postura que expresa toda su sencilla devoción . En cambio , el hombre parece menos concentrado y entregado .Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. No en balde, Millet convivió siempre con ellos, sufriendo sus mismas condiciones

Mercedes Tamara ( autora )

6-08-2016

Bibliografia ARTEHISTORIA 

                  Wikipedia 

RETRATO MASCULINO VAN EYCK

RETRATO MASCULINO  1429

Retrato masculino
óleo sobre tabla 19,1 x 13,2 cm
Bucarest, Museo Nacional de Rumania

Este cuadro es tal vez el retrato más antiguo conservado de mano de Van Eyck . A pesar de la presencia ficticia del monograma del pintor alemán Albert Durero y la fecha de 1497, añadido en época no precisada , una serie de análisis técnicos recientes ha permitido devolver con seguridad la obra al artista flamenco. 

La superficie muy dañada , no logra ocultar la la altísima calidad artística ,aún

visible en los detalles anatómicos dela nariz puntiaguda y la oreja, representadas con esmero en todas sus partes , en los ojos, con pestañas trazadas con precisión de miniaturista , en la sombra de la barba , en la posición de las manos , que hacen ademán de girar en el espacio . La izquierda estaría muy probablemente apoyada en el marco ilusionista típico de Van Eyck , También la manera en que la luz cae sobre las irregularidades del rostro y de las manos, definiendo su anatomía , es una característica típica del pintor.

Se desconoce la identidad del personaje , representado de medio busto y de tres cuartos ante un fondo oscuro, según los cánones del retrato flamenco . De la riqueza del atavío , que combina una chaqueta de piel con un  refinado cubrecabezas azul , es posible deducir que se trate de un aristócrata . Van Eyck catacteriza a sus modelos añadiendo un objeto que revela su profesión y rango social , y la presencia del anillo se había llegado a la conclusión que se trataba de un orfebre . Uno estudio reciente que el cuadro tiene que ver con unos esponsales y que el anillo significaba por tanto, en este caso , de un compromiso matrimonial.

Mercedes Tamara

17-07-2016

Bibliografia : Van Eyck, Edit Biblioteca El Mundo 

EL VALEROSO TEMÉRAIRE REMOLCANDO A SU ÚLTIMO FONDEADERO DE WILLIAM TURNER

EL VALEROSO TEMÉRAIRE REMOLCANDO A SU ÚLTIMO FONDEADERO DE WILLIAM  TURNER

El valeroso Teméraire remolcando
a su último fondeadero de W. Turner

óleo sobre lienzo 91 x 122 cm

Londres, National Galllery

El cuadro del Teméraire es una obra grandiosa , no por sus dimensiones por lo demás habituales sino por la concepción heroica de la escena fundada en un esquema compositivo perfecto anto por el equilibrio de las formas como por la organización suntuosa en la elección de los tonos naranjados y el rojo del crepúsculo alusivo al ultimo viaje del imponente velero.




La crítica lo acogió favorablemente incluso por la elección de los colores " En su sorprendente representación Turner ha satisfecho su amor por los colores fuertes y en fuerte contraste con gran gusto y propiedad."






A justificar esta acogida casi unánime contribuyó evidentemente el asunto del Teméraire que era un gran buque de guerra de noventa y ocho cañones que tomaba su nombre de un navío francés que se había distinguido en la batalla de Trafalgar






Turner tras trazar unos bocetos que se han perdido , el artista hizo un retrato solemne ; plasmó el rito fúnebre de una figura " heroica "y transmitió el carácter emotivo imponente de este rito

Mercedes Tamara Lempicka

16 mayo 2012

EL PUENTE DE LOS SUSPIROS, EL PALACIO DUCAL Y LA ADUANA DE VENECIA . CANALETTO PINTANDO J.M TURNER

EL PUENTE DE LOS SUSPIROS, EL PALACIO DUCAL Y LA ADUANA DE VENECIA 1833

El Puente de los Suspiros , el Palacio Ducal y la Aduana de Venecia _ Canaletto pintando
óleo sobre tabla 51 x 62,5 cm
Londres Tate Gallery

Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775 - Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo. 

El cuadro, que se puede considerar uno de los primeros de una larga serie dedicada a la ciudad de las lagunas , fue ejecutado por Turner antes de su estancia veneciana en agosto de 1833, Fue expuesto en la Royal Academy .

La obra es un evidente homenaje a Canaletto , como Roma desde el Vaticano era un homenaje a Rafael, pero  a diferencia de ésta no contiene elemntos anacrónicos , como la columnata de Bernini, la escena, fielmente topográfica ,describe los edificios , en sombra los de la izquierda, con las embarcaciones meciéndose en el agua , bañados de luz los que se alzan al frente. La pequeña figura de Canaletto , en primer plano a la izquierda, vestido a lo oriental está pintando un tela sobre un caballete y lleva un fastuoso marco barroco . Toda la escena está invadida por la sensación de suspensión; sólo la góndola negra de la derecha , que surca el agua en diagonal , se mueve velozmente conducida por un gondolero , cuyo jubón rojo hace de contrapunto cromático a la proa de las embarcaciones de la izquierda y el traje rojo del artista.

Mercedes Tamara

19-06-2016

Bibliografía _ Wikipedia.

                    

JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS DIEGO DE VELÁZQUEZ

JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS 1635-1636

Juan Martínez Montañés
óleo sobre lienzo 109 x 107 cm
Madrid Museo Nacional del Prado 

La identidad del protagonista de este hermoso retrato y por tanto la fecha siguen siendo discutidas , mientras que su autenticidad ha sido ya aprobada . La opinión dominante es que se trata de Juan Martínez Montañés , amigo de Francisco Pacheco .

Montañés nació en Alcalá la Real el 16 de marzo de 1558 y murió en Sevilla , su patria de adopción , el 18 de junio de 1649. La época más importante de su carrera corresponde a 1605-1620 , época de su famoso Cristo de la Clemencia de la sacristía de la catedral sevillana y de la Inmaculada de la iglesia parroquial de El Pedroso.

La escultura sevillana que se adelanta en su apogeo a la pintura, influyó notablemente en los pintores de la generación de Velázquez y en éste mismo durante su período sevillano ( Inmaculada ,1618 ,Londres National Gallery ) .

Retrata al escultor probablemente mientras éste observa a su augusto modelo , Felipe IV, en una actitud similar al del propio Velázquez en las Meninas , con el instrumento de su oficio ( pincel para el pintor, palillo de modelar para el escultor ) levantando en el aire , no sobre la obra , como para indicar que la actuación artística depende del disegno interno ,que lo coloca a un nivel superior con respecto al arte mecánico , accediendo así, por el contrario, al mundo del Arte.

Destaca el rostro noble penetrante , con la luz sobre el cuello blanco del traje negro , realizado de tal manera que cada palmo de tela se anime con el justo reflejo , con la maestría típica del retratista . Un fondo , más oscuro, alrededor de la cabeza del escultor, más claro junto a su obra , nos proporciona una concentración de efectos . en los ojos que analizan , en la frente que piensa , en la mano pronta a obedecer a la mente del artista-

Mercedes Tamara

29-10-2015

Bibliografia : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo

DOS MUJERES Y UN HOMBRE FRANCISCO DE GOYA

DOS MUJERES Y UN HOMBRE 1820-23

Dos mujeres y un hombre
técnica mixta, pintura mural al óleo ,
trasladada a lienzo 135 x 61,5 cm
Madrid , Museo Nacional del Prado

En febrero de 1819, Goya adquirió a las afueras de Madrid una casa de campo , situada en las cercanías del puente de Segovia , a orillas del río Manzanares . Allí recibía Goya a su familia y amigos y vivía acompañado de Leocadia Zorilla . Durante los años que residió en la quinta alejado de la corte y libre de las restricciones de los trabajos de encargo . Goya se expresó de forma independiente pintando al óleo sobre los muros de las dos salas rectangulares de las plantas baja y alta de su casa . Este conjunto es lo que se conoce como Pinturas negras.

Entre las escenas que decoraban la primera planta de la Quinta del Sordo , se encontraba la composición conocida por Dos mujeres y un hombre . Al contrario de Las Parcas , que vuelan sobre un  amplio paisaje en una composición que ocupaban los muros largos de la sala . Goya situó estos tres personajes en un espacio oscuro , angustioso e indefinido , el cual se repite en las Pinturas negras de los muros estrechos de las dos plantas de su casa.

Una muchacha, situada en segundo plano y que se destaca del fondo por un mantón claro , se asoma hacía adelante para divertirse a costa de un pobre hombre que, vestido con un camisón blanco , se tapa las piernas con una manta. Una segunda moza , de perfil y en primer plano, mira con asombro las facciones grotescas de ese hombre que con la boca abierta parece gesticular obscenamente.

Angulo pensó que ese hombre estaba realizando un acto de onanismo y lo relacionó con el mito de Vulcano , cuyo semen, rechazado por Minerva, cayó sobre Gea ( la Tierra ) , fecundándola de un ser mitad hombre mitad reptil. .

El tema del onanismo aparece ya en la hoja 86 del Album de Madrid , que fue realizado en la década de los noventa. Allí podemos ver a un trío entretenido en un acto erótico claramente onanista . Es curioso que el protagonista del siguiente dibujo de ese álbum sea un sacerdote lúbrico , al que Goya pregunta Buen sacerdote ¿ donde se ha celebrado ? y, que ese dibujo sirviese como base para un Capricho en el que la expresión un tanto obscena del protagonista , que también viste camisón blanco , es muy parecida al hombre de esta pintura

Mercedes Tamara

6-08-2015

Bibliografia: Goya, La imagen de la mujer 

LA INFANTA MARÍA JOSEFA FRANCISCO DE GOYA

 LA INFANTA MARÍA JOSEFA 1800

La infanta María Josefa
óleo sobre lienzo 74 x 19 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

Doña María Josefa de Borbón nació en Geta en 1744 y murió soltera en 1802 . Había pasado inadvertida en la historia si no hubiera sido la hermana del rey Carlos IV e hija de Carlos III y María Amalia de Sajonia . Su mirad atenta , denota su preocupación por el resultado del retrato . Luce en su tocado una gran pluma de avestruz , unos pendientes grandes y pesados y remata su aderezo con un lunar postizo y los labios pintados de rojo.


Goya trató de forma satírica el tema de la vejez de la mujer a lo largo de toda su obra . Cuando pintaba a una mujer mayor de la alta sociedad, como esta infanta , a menudo ridiculizaba su vanidad . Seguramente por ello retrata a María Josefa de Borbón con un lunar postizo grande y negro, aunque sabía que ya no estaba de moda . Tampoco disimula que sus labios finos están hundidos por la falta de dientes . La infanta recuerda a la anciana vanidosa del Capricho 55,o las viejas de El Tiempo donde las protagonistas intentan disimular su vejez con joyas y maquillaje en abundancia y no se dan cuenta de la presencia de Cronos, dios del Tiempo, que está a punto de borrar a una de ellas.

Goya ejecutó este boceto sobre una preparación de tono anaranjado , y nos presenta a la infanta con la banda de la orden de la reína María Luisa cerrando su busto por la parte baja . El pincel, cargado con poca pintura , describe perfectamente las diferentes texturas . Así, utiliza largas pinceladas en las plumas de su tocado o, para el característico brillo de las joyas , breves toques de pintura y, ya, con más definición. Goya describe la más importante del retrato : la faz de la infanta . Ésta aparece sobre la imprimación anaranjada del lienzo , con una tonalidad cálida que Goya matiza por medio de la blancura de la frente y unos toques sobre la nariz. La vestimenta y la banda quedan indicadas de forma esquemática y recorta el busto sobre un fondo negro, que se corresponde con la sombra que tiene la infanta detrás en el retrato final. 

Mercedes Tamara

22-07-2015