EL AFILADOR FRANCISCO DE GOYA

EL AFILADOR 1808-1812

El afilador
óleo sobre lienzo 68 x 50
Museo de Bellas Artes de Budapest 

Esta pintura del Museo de Bellas Artes de Budapest pertenece a la época en que Goya realizó las " pinturas negras " . Los rasgos del rudo afilador han sido descritos a base de pinceladas abruptas y efectistas , de modo que si se observa con detenimiento el lienzo, se advierte la forma de concreción de la forma, sugerida ésta por medio de toques de iluminación violenta.

La técnica es de una total espontaneidad descuidada y económica Al observar la ejecución de la camisa que viste el personaje se constata la ferocidad con que Goya empastó el color y la escasa ilación del toque, gracias a la cual los contornos de la figura se funden con ciertas zonas de la atmósfera que los circunda.





Goya nos lo presenta sin ninguna idealización, en mangas de camisa y con el pecho descubierto.Curvado sobre su carretilla ,el afilador se nos presenta como aislado del mundo , sobre un fondo de tonos pardos animado por sombras y transparencias sugerente  Se inclina ante la rueda de afilar, transportada en una especie de carretilla que incluye un pequeño depósito de agua para enfriar la piedra. Levanta la vista de su trabajo para observar al espectador, con una mirada cómplice. No existe ninguna sugerencia espacial pero la figura adquiere grandeza gracias a su gesto y a su trabajo. De esta manera se anticipa Goya al Realismo que se desarrolla en Francia a mediados del siglo XIX, exaltando la labor de los trabajadores. 

Mercedes Tamara

29-09-2016

Bibliografia:  ARTEHISTORIA 

LA MARQUESA DE PONTEJOS FRANCISCO DE GOYA

LA MARQUESA DE PONTEJOS 

La marquesa de Pontejos
óleo sobre lienzo 211 x 126 cm
Galeria Nacional de Washington

La influencia del retrato inglés - especialmente de Gainsborough - va a marcar buena parte de la obra de Goya, siempre abierto a recibir nuevos aires creativos. La situación de las figuras al aire libre fue lo que más llamó la atención al aragonés de los retratos británicos.Mariana de Pontejos nació en 1762 y se casó en 1786 con el hermano del Conde de Floridablanca. Se considera la fecha de su boda como aceptable para situar la de estel retrato. 


Aparece en un jardín, vestida con un elegante traje en tonos grises adornado en la sobrefalda con cintas blancas, flores rosas y una cinta en la cintura del mismo color. Se toca con un sombrero de color crema y calza chapines de tacón. 

Asi vestida parece una modelo de alta pasarela del siglo XVIII. Goya muestra especial atención por los detalles que adornan el precioso traje y por la sensación de gasa de la sobrefalda. El paisaje otorga frescura y perspectiva al conjunto, mientras el perro en escorzo del primer plano simboliza la fidelidad. Los tonos grises, rosas, verdes y blancos empleados crean una gama cromática perfecta, otorgando mayor elegancia a la aristócrata. Con este tipo de retratos Goya triunfará en los círculos cortesanos madrileños.

Mercedes Tamara

23-09-2016

Bibliografia : Goya Edit Biblioteca El Mundo

ANGÉLICA ENCADENADA JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

ANGÉLICA ENCADENADA

Angélica encadenada
óleo sobre lienzo 97 x75 cm
Museo Sao Paulo 

El academicismo francés tiene a Jean Auguste Dominique Ingres como uno de los máximos representantes de este estilo. Hombre de extracción burguesa , su pintura retorna una y otra vez en el transcurso de su vida al tema del desnudo femenino , en ocasiones revestido de exotismo oriental o, como en el caso de Angélica encadenada, de connotaciones literarias




La heroína de la obra de Ariosto aparece también en otro cuadro de Ingres que posee el Museo del Louvre , cuya composición introduce además a la figura de Ruggero .




El del museo paulista presenta a la joven , con ambas manos unidas por una gruesa argolla de hierro , junto a un escualo de feroz aspecto. Pero el tema no es más que un pretexto para que el pintor se enfrasque en la obtención de unas calidades mórbidas en el desnudo femenino , por medio de un claroscuro difuminado y virtuoso .




El aspecto convincente del estudio anatómico queda anulado, sin embargo, por la insipidez del contenido y la vaciedad de la expresión en el rostro de la figura : a pesar del esfuerzo compositivo , el cuadro revela una falta de imaginación que es endémica en la producción de Ingres , autor al que hay que contemplar como extraordinario dibujante e innovador de las fórmulas del realismo clasicista

Mercedes Tamara

17-09-2016

Bibliografia Wikipedia

LA AGUADORA FRANCISCO DE GOYA

LA AGUADORA

La aguadora

óleo sobre lienzo 69 x 50 cm

Museo Nacional de Artes de Budapest

Este tipo de pintura La aguadora y El afilador (otro cuadro de similares características), supuso una revolución en la temática del momento puesto que aparece el pueblo como principal y único personaje.

Podría considerarse la antesala del realismo del s XIX. Algunos estudiosos de la obra de Goya piensan que el artista con este cuadro quiso hacer un elogio al comportamiento de las mujeres durante la Guerra de la Independencia, que salían como aguadoras hasta las líneas de fuego para suministrar agua, vino y aguardiente a los soldados, llegando a colaborar de forma activa en la batalla. Esta obra se encontró en la casa de Goya, lo que supone un ejemplo más de las obras que Goya no pintaba por encargo sino por gusto.

Las aguadoras tuvieron un importante papel durante los sitios de las ciudades en la Guerra de la Independencia, llevando agua fresca y animando a los hombres del frente. Goya ha presentado a esta joven en una postura muy clásica, portando una pequeña cesta en su mano derecha y el cántaro en la izquierda, apoyándolo en la cintura.




Goya nos presenta a una joven aguadora con sus utensilios, el cántaro y la cesta con vasos, más que vendiendo agua parece que esta posando para el autor. Mira con cierto desplante al espectador, actitud que se acentúa por hacerlo desde arriba, pues Goya utiliza un punto de vista bajo, reforzado por el vuelo de la falda.




Vestida popularmente, mira al espectador para implicarnos en su patriótica labor con una sonrisa en el rostro, orgullosa de su actividad. Las telas del vestido apenas están sugeridas, dejando de lado los detalles al aplicar el color de manera rápida y contundente. Un potente foco de luz resbala por la figura, haciéndola más escultórica y atractiva a la vez. Junto al Afilador, Goya ejecutó una pareja anónima que se distingue por su heroísmo y por su anticipación al Realismo decimonónico.


                                                                      Mercedes Tamara
                                                                              14-09-2016


Bibliografía : ARTEHISTORIA

DAMA EN AZUL KONSTANTIN SOMOV

DAMA EN AZUL

Dama en azul
óleo sobre lienzo 103 x 103 cm
Galeria Tetriakov, Moscú

Konstatin Somov integraba la asociación artística " Mundo del Arte " que se formó a finales de 1890 alrededor de la revista homónima y contrapuso sus ideales al academicismo y a las tendencias naturalistas en la época tardía de los ambulantes.

Somov fue uno de los exponentes más sutiles del grupo con sus cuadros históricos , de género y retratos . Su Dama en azul no sólo es un retrato psicológico penetrante de la pintora Elizabeta Martínova , sino que es asimismo , la imagen típica, dtramática por su filosofía , de la mujer contemporánea que expresa la amargura poética de la concepción del mundo de Somov.

La belleza espiritual de la joven y frágil mujer con un vestido de tipo antiguo , que se ha refugiado con un libro en el parque, está minada por una enfermiza y agobiante soledad, por la insatisfacción de la vida . 

Estas notas , son particularmente perceptibles , ya que Somov estiliza, con los métodos más modernos , su tema preferido y el clima de los retratos del siglo XVIII, donde se reflejó idílicamente la armonía del hombre con la naturaleza . El pintor revaloriza la esencia de este viejo idilio , revela de desacuerdo espiritual del hombre consigo mismo y con el mundo. Los suaves tonos del cielo y del atardecer introducen unas entonaciones angustiosas.

Mefcedes Tamara

7-09-2016

Bibliografia Guía de los Grandes Museos, Edit Planeta 

EL AMOR SACRO Y EL AMOR PROFANO TIZIANO

EL AMOR SACRO Y EL AMOR PROFANO 1515

El amor sacro y el amor profano

óleo sobre lienzo 118 x 279 cm

Galleria Borghese, Roma

El título de esta obra proviene del siglo XVII Parece ser que el artista quiso reflejar en este lienzo una concepción neoplatónica sobre las dos naturalezas de amor , complementarias ambas, en este caso unidas por Cupido , que mueve hacía ambas el sarcófago -fuente , y por el propio parecido físico de las dos mujeres . se cree que hubo una única modelo , Violante, un amor juvenil del pintor -y sus ideas contrapuestas como sugiere el título .

La paleta del artista vuelca sobre las sensuales jóvenes y sus ropajes una fuerte iluminación , pero es discreta en el aporte cromático , que se reduce, en el primer plano central, a tonos rosas , rojos, blancos y dorados. El paisaje está integrado en la escena, y su pálido colorido insinúa el comienzo del crepúsculo. .

Toda la obra ofrece ideas y detalles en apariencia contradictorios, que obligan a afinar la inteligencia para desentrañar la intención de Tiziano. Cabe recordar que para el neoplatonismo y los artistas del Renacimiento , la desnudez femenina era símbolo de la virtud e idealismo.

Si se atiende al título de la obra , parece que Tiziano nos quiere mostrar , a través de la joven atavíada con sus mejores galas y llevando una vasija de aceite en la mano , el rechazo de las realidades terrenales perecederas y la adhesión a lo espiritual y eterno. Todos estos contrastes se acentúan con la actitud reservada y digna de una y la vitalidad exuberante de la otra . A pesar de todo, no hay lucha , sino una tendencia a la unidad dada por el gesto de Cupido , el elemente de enlace , el enlace, el sarcófago -fuente, ya mencionado , y por la mirada que la joven desnuda dirige a su compañera.

El sarcófago- fuente continúa el juego de contrastes dado , en primer lugar ; por este mismo elemento sobre el que se sientan las dos jóvenes . Un objeto reservado a guardar restos mortales se transforma en un depositario de la vida , representada por el agua . Su decoración persevera en esta línea : algunas figuras de pie y otras en el suelo , y caballos y personajes que simbolizan la libertad , mientras que la esclavitud se ejemplifica en el castigo que un hombre inflige a  otro.

El paisaje también participa de este movimiento doble . La masa arbórea que está detrás del pequeño dios oficia el enlace entre una ciudad fortificada , sombría y casí vacía , a la izquierda del cuadro , y una escena campestre , más luminosa y vital , con un pueblo abierto - con su iglesia , sus jinetes, sus pastores y un rebaño a la derecha .

Todo el cuadro guarda una simetría dialéctica, interactuante , tanto en los elementos de la composición , como entre la misma pintura y el espectador .

Mercedes Tamara

4-09-2016

Bibliografía : Tiziano Edit Biblioteca El Mundo

                    Wikipedia

EL PUERTO DE NOCHE : LAS HERMANAS CASPAR DAVID FIEDRICH

EL PUERTO DE NOCHE LAS HERMANAS 1820

El puerto de noche : Las hermans

óleo sobre lienzo 74 x 62 cm

Museo del Ermitage

En el Romanticismo alemán la arquitectura gótica tenía un valor estético y simbólico muy elevado, y en ocasiones era el perfil de los monumentos góticos el que reemplazaba a la visión de la naturaleza; sus agujas a los árboles, etc. Esta obra, conocida también como 'Puerto de noche: Las dos hermanas

'Es  una de las obras más enigmáticas de Friedrich. Fue expuesta por primera vez en la Academia de Dresde en agosto de 1820, bajo la descripción "Hermanas en la azotea sobre el puerto: Noche - Luz estelar", y motivó una larga serie de comentarios , pero  también se conoce a esta obra como El puerto de la noche . Las hermanas , tal como consta en el catalogo del Museo del Ermitage en el que está expuesta esta obra .

.El tratamiento del cuadro produce en el observador la impresión de un sueño o un recuerdo . Junto al parapeto de un amplio muelle , de espaldas el artista ha situado a las dos hermanas .

Las jóvenes miran al puerto de noche , las torres de la iglesia gótica- estilo preferente del autor alemán- que reflejó en varios lienzos - están muy próximas a los mástiles de los barcos . Las figuras femeninas se sitúan en el centro de la composición, equilibrándola. Ambas han sido identificadas como la propia esposa del artista, Caroline Bommer y su cuñada, esposa de su hermano Heinrich, a quien encontraron en su viaje nupcial a Greifswald en 1818. Junto a ellas se alza una cruz, probablemente de una tumba. Ambas mujeres visten trajes tradicionales alemanes, de falda larga y cuello alto, costumbre, al igual que el traje tradicional masculino, asociada a la protesta política contra la restauración absolutista.

La oscuridad iguala los contornos , pero las torres y los mástiles , que se recortan en un cielo algo más claro , parecen aproximadas de manera irreal al primer plano. El contorno de la cruz introduce un matiz místico más. El cuadro está construido sobre unas verticales muy grandes , procedimiento que enlaza a todos los elementos de la obra , dando a la composición un aire gótico. Es de destacar el buscado efecto de simetría entre las agujas góticas y los mástiles de los veleros, a la misma altura, con su sugerente recuerdo de la Cruz

Mercedes Tamara ( autora )

28-08-2016

Bibliografía : ARTEHISTORIA

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

LA NIÑA VENDEDORA DE FRUTAS

La niña vendedora de frutas
óleo sobre lienzo 76 x 61 cm
Museo Puskin , Moscú

Tal vez el Murillo más conocido por el público sea el de las Inmaculadas, pero hay otro Murillo, el de los niños de la calle, el de los pilluelos harapientos y piojosos que se reparten un melón robado, juegan a los dados o comparten almuerzo en aquella Sevilla que se hundía en la miseria, abrumada por los impuestos y la pujante rivalidad de Cádiz, tras la peste del 49.




El interés por los niños es recurrente en su obra y pronto pasa de la anécdota secundaria a ocupar el centro del cuadro, en línea con la evolución del sentimiento católico del Barroco, como atestiguan el Buen Pastor o los Niños de la Concha. En el Niño espulgándose, sin embargo, encontramos el primer tratamiento profano del tema. Se trata todavía de un cuadro de luces crudas, al estilo de Zurbarán, que desprende una sensación de tristeza y abandono.

Más adelante el maestro suaviza esta manera con luces tamizadas por un cielo nuboso, pincelada más amplia y fluida, que le permite un esfumado ensoñador, y gestos de una alegría vital que contrasta con los harapos que visten los niños, lo que lleva a algún crítico a afirmar que son cuadros absurdamente poéticos. Hay no obstante varias justificaciones para ello:


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En el cuadro La niña vendedora de frutas el artista pierde en gran medida la severa rectitud y despiadada  veracidad de sus predecesores , adquiere una mayor suavidad , lirismo, sensibilidad , es de una ligera y seductora idealización. Esta obra pertenece a los años cincuenta y es uno de los géneros preferidos del autor ,. Murillo subraya el carácter popular y la absoluta naturalidad de la imagen.

Los rasgos de este rostro de boca grande son sencillos y poco hermosos , pero iluminados con una alegre sonrisa . Con su inocencia , actitud confiada hacía el espectador la niña campesina suscita en éste un sentimiento de profunda simpatia Las frondosas coronas de los árboles y las ligeras nubes sobre el fondo del cielo, parecen secundar el aire lírico creado por el artista . El tono plateado unifica todos los colores de la rica gama cromática del cuadro creando una impresión etérea en el espacio.

Mercedes Tamara

16-08-2016

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos

EL MEDIODIA DE ARKADI PLÁSTOV

EL MEDIODIA 1961

El mediodia
óleo sobre lienzo 174 x 231 cmMuseo Estatal Ruso 

La vida de Arkadi Plastov estaba escrita mucho antes de su nacimiento y él no pudo renunciar a esto de ninguna forma, cumpliendo inexorablemente con su destino. Plástov recibió su educación en la cultura tradicional rusa y, al ser descendiente de sacerdotes y pintores de iconos, portaba en sus genes la representación sobre la conveniente organización divina del mundo, de la armonía y de la belleza.

El cuadro del Mediodía realizado en 1961 no sólo representa el momento álgido de día , el brillo del sol que se encuentra en su zenit, sino el apogeo de la vida en general , el florecimiento pleno de todas las fuerzas de la vida . La belleza del hombre y la naturaleza se unen en un poderoso acorde que afirma la alegría y la plenitud de la vida .

El murmurar de la fuente y el croar de la rana en la sombra fresca. Junto al pozo, los viajeros cansados, devastados por el calor de mediodía, calman la sed. En la obra, la mujer tiene la sangre caliente y el cuerpo de una campesina sana. El hombre tiene la audacia rusa, y manos abultadas y fuertes que pueden hacerlo todo. La madura belleza de los protagonistas encaja con la alegre naturaleza que bebe de los rayos de sol y del áspero aroma de las hierbas en el florido prado.

El brillante verdor de la hierba con los  resplandores de un amarillo igneo de los colores , los tonos cálidos de los cuerpos morenos con el transparente azul del agua del manantial , el cielo que se refleja en él, dan una gran fuerza artística a la obra, que le confieren una sonoridad festiva y triunfal que supera los límites de lo cotidiano.

En Mediodía, Plastov sigue con la tradición del romanticismo ruso del siglo XIX y abre una idea de fusión armónica entre las personas y la naturaleza. Además, lo hace con la libertad que se somete a una vida material sencilla y cotidiana.

Mercedes Tamara ( autora )

13-08-2016

Bibliografia . Guía de los Grandes Museos 

EL ANGELUS DE JEAN-FRANCOIS MILLET

EL ANGELUS 1859

El Angelus
óleo sobre lienzo 55, 5 x 66 cm
París, Museo de Orsay 

Jean François Millet ( 1814-1875 ) estudió en la École de Beaux-Arts y fue alumno de Paul Delaroche , como Charles François Daubigny . Debutó en el Salón en 1840. La mayoría de las obras de juventud son retratos y escenas mitológicas que recuerdan el estilo de Nicolas Poussin.

Entre 1848 y 1849 , una epidemia de cólera en París le hizo trasladarse a Barbizon , a una casa cercana a la de Théodore Russseau, donde pasó gran parte de su vida , en estrecho contacto con el grupo de paisajistas que pintaban el bosque de Fontainebleau . En 1848 presentó en el Salón El aventador ( Museo de Orsay, Paría)

A partir de este momento se dedicó casi exclusivamente a los temas rurales , en los que reviste los años felices y despreocupados de su infancia en el campo , con sus padres. Sordo a la aprobación de los críticos que rechazaban este tipo de obras , no hizo caso y eligió dedicar sus obras a la vida y al trabajo de los campesinos , que describió con gran implicación humana y emocional . Su obstinación le acabó dando la razón , y poco a poco sus obras se entendieron y revalorizaron en 1867 

En El Angelus Millet rehuye  la polémica y la sátira y prefiere el lirismo y el  ambiente sencillo del campo , con un naturalismo desnudo y esencial  , pero al mismo tiempo muy sugestivos . Las dos figuras de la obra se expresan de forma muy elemental , con un dibujo apenas sugerido y de una dosificación cuidadosa de la luz , y los colores en busca de armonías delicadas y acordes cromáticos íntimos Su naturalismo desnudo y esencial paralelo al realismo de Coubert se expresó a través de formas muy elementales 

La escena se sitúa en el momento de la oración vespertina , al cabo de la dura jornada laboral . La mujer está completamente absorta en la plegaria , con una postura que expresa toda su sencilla devoción . En cambio , el hombre parece menos concentrado y entregado .Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. No en balde, Millet convivió siempre con ellos, sufriendo sus mismas condiciones

Mercedes Tamara ( autora )

6-08-2016

Bibliografia ARTEHISTORIA 

                  Wikipedia