jueves, 8 de noviembre de 2012

LA RONDA DE NOCHE REMBRANDT


LA RONDA DE NOCHE 1642
La Ronda de Noche
óleo sobre lienzo 363 x 437 cm
Amsterdam, Rilkmuseum


Los padres de Rembrandt, molinero e hija de panadero respectivamente , querían que su hijo llegará a ser erudito, pero sólo permaneció un año en la universidad. De 1622 a 1624 fue discípulo del pintor romanista , Jacob van Swanenburg , pero su verdadero maestro fue Lastman, en cuyo taller de Amsterdam trabajó sólo medio año, pero fue tiempo suficiente para que su pintura se influyera de forma decisiva . En 1625 se independizó en Leiden junto a su amigo Jan Lieverns y hacía 1631/32 se instaló finalmente en Amsterdam . En seguida alcanzó un gran prestigio , poseía un importante taller y recibía numerosos encargos .En 1664 se casó con Saskia , hija de un jurista, quien llevó al matrimonio una considerable fortuna, de modo que ambos pudieron vivir en la opulencia.



En 1639 compró una casa que nunca acabó de pagar y que llenó de pinturas y antigüedades, accesorios y objetos curiosos . Su afán de consumo y su pasión de coleccionista pronto le hicieron sobrepasar sus posibilidades financieras . En 1642 , el año de La ronda de noche fallece Saskia y a partir de 1649 Rembrandt convive con la sirvienta con la que nunca se  casó para no perder la fortuna que Saskia había destinado a su hijo Titus . En 1656 ha de declararse en quiebra y todas sus posesiones son subastadas . Rembrandth , pobre y abandonado , pasó los últimos años de su vida en la periferia del barrio judío de Amsterdam, sin que por ello disminuyera su poder creativo . Rembrandt fue el artista más universal de su época y durante medio siglo marcó la evolución de su pintura en escuelas y ciudades.


El cuadro más famoso y comentado de Rembrandt recibió a comienzos del siglo XIX el erróneo título de La Ronda de noche , nombre elegido por la luz atenuada y que ha llevado a buscar en esta obra todo tipo tipo de secretos escondidos .Por el contrario , en el libro de historia familiar del capitán Banningh Cocq , que se conserva todavía hoy , se puede  leer la escueta descripción del contenido : " Croquis que cuelga en la gran sala de la  Cleveniers Doelen   ( corporación de los arcabuceros )  de Amsterdam ,en donde el joven señor de Purmelandt, capitán de la compañía, ordena a su teniente , el señor Vlaerdendigen, que haga formar la compañía de guardias cívicos " .


Se trata , pues, de un doelenluhk , un " retrato colectivo " , en el que se reconocen- en el  primer plano - al capitán de uniforme oscuro y al teniente de uniforme amarillo . Lo que distingue el lienzo de Rembrandt de otros retratos equiparables es que emplea el claroscuro como medio de escenificación dramática.Sin embargo, las interpretaciones que intentan reconstruir una actividad coherente olvidan que la escena se compone de " tipos individuales " : el tercero con el casco vuelve a aparecer en Alejandro Magno ( 1655, Glasdow, Art  Gallery ), en La Ronda de noche encontramos también el Hombre del casco de oro ( Berlin, Gemáldegalerie ; últimamente se niega que esta obra sea de Rembrandt ).

También se  encuentra toda una serie de actitudes y poses, sacados de este repertorio del que Rembrandth btenía sus modelos para representarlos dignamente en sus cuadros. En el retrato holandés,la figura humana está siempre ligada a una cierta solemnidad . Pero que mientras que un  nquete de Frans Hals, por ejemplo, reúne a los diferentes participantes con cierta homogeneidad , Rembrandth rompe el agrupamiento ; los tipos y las figuras cobran autonomía en sus propias acciones ; cada una de ellas representa por si mismo su propio  papel.

Mercedes Tamara 
8-11-2012

Bibliografía : Rembrandt " Pintor de historias " edic El Viso

lunes, 5 de noviembre de 2012

LA VENDEDORA DE CAMARONES WILLIAM HOGARTH

LA VENDEDORA DE CAMARONES  1740-1745
La vendedora de camarones
óleo sobre lienzo 63,5x 52,5 cm
Londres, The National Gallery 



Hogarth , hijo de un maestro de escuela , entró en 1712 en el taller de un orfebre y grabador, que despertó su interés por el grabado en cobre. Continuó sus estudios en la Vanderbank´s  Academy de St. Martins´Larre y en la escuela de pintura de Thormhill, pintor de la corte con cuya hija se casaría en 1729 y cuya obra despertaría su ambición de convertirse en pintor de cuadros históricos .

 Esta ambición que mantuvo toda su vida , no se vio nunca coronada por  el éxito    ( Segismundo  Tate Gallery 1759)  mientras que sus grabados ( La carrera de la  prostituta, 1732, La carrera del libertino 1735 y Matrimonio de moda 1742-1744 ) fueron  rápidamente apreciados y celebrados de modo que Hogarth tuvo que protegerse jurídicamente contra los plagios . Su obra religiosa ( Triptico de la Ascensión, St Mary Redclidffe, Bristol 1756 ) ha sido injustamente calificada de torpe y distante . Su carácter polifacético se revela también en originales tratados teóricos , como el antiacadémico Análisis de la belleza publicado en 1753, así como en el estilo personal de sus retratos ( El capitán Thomas Coram, Londres, Founding Hospital , 1740 ) que a la muerte de Thornhill se encargó de la dirección de su escuela, no tuvo sucesores directos. pero su obra sentaría las bases de una tradición pictórica inglesa ,sobre todo en el dominio del retrato.




Retrato de los niños Graham, 1742







Originariamente, Hogarth quiso ser un pintor de historia , pero ni sus contemporáneos ni sus sucesores mostraron especial interés por esas ambiciones . Lo que buscaban era el Hogarth del " mundo al revés " el Hogarth de la sátira moralizante . Y se interesaban por el retratista .  capacidad de caracterización , de descubrir lo único en lo típico , su inclinación a extraer  aspectos históricos fuera del contexto propiamente histórico para conseguir ejemplos irónicos de la naturaleza humana , hicieran que estuviera considerado como el pintor de la vida privada, de los aspectos ocultos u olvidados ...y que lo siga estando. 






En la composición Vendedora de camarones un estudio al óleo , se pone de manifiesto el talento de Hogarth . El pintor consigue reproducir lo observado con espontaneidad correspondiente a la primera expresión El frescor de la experiencia no se transforma, sino que es idéntico con los medios pictóricos. 








Mercedes Tamara 
5 -11-2012 



Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume



jueves, 25 de octubre de 2012

MUCHACHA CON FLAUTA VERMEER

MUCHACHA CON FLAUTA 1663-1670
Muchacha con flauta
óleo sobre tabla 29x 12,8 cm
Washington , National Gallery 







Como la Muchacha con sombrero rojo , que casi podría parecer su pendant, este cuadro es muy discutido . Las noticias relativas a su paso por diversas colecciones no se remontan más allá del siglo XIX y una referencia a las tronien enumeradas en la colección Vermeer y en la Dissius no pueden formularse sino a modo de hipótesis.



La mirada de la joven representada en este cuadro y la presencia del cubrecabezas exótico, el tapiz en el fondo y la silla son prótomos leoninos recuerdan inmediatamente la Muchacha con sombrero rojo. En ambos casos , el autor utilizó un soporte de madera , sobre el cual pintó con toques tan libres que hacen pensar en una falsificación decimonónica ; se ha  demostrado, no obstante , que este estilo puede ser considerado como un desarrollo extremo de algunas tendencias connaturales al arte de Vermeer . En la Muchacha con  flauta se observa sin embargo una técnica un tanto grosera que difícilmente se puede


atribuir al maestro . Se registra alguna notable inseguridad también en lo tocante a la fecha que la crítica sitúa entre 1663 y 1670.  Los análisis efectuados en el cuadro con el auxilio de instrumentos tecnológicos han  proporcionado datos interesantes: la madera de la tabla es antigua y algunos pigmentos  utilizados corresponden a los preferidos de Vermeer . Se ha revelado también la presencia de importantes modificaciones tras la primera fase del boceto, en la capa de color de esta primera versión se han hallado desconchados , que podrían explicarse , entre otras cosas  porque hubiese pasado mucho tiempo entre ese estadio y el siguiente. Por ello, se ha supuesto que Vermeer al morir hubiese dejado la obra sin acabar y la hubiesen terminado otros.
Mercedes Tamara

25 -10-2012 

Bibliografía : Vermeer, Edit Biblioteca El Mundo







miércoles, 24 de octubre de 2012

MUCHACHO MORDIDO POR UN LAGARTO CARAVAGGIO



MUCHACHO MORDIDO POR UN LAGARTO 
 ( 1595-1596 )

Muchacho mordido por un lagarto
óleo sobre lienzo 66x 49,5 cm
Londres, National Gallery



En 1.617 observaba Giovani Bglionie " Parecía que aquella cabeza giraba de verdad ". Y aún hoy, ese muchacho ,mordido en la punta del dedo por el lagarto que sale del bodegón , del primer plano, " grita " en actitud descontrolada y sorprendido en su reacción . El movimento repentino del muchacho , casi con toda seguridad estudiado del natural , parece ser un pretexto para profundizar en el estudio de la expresión , tal vez tiene su origen en la importancia de la representación de los movimientos del alma, una instancia avanzada por Leonardo y sin duda conocida de Caravaggio,desd e los tiempos de su formación milanesa con Simone Peterzano.

Si ese aspecto puede derivarse de la cultura lombarda del artista , la naturaleza muerta del primer plano presenta " un jarro de agua y de vidrio y con los reflejos de la ventana de una estancia " y remite a la fidelidad óptica a lo real  desarrollada en la zona lombarda en la estela de la tradición cientifíca leonardesca, iniciadora de la representación vitalista que  del mismo modo informa toda la composición.

Los tonos, en bronceados todos de verde y marrón, se extienden sobre el plano y resultan visibles sólo gracias al reflejo de la luz rasante , que viene de la izquierda , proyecta una sombra bien perfilada en el fondo y juega en las formas y superficies creando contraluces en las partes en sombra de la figura , reflejos cristalinos en el jarro de cristal y breves resplandores en la fruta más oscura ,contribuyendo así a construir las formas.

Mercedes Tamara 
24 -10-2012

Bibliografía : Caravaggio, Edit Biblioteca El Mundo

miércoles, 17 de octubre de 2012

EL ENTIERRO DE LA SARDINA FRANCISCO DE GOYA

EL ENTIERRO DE LA SARDINA 1812-1814
El entierro de la sardina
óleo sobre tabla 82,3 x 32 cm
Madrid, Real Academia de San Fernando


En la fiesta del Miércoles de Ceniza , fúnebre mascarada por la muerte del Carnaval , en la cual la locura colectiva de la época carnavalesca se revive por última vez antes  de la austeridad de la Cuaresma. El pueblo no tiene rostro , baila sin compostura , bajo la enseña luctuosa del mascarón de sonrisa descoyuntada , erigido aquí en  símbolo de las fuerzas incontenibles y ocultas que se desborban sin freno en el`país desgarrado por las atrocidades de la Guerra de la Independencia .
La muchedumbre parece borracha , arrastrada por el torbellino de la orgía ; en  ropaje de diablo , disfrazados con pieles de animales , enmascarados en una grotesca bufonada , hombres y mujeres bailan , se abrazn , gritan , como inconscientes titeres movidos por hilos invisibles y malignos.
En esta frenética alucinación coral, Goya establece un punto de referencia ineludible para los truculentos defiles carnavalescos del belga James Ensor, violento y visionario precursor del Expresionismo de Die Brücke ( El Puente ) . La posición de Goya ante el carnaval era sin duda una mixtura de atracción y repulsión : ciertamente le habría encantado la inversión de papeles que desencadenaba , la parodia de la jerarquía , la mezcla de figuras pintorescas , de alegoría, de vitalidad .
Sin embargo, los frecuentes excesos, el violento desbocarse de estas fiestas sin duda despertaban su típico temor de una crecida de fuerzas caóticas destinadas a producir incontrolables resultados de destrucción , no diferentes de los de que la Guerra de la Independencia ponía ante sus ojos en aquellos años
Mercedes Tamara 
17-10-2012


Bibliografía : Goya , Edit Biblioteca El Mundo

domingo, 14 de octubre de 2012

LA INFANTA MARGARITA DE AUSTRIA DIEGO DE VELÁZQUEZ

LA INFANTA MARGARITA DE AUSTRIA 1660
La infanta Margarita de Austria
óleo sobre lienzo 213x 147 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado








A pesar de la falta de tiempo, Velázquez sigue realizando para la familia real algunos brillantisimos retratos en los cuales perfecciona su técnica, Es precisamente de esos años la producción de retratos de los pequeños infantes , que proporcionan al pintor la oportunidad de traducir a la pintura la delicadeza de la gracia infantil unida a la vena de melancolía que a veces se encuentra en los niños . Este cuadro, que Velázquez no llega a terminar y que será concluido por su discípulo y yerno Juan Bautista del Mazo ,  será su obra postrera.



Las manos y la cabeza pueden atribuirse al discípulo , sobre todo el rostro, " de técnica un tanto pobre y cansada " como con acierto comenta Pantorba. Tampoco la cortina de fondo es digna del nuestro. Por el contrario, nada se puede comparar al vestido de enorme guardainfante , rosado y plateado, con reflejos tan sorprendentes que a poca distancia nos ofrece juegos de luz y realidad ,más poética .Bello es también el gran  pañuelo que pende de la mano derecha, mientras que en la izquierda tiene un ramillete  de rosas y violetas . El traje, descrito por el catálogo del Museo del Prado como " valona cariñana , jubón degollado de grandes haldas, guardainfante rosa de lama de plata " resulta, no obstante, su actual extravagancia, de una incoparable belleza y elegancia.


La infanta Margarita, hija de Felipe IV y Mariana de Austria , desde 1649 segunda esposa del rey , nació en julio de 1651 y todos sus retratos de mano de Velázquez son anteriores a 1660, fecha de la muerte del pintor.







Mercedes Tamara 
14-10-2012 




Bibliografía : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo

lunes, 8 de octubre de 2012

CALLE DE TÁNGER DE MARIANO FORTUNY

Calle de Tánger
acuarela 38,2 x 50,8 cm
The Corcovan Gallery of Art, Washington

Realizada en Roma entre marzo y mayo de 1869, esta acuarela fue una de las primeras obras que pasó a formar parte de la colección de W. H Stewart que llegó a reunir una treintena de obras del artista . Como  explica el propio Stewart, tras haber comprado a Groupil Fantasía árabe en julio de 1867 , quiso conocer a su autor y con esta finalidad, en marzo de 1869, sedesplazó a Roma acompañado por Zarmacois,
amigo de ambos.
Conocedor Stewart de que Fortuny quería ver directamente algunas pinturas de Meissonier, cuya producción sólo conocía a través de  fotografías , se llevó consigo Salte d´un jeu de artes, del pintor francés que formaba parte de la colección.
Como muestra de agradecimiento, Fortuny le prometió la acuarela, que comentamos, la cual finalmente le hizo llegar a través de Groupil , en mayo de aquel mismo año Calle de Tánger, que formó parte de la sala especial dedicada a Fortuny en la Exposición Universal de París de 1878, momento en que falleció éste, se subastó su pinacoteca en Nueva York . Se le adjudicó entonces a W. A Clarkpor 5.000 dolares ( 25.000 francos ) y la legó a la Corcovoran Galleryof Art de Washington.
Fortuny situó el escenario de la obra , que es paradigma, por el tema y por la técnica, de las que en aquel momento les proporcionaron  más notoriedad, en una calle de Tánger, población que había visitado por primera vez en 1862, durante su segundo viaje a Marruecos. La  composición con un edificio en primer término sobre el que destaca  un grupo de personajes y con la callejuela a la derecha en acusada
perspectiva, así como los efectos de la sombra contribuyen a potenciar la mencionada perspectiva, apuntan ya las características que se  manifestarán con rotundidad en su producción granadina inmediatamente posterior.
Para el personaje principal de la figura de píe y de espaldas posó el  pintor francés  Henri Regnault quien , a través del escultor Espinay había visitado por primera vez el taller romano de Fortuny aquel mes de marzo de 1869. Regnault, que al parecer había visto anteriormente  en Madrid algunas acuarelas de Fortuny , quedó tan absolutamente impresionado , ante su producción reciente que no dudó en considerarle " el maestro de todos nosotros ".
Por último, es interesante señalar la relación entre la mencionada figura y que de frente y semidesnuda aparece en otra acuarela no fechada del artista, conservada en el Musée Goya de Castres , que  debió ser realizada en la misma época.


Asimismo cabe apuntar la similitud en cuanto a la fisonomía y la actitud, entre el personaje con túnica azul sentado en el suelo y rescostado contra la pared de la acuarela que nos ocupa y el protagonista único de otra excelente  acuarela no fechada , que formó parte de una exposición individual dedicada a Fortuny celebrada en Zaragoza en 1998
Mercedes Tamara 
8 -10-2012


Bibliografía : Mariano Fortuny, Edic Museo Nacional de Cataluña


martes, 25 de septiembre de 2012

HOJAS DE OTOÑO DE JOHN EVERETT MILLAIS



HOJAS DE OTOÑO 1885-1886
Holas de otoño

óleo sobre lienzo 104,3 x 74 cm
Manchester, Manchester Art Gallery 






Apenas diez años después de formular los principios de los prerrafaelistas , Millais decidió pintar lo que su esposa Effe denominó " una pintura llena de belleza y sin tema " Estas palabras anticipan el Esteticismo o Movimiento Estético y el radical realismo de obras  como La muchacha blanca ( 1861-1862 ) Washington DC National Gallery of Art del  artista norteamericano . J, A, Whistler , que tanto admiraba Millais .


  El  título originario del óleo de Millais es ambiguo ( en inglés significa " Hojas de otoño " como " El otoño pasado " ) y, a diferencia de sus anteriores obras , no reflejan su interés por la moral  y los valores sociales . El escenario es el jardín de Annat Lodge en Perth donde Millais y Effe se habían establecido en 1855 en el horizonte puede verse la torre de la iglesia de St. John´s de dicha población . 

En el centro del lienzo se encuentran cuatro muchachas , todas ellas de menos de 13 años, barriendo y apilando unas hojas que ya han comenzado a quemar cuando el sol empieza  a palidecer en el paisaje escocés . Una fila de álamos rompen la monotonia de la linea del horizonte. La muchacha más joven sostiene una manzana en la mano y causa una  sensación un tanto ausente , Matilde Poudhoum hizo de modelo para la muchacha  con el rastrillo . Millais la descubrió en la Escuela de la Industria , donde-según decía  Effe- " las chicas eran tan feas que ( ella) era la única digna de ser retratada "  ( Jason Rosenfeld y Alison Smith, Millais 2007 ) .

Las interpretaciones de " Hojas de otoño " giran en torno a la puesta del sol , símbolo del fin del día y las hojas marchitas , por lo que esta obra se considera como una reflexión sobre el paso del tiempo . Las melancólicas expresiones de los rostros indican que su juventud pasará , mientras que la presencia apenas esquemática de un hombre con rastillo recuerda la brevedad de la vida . Los temas como la muerte y lo efímero continuaron preocupando a Millais , como resulta evidente en El Brunswicher oscuro ( 1860 )(Liverpool National Museum, Liverpool )y El valle del descanso ( 1858-1859 Londres, Tate ) éste últimoretrata a un grupo de monjas en un cementerio , delante de una tumba abierta.unto a Un sueño en el pasado Sir Isumbras cruzando un vado ( 1857 , Liverpool National Museum Liverpool ) y El valle des descanso y Hojas de otoño marca el final de la asociación de Millais con la Hermandad Prerrafaelista .En este momento ya se había distanciado de Hunt , quien entonces estaba viajando por Tierra Santa y de su antiguo mentor , John Ruskin .


Ya no consideraba tan preponderante prestar su atención a todos los detalles, Millais confesó a Hunt que le parecía " bastante ridiculo " pasarse tanto tiempo pintando" una pequeña franja de cosas verdes sin interés alguno " 

Mercedes Tamara 
25 -09-2012


Bibliografía : El Prerrafaelismo, Edit Taschen

domingo, 9 de septiembre de 2012

CAZADORES EN LA NIEVE DE PIETER BRUEGHEL EL VIEJO

CAZADORES EN LA NIEVE 1565


Cazadores en la nieve
óleo sobre lienzo 117 x 162 cm
Kunsthistorisches Museum


EL fondo de montañas aparece una aldea diseminada en Cazadores en la nieve, paisaje invernal en el que con un torno a un lago helado. Sobre su superficie patinan o se dedican a practicar deportes de invierno un sinfín de pequeños personajes recortados en silueta .
En el primer término a la izquierda , tres cazadores con su jauría regresan del bosque. La vegetación arbórea , desprovista de su follaje , acoge pájaros de distintos tipos que destacan sobre un cielo plomizo y uniforme ; delgadas capas de nieve, en la parte superior de las ramas , las perfilan con nitidez .
El examen de diversos detalles permite profundizar en el método de representación pictórica . La característica luz del invierno emana de las superficies nevadas que carecen de volúmenes y relieves . Por ello, los objetos , los animales y las figuras aparecenvistos en contraluz , la más de las veces en forma de sombras chinescas .
La agrupación de perros y cazadores tienen un especial sentido rítmico , mientras que el tratamiento perspectivo de tales figuras responde a un sistema de escorzo radialque Van Mander en su " Libro del pintor " publicado en 1604 , supone fuera inspirado por el tema popular de " La Rueda de la Fortuna " .
Por encima de todo prevalece en la ejecución una técnica caligráfica y precisa , compuestas por lineas de extraordinaria finura que construyen una animada reticula .

Mercedes Tamara 
9-09-2012



Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume

domingo, 2 de septiembre de 2012

ISABEL DE BORBÓN DE DIEGO VELÁZQUEZ

ISABEL DE BORBÓN 1632
Isabel de Borbón
óleo sobre lienzo 128, 5 x 99,5 cm
Viena, Kuntshistorisches Museum


Isabel, hija del rey francés Enrique IV y de María de Médicis , se casó en 
1615 con el entonces príncipe Felipe, que sería el rey Felipe IV , Velázquez 
la retrata en diversas ocasiones entre 1631 y 1633.

Este lienzo ejecutado en 1632 por encargo del rey , fue regalado a su hermana, 
la infanta María, casada un año antes con su primo Fernando de Habsburgo , 
rey de Hungria y después emperador de Austria. De la casa imperial de austríaca 
pasó al Museo, quizá en el primer cuarto del siglo XIX . Originariamente era tal 
vez un retrato de cuerpo entero . Actualmente, varios críticos sostienen que  
participaron en la obra alumnos del maestro.

En el retrato se recoge el característico motivo del collar que pasa por debajo 
del brazo , detalle visible también en el cuadro conservado en Chicago , buena 
copia del taller del retrato de Viena, que figuró antes en la colección Sackville 
de Londres y luego en el anticuario  J. Boechler de Munich, fue comprado por 
Max L. Epstein en 1927 y catalogado con Mayer como original de Velázquez-

El artista retrata de nuevo a Isabel en una versión actualmente conservada 
en Nueva York en colección particular, donde representa con gran refinamiento 
el traje de la reina . Además de reproducir el esplendor del material , le atraen 
sobre todo, como en muchos cuadros posteriores , los juegos de  luz en la tela 
negra , a la que añade reflejos brillantes y una profusión de tonalidades.

Isabel de Borbón es retratada también a caballo en una pintura sólo retocada
por el artista que se remonta a 1634-1635 y se conserva en el Museo del Prado 
de Madrid.

Mercedes Tamara 
2-09-2012


Bibliografía : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo