HISTORIAS DE LUCRECIA SANDRO BOTTICELLI

HISTORIAS DE LUCRECIA 1500- 1504

Historias de Lucrecia
Temple sobre tabla 80 x 130 cm
Boston, Isabella Stewart Gadner Museum

Tal vez destinado a completar el mueble de madera fijo a la pared de una vivienda , en la época denominada " espaldar " según algunos se trataba de la casa de Guido Antonio Vespucci, que compró una en 1499.

La historia tomada de Livio y Valerio Máximo narra las vicisitudes de Lucrecia , esposa de Collatino, que fue agredida por el hijo de Tarquino el Soberbio Sexto, el cual abusó de ella; después de la violencia , la heroína coge el puñal y se mata . En el centro de la escena se encuentra el cadáver mujer ; Bruto , bajo una columna marmórea coronada por un David que arenga a los soldados a la rebelión que transformará la monarquía en república .

La arquitectura desempeña aquí un papel fundamental , el arco de triunfo recuerda el pintado en el Castigo de los rebeldes , pero en esta ocasión asume el papel de bambalina, mientras que los edificios de los lados evocan atmósferas de Florencia cuatrocentista . Estas alusiones a la ciudad contemporánea podían indicar una voluntad de establecer una comparación entre las vicisitudes narradas en la pintura y las que realmente ocurrieron en Florencia , en especial en cuanto al abuso de la violencia vista como medio para conseguir poder, como posibilidad de rescatar el honor propio.

Mercedes Tamara

28-06-2015

Bibliografia : Botticelli, Edit Biblioteca El Mundo  

EL COLUMPIO FRANCISCO DE GOYA

EL COLUMPIO 1779

El columpio
óleo sobre lienzo 260 x 165 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

Goya en esta obra recurrió a uno de los temas preferidos de los pintores Rococó , como por ejemplo, Watteau, Boucher o Fragonard . Para estos artistas, el acto de columpiarse tenía siempre una connotación claramente erótica , pues columpiar a la amada era una forma simbólica de representar el acto sexual en donde se " aireaban " las piernas de la dama de una forma frívola . En cambio, en este cartón el columpio carece de dichas connotaciones y, aunque en una serie sobre " asuntos del campo " realizada alrededor de 1787 para los duques de Osuna , si pintó este tema en la linea de los franceses , aquí lo hace con la finalidad de crear una escena divertida.

A diferencia de las obras francesas , la maja no está acompañada por su amante, sino por un niño vestido a la moda holandesa , que ha cogido la cuerda del columpio y se prepara para tirar de ella. Al estar el columpio atado a una rama demasiado fina , queda claro que la rama acabará quebrantándose en el momento que comience el balanceo . Además presenciamos un episodio un tanto picaresco en el que participan las figuras de fondo . Tres vaqueros , al cuidado de un manada que  pace parsimoniosamente , miran pícaramente a unas majas que son las criadas de los niños , cuyo lacayo está esperando al lado del carruaje .

Las miradas son correspondidas, pues la que está de espaldas parece devolverles la señales ; quizás se trata de los novios correspondientes, y las mujeres han aprovechado la excursión para concertar una cita con ellos. Los niños , ajenos a estas actividades, actúan con naturalidad y se entretienen en su inocente juego infantil.  La capacidad de Goya para captar la psicología infantil , se aprecia , por ejemplo, en el detalle de las delicadas niñas que están admirando la flor que sostiene la pequeña con el andador que está de espaldas.

Mercedes Tamara

14.06-2015

Bibliografia : Goya , Edit Biblioteca El Mundo 

EL NIÑO AZUL THOMAS GAINBOROUGH

EL NIÑO  AZUL 1770

El niño azul
óleo sobre lienzo 178 x 123 cm
Art Collection, San Marino California

Este retrato causó sensación al ser expuesto por primera vez en 1770, consolidando la fama de Thomas Gainsborough ( 1727-1788 ) como uno de los mejores pintores del momento. Por esa época se ganaba bien la vida en la ciudad de Bath , pero tenía muchas ganas de hacerse un nombre en Londres , cosa que esperaba lograr mostrando El niño azul en un espacio nuevo y prestigioso, la Royal Academy , cuya primera exposición se celebró en 1769.

Probablemente no sea un cuadro de encargo porque está pintado en un lienzo usado , escena de otro retrato . El modelo, Jonathan Bultall , el hijo de un amigo intimo de Gainsborough , y uno de los que llevaron su ataúd en el funeral.

Los cuadros de  Gainsborough son muy vistosos, de una elegancia suprema , y exhiben una técnica brillante y virtuosa . Le gustaba pintar con luz tenue especialmente la de las velas , probable explicación de que sus pinceladas sean tan vaporosas. Por otra parte , rechazó el gusto de su época por los acabados suaves y detallados , e insistió en que su obra siempre se viera desde lejos . Se cuenta que a un cliente que no le hacía caso le comentó sarcásticamente que los "cuadros no eran para olerlos " 

Mercedes Tamara

5-06-2015

PASTORCILLA TEJIENDO JEAN-FRANCOIS MILLET

PASTORCILLA TEJIENDO 1858-1860

Pastorcilla tejiendo
óleo sobre lienzo 39 x 29,5 cm
Paris, Museo de Orsay 

Jean-François Millet (Gruchy, Gréville-Hague, 4 de octubre de 1814 - Barbizon, 20 de enero de 1875) fue un pintor francés realista y uno de los fundadores de la escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de granjeros campesinos, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Se le incluye en los movimientos realista y naturalista

Millet representó casi siempre a sus campesinas realizando alguna labor manual. En este caso la joven está sentada en el suelo lejos de su rebaño y se entretiene tejiendo. Tiene el cayado a un lado, las piernas extendidas y cruzadas. Los arbustos , símbolo de una naturaleza frondosa le ofrecen sombra y protección.

La pastorcilla lleva los típicos zuecos de madera y se cubre con una capa campesina tradicional . Su mundo está totalmente al margen de todo aquello que significa progreso técnico o maquinaria moderna para ayudar a los campesinos y a los pastores en sus tareas . 

Cuando Jean-François Millet se enteró de que los pastores ya no vestían las capas tradicionales sino que las habían sustituido por abrigos de soldado , se hizo enviar una desde Normandia para pintarla en el cuadro pastoril en el que estaba trabajando . Esta anécdota refleja más bien la concepción de la vida que tenía Millet , así como sus ambiciones artísticas : intentó detener y plasmar en sus obras un mundo que ya había empezado a transformarse

Mercedes Tamara ( autora )

27-05-2015

Bibliografia : Wikipedia

RETRATO DE LA INFANTA MARGARITA DIEGO DE VELÁZQUEZ

RETRATO DE LA INFANTA MARGARITA 1653-1654

Retrato de la infanta Margarita
óleo sobre lienzo 70 x 58 cm
Museo del Louvre, Paris

El Louvre conserva un retrato severo y sin concesiones de la reina Mariana, al lado del cual el retrato de la pequeña infanta Margarita, que inspiró a menudo al artista, es de una gracia encantadora. Aun cuando este cuadrito fue terminado por Mazo, yerno de Velázquez, es un buen ejemplo de una técnica a la vez audaz y económica, que dentro de una factura libre esboza los detalles y evoca la calidad de los objetos reales, al mismo tiempo que se sirve de una pincelada moderna que anticipa la de las primeras obras impresionistas de Renoir.

La niña contempla al observador con la mirada perdida . Va espléndidamente vestida y adornada con joyas , como un adulto. La silla labrada situada a la izquierda proporciona una referencia de la temprana edad de esta princesa , que asombra por la seriedad de sus redondos ojos infantiles y por la suavidad de su rostro.

En esta representación  de la hija de Felipe IV ( 1605-1665 ) Velázquez se muestra como un retratista agudo , que logra plasmar la dignidad propia de la pompa cortesana y también la soledad del alma infantil. 

Tanto la profundidad psicológica como la perfección técnica resultan extraordinarias . Algunos colores están aplicados con tosquedad , de manera que se aprecian las huellas del pincel. 

Mercedes Tamara ( autora )

19-05-2015

Bibliografia : Velázquez ,Edit Biblioteca El Mundo 

UNA MANOLA : LEOCADIA ZORILLA FRANCISCO DE GOYA

UNA MANOLA : LEOCADIA ZORILLA 1820-1823

Una manola : Leocadia Zorilla
Pintura mural al óleo traslada al lienzo 145 x 139 cm
Madrid Museo Nacional del Prado

Goya presenta a esta joven de cuerpo entero , apoyada sobre una roca y vestida de negro . Viñaza la intituló en 1887 simplemente , por no entender bien qué atuendo lleva , " una manola " . En realidad no se trata de una moza de pueblo bajo , sino de una mujer elegante que porta sobre un traje una costosa basquilla negra ceñida bajo el pecho. Su disposición entre el paisaje y el traje oscuro nos recuerda los retratos de las mujeres más poderosas del país que Goya había pintado unos años antes , como el duquesa de Alba de 1797 ( Nueva York, Hispanic Society ) o el de la reina Maria Luisa con mantilla de 1799. Desde entonces , la moda ha cambiado y, en vez de lucir las lujosas prendas de encajes de las anteriores modelos , esta mujer viste a la moda imperio . Su postura refleja asimismo las nuevas tendencias del retrato femenino postrerevolucionario francés, en la que pintores como Antoine-Jean Gros o Louis Lèopold Boilly que enfatizaban el carácter pensativo- melancólico de las retratadas.

No se conoce la identidad de esta joven , aunque desde que Antonio Brugada , pintor y amigo de Goya en su exilio de Burdeos , la denominó en su inventario " La Leocadia " se ve en ella a la compañera de los últimos años de la vida del anciano pintor . 

En La Leocadia , la joven adopta la actitud característica de la alegoría de la Melancolía ; tiene la mejilla apoyada sobre una mano y está acodada en unas pieles . El temperamento melancólico forma parte , según algunos autores , del programa iconográfico presente en las pinturas de la quinta , que, de acuerdo con ellos, trataría sobre Saturno y los que viven bajo su influencia , entre ellos, las brujas , protagonistas de la pintura El aquelarre . Por otra parte , la colocación de esta figura al lado de una entrada y al estar apoyada en una roca, que a muchos estudiosos les ha sugerido una tumba , ha hecho pensar que Goya ilustraba en la quinta una bajada a los infiernos . No obstante, la joven sugiere tranquilidad y dominio de las emociones , por lo que contrasta fuertemente con el monstruoso Saturno ( Museo del Prado ) 

Mercedes Tamara

14-05-2015

Bibliografia : Goya , La imagen de la mujer

MAJA DESNUDA FRANCISCO DE GOYA

MAJA DESNUDA 1797-1800

Maja desnuda
óleo sobre lienzo 98 x 101 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

El 16 de marzo de 1851 el tribunal de la Inquisición ordena que se presente Goya " para que reconozca y declare si son obra suya , con qué motivo las hizo, por encargo de quién y qué fines se propuso ". Estas preguntas se referían a las enigmáticas Maja desnuda, Maja vestida . No conocemos sus respuestas, si es que la hubo, y aunque la pareja ha despertado el interés de muchos estudiosos , las cuestiones que ese tribunal planteó siguen sin contestación. No sabemos quien hizo el encargo : en un primer momento la investigación se centró en la duquesa de Alba , quien había regalado a Manuel Godoy La Venus del espejo de Velázquez y una Venus de la escuela italiana del siglo XVI para su " gabinete interior ", donde Pedro González de Sepúlveda vio también la Maja desnuda en 1800. Esta teoría está en relación con la idea de que la figura fuese la de la propia duquesa, quien posteriormente, había encargado que se rehiciese la cabeza para disimular su identidad. La investigación más reciente se inclina a favor del propio Príncipe de la Paz como comitente de las obras, ya que en esos momentos Goya estaba trabajando con él una relación artística muy fructífera.

Baticle menciona como posible modelo a la amante de Godoy , Pepita Tudó , cuya cabeza se había rehecho , según esta autora, al casarse Godoy con la condesa de Chinchón en 1797.

Sabemos con certeza que la Maja desnuda fue pintada antes de 1800, Parece ser que Goya había querido realizar una pareja al estilo de Tiziano, en la que Venus y Adonis, con un desnudo femenino visto de espaldas , era el complemento de Dánae, con un desnudo pintado de frente, o de las Monstruas de Juan Carreño de Miranda , una desnuda y otra vestida ( Licht ). Aunque la Maja vestida es de menor tamaño que la Maja desnuda , también se ha supuesto que la primera servía de " tapadera " para la segunda .

Como fuente de inspiración se destaca la función modélica de las Venus que estaban presentes en ese gabinete, como la de Velázquez  (Harris ) y la copia de Tiziano ( Tomlinson ) o ,también la Bacnal  de Tiziano ( Clark ) de la Colección Real.

Para comprender la maestría de Goya , basta señalar la nueva concepción del desnudo femenino que desarrolla en esta obra: en ella huye de " excusas " para presentar un desnudo que ni duerme ni simula ignorancia sobre la presencia de un voyeur. Todo lo contrario: 

expone a la mujer sin recato, con los brazos bajo la nuca, marcando con su pubis el centro del lienzo . Como encarnación de la belleza femenina por excelencia , la celebraron los visitantes del gabinete secreto de Godoy; como prototipo de la mujer española , hizo carrera en los siglos siguientes . Sepúlveda critica injustamente esta Maja desnuda como obra " sin dibujo ni gracia en el colorido ". No obstante, en un análisis más objetivo que el grabador académico, seguramente escandalizado por tan descarada exposición de un cuerpo desnudo , destaca el gran conocimiento que Goya tenía de la anatomía human, como también apreciarse en sus academias del " natural " o en su apolíneo Cristo en la cruz, obra con la que fue admitido en la Real Academia de San Fernando en 1780. En este cuadro puede verse, al igual que en esta Maja desnuda , cómo el juego de luces frías y sombras moderadas modelan con precisión la superficie del cuadro. En el caso del cuadro que ahora comentamos , la mujer descansa sobre un canapé de terciopelo verde cubierto por una sábana y por una almohada con encajes que asombran por su transparencias sutiles y gradaciones tonales. 

La palidez y la frialdad de las luces , el colorido, la posición del cuerpo y su exposición recuerdan a a la Ariadna de la escultura clásica , pero esta vez despierta para clavar su mirada directamente en el espectador, convirtiendo así el encuentro con éste en un acontecimiento erótico.

Mercedes Tamara

30-04-2015

Bibliografia : Goya: La imagen de la mujer

LA GITANA FRANS HALS

LA GITANA 1528-1530

La gitana
óleo sobre madera 58 x 52 cm
Paris, Museo del Louvre

El mayor retratista holandés representa a una joven desconocida en este busto que muy probablemente no debe ser un retrato sino un estudio de un personaje . El pelo suelto y la indumentaria descuidada demuestran que no se trata de un miembro de la burguesía , razón por la cual se tiende a considerarla como una cortesana .

Con todo , la clase social y la profesión quedan relegadas a un segundo plano ante la increible vivacidad de este cuadro , que representa a una persona pícara , sonriente y segura de si misma . 

Hasta las pinceladas salvajes que definen la blusa constituyen un deleite. Merece la pena observar el reducido número de colores con que está pintado el cuadro , sin ofrecer por ello una apariencia monocroma . El colorido se basa en tonos grises con luz blanca Frans Hals usa un gesto rápido. La técnica en la pincelada es muy suelta, pero bien empastada como era habitual en el pintor holandés. Estas pinceladas discontinuas y superpuestas anticipan el impresionismo de dos siglos y medio posterior. Esto sirve perfectamente para la representación de gesto, un tanto agridulce de la muchacha.

Prescinde Hals, como en la mayoría de sus retratos individuales de fondo paisajístico, si bien aparecen rasgos que podrían aludir a un paisaje rocoso o a un cielo nublado, lo que sugiere que podría ser un retrato ejecutado al aire libre (de plein air). La luz se centra en el rostro y busto de manera intencionada

Mercedes Tamara ( autora )

13-04-2015

Bibliografia : Wikipedia

JOVEN VESTIDA DE ROSA CAMILLE COROT

JOVEN VESTIDA DE ROSA 1860-1865

Joven vestida de rosa
óleo sobre lienzo 45 x 32 cm
París, Museo de Orsay

En esta obra , Corot renuncia a cualquier tipo de escenografía o de atributo simbólico y se decantó por un formato bastante pequeño. La muchacha representada como figura de tres cuartos , dirige su cuerpo y su rostro casí completamente hacía el observador . Ladea un poco la cabeza y se apoya con la mano derecha sobre una mesa , mientras con la otra mano se sujeta el vestido a la altura de la cadera.

Corot recrea una atmósfera de silencio , ensueño juvenil y melancolía por medio de hábiles recursos pictóricos , como la pincelada delicada y suave . El pecho y los brazos de la muchacha están modelados exclusivamente mediante luces y sombras. Ni siquiera los pliegues más profundos del vestido presentan un acabado nítido . El gris del fondo , avivado por la pincelada , se trasluce también en el vestido sobre el que el tono rosa ha sido aplicado muy suavemente . Pero a diferencia de lo que sucede con los restantes elementos compositivos del lienzo, Corot acentúa el rostro pensativo de la joven por medio de una serie de trazos de color. 

El escote , por su parte, aparece enmarcado y resaltado por una puntilla blanca que la rodea . Una diadema de colores adorna el peinado de la muchacha , que luce en su cuello un piedra preciosa o un medallón.

Mercedes Tamara

12-04-2015

LA VIRGEN DE LAS ROCAS LEONARDO DA VINCI

LA VIRGEN DE LAS ROCAS 1483-1486

La Virgen de las rocas
óleo sobre tabla transferido a lienzo 199 x 122 cm
París, Museo del Louvre

La Virgen se encuentra arrodillada bajo las rocas, en compañía de dos niños desnudos y un ángel. María abraza delicadamente a uno de los niños con su brazo derecho , mientras que mantiene la mano izquierda abierta sobre el otro, en un gesto protector. 

El ángel sostiene por la espalda al niño más pequeño . Se trata del Niño Jesús que, con serena seriedad, eleva su manita derecha para bendecir al pequeño San Juan. 

Los cuerpos están modelados plásticamente mediante luces y sombras , y resaltan sobre una especie de película oscura . El suelo rocoso está decorado con plantas, que el artista estudió en la naturaleza. A la izquierda aparece una montaña inhóspita con pronunciadas formaciones rocosas . La armoniosa composición piramidal , las finas transiciones entre los colores y el típico sfumato de Leonardo en el fondo, hacen que este cuadro resulte inolvidable.

Se trata de la tabla central de un retablo que encargaron los franciscanos de Milán para la capilla de la Inmaculada Concepción de María. Los autores fueron , además de Leonardo, los hermanos de Predis y el escultor Giacomo del Maino. En la Galeria Nacional de Londres se encuentra una segunda versión

Mercedes Tamara

11-04-2015

Bibliografia : Da Vinci, Edit Biblioteca El Mundo