EL VALEROSO TEMÉRAIRE REMOLCANDO A SU ÚLTIMO FONDEADERO DE WILLIAM TURNER

EL VALEROSO TEMÉRAIRE REMOLCANDO A SU ÚLTIMO FONDEADERO DE WILLIAM  TURNER

El valeroso Teméraire remolcando
a su último fondeadero de W. Turner

óleo sobre lienzo 91 x 122 cm

Londres, National Galllery

El cuadro del Teméraire es una obra grandiosa , no por sus dimensiones por lo demás habituales sino por la concepción heroica de la escena fundada en un esquema compositivo perfecto anto por el equilibrio de las formas como por la organización suntuosa en la elección de los tonos naranjados y el rojo del crepúsculo alusivo al ultimo viaje del imponente velero.




La crítica lo acogió favorablemente incluso por la elección de los colores " En su sorprendente representación Turner ha satisfecho su amor por los colores fuertes y en fuerte contraste con gran gusto y propiedad."






A justificar esta acogida casi unánime contribuyó evidentemente el asunto del Teméraire que era un gran buque de guerra de noventa y ocho cañones que tomaba su nombre de un navío francés que se había distinguido en la batalla de Trafalgar






Turner tras trazar unos bocetos que se han perdido , el artista hizo un retrato solemne ; plasmó el rito fúnebre de una figura " heroica "y transmitió el carácter emotivo imponente de este rito

Mercedes Tamara Lempicka

16 mayo 2012

EL PUENTE DE LOS SUSPIROS, EL PALACIO DUCAL Y LA ADUANA DE VENECIA . CANALETTO PINTANDO J.M TURNER

EL PUENTE DE LOS SUSPIROS, EL PALACIO DUCAL Y LA ADUANA DE VENECIA 1833

El Puente de los Suspiros , el Palacio Ducal y la Aduana de Venecia _ Canaletto pintando
óleo sobre tabla 51 x 62,5 cm
Londres Tate Gallery

Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775 - Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo. 

El cuadro, que se puede considerar uno de los primeros de una larga serie dedicada a la ciudad de las lagunas , fue ejecutado por Turner antes de su estancia veneciana en agosto de 1833, Fue expuesto en la Royal Academy .

La obra es un evidente homenaje a Canaletto , como Roma desde el Vaticano era un homenaje a Rafael, pero  a diferencia de ésta no contiene elemntos anacrónicos , como la columnata de Bernini, la escena, fielmente topográfica ,describe los edificios , en sombra los de la izquierda, con las embarcaciones meciéndose en el agua , bañados de luz los que se alzan al frente. La pequeña figura de Canaletto , en primer plano a la izquierda, vestido a lo oriental está pintando un tela sobre un caballete y lleva un fastuoso marco barroco . Toda la escena está invadida por la sensación de suspensión; sólo la góndola negra de la derecha , que surca el agua en diagonal , se mueve velozmente conducida por un gondolero , cuyo jubón rojo hace de contrapunto cromático a la proa de las embarcaciones de la izquierda y el traje rojo del artista.

Mercedes Tamara

19-06-2016

Bibliografía _ Wikipedia.

                    

JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS DIEGO DE VELÁZQUEZ

JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS 1635-1636

Juan Martínez Montañés
óleo sobre lienzo 109 x 107 cm
Madrid Museo Nacional del Prado 

La identidad del protagonista de este hermoso retrato y por tanto la fecha siguen siendo discutidas , mientras que su autenticidad ha sido ya aprobada . La opinión dominante es que se trata de Juan Martínez Montañés , amigo de Francisco Pacheco .

Montañés nació en Alcalá la Real el 16 de marzo de 1558 y murió en Sevilla , su patria de adopción , el 18 de junio de 1649. La época más importante de su carrera corresponde a 1605-1620 , época de su famoso Cristo de la Clemencia de la sacristía de la catedral sevillana y de la Inmaculada de la iglesia parroquial de El Pedroso.

La escultura sevillana que se adelanta en su apogeo a la pintura, influyó notablemente en los pintores de la generación de Velázquez y en éste mismo durante su período sevillano ( Inmaculada ,1618 ,Londres National Gallery ) .

Retrata al escultor probablemente mientras éste observa a su augusto modelo , Felipe IV, en una actitud similar al del propio Velázquez en las Meninas , con el instrumento de su oficio ( pincel para el pintor, palillo de modelar para el escultor ) levantando en el aire , no sobre la obra , como para indicar que la actuación artística depende del disegno interno ,que lo coloca a un nivel superior con respecto al arte mecánico , accediendo así, por el contrario, al mundo del Arte.

Destaca el rostro noble penetrante , con la luz sobre el cuello blanco del traje negro , realizado de tal manera que cada palmo de tela se anime con el justo reflejo , con la maestría típica del retratista . Un fondo , más oscuro, alrededor de la cabeza del escultor, más claro junto a su obra , nos proporciona una concentración de efectos . en los ojos que analizan , en la frente que piensa , en la mano pronta a obedecer a la mente del artista-

Mercedes Tamara

29-10-2015

Bibliografia : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo

DOS MUJERES Y UN HOMBRE FRANCISCO DE GOYA

DOS MUJERES Y UN HOMBRE 1820-23

Dos mujeres y un hombre
técnica mixta, pintura mural al óleo ,
trasladada a lienzo 135 x 61,5 cm
Madrid , Museo Nacional del Prado

En febrero de 1819, Goya adquirió a las afueras de Madrid una casa de campo , situada en las cercanías del puente de Segovia , a orillas del río Manzanares . Allí recibía Goya a su familia y amigos y vivía acompañado de Leocadia Zorilla . Durante los años que residió en la quinta alejado de la corte y libre de las restricciones de los trabajos de encargo . Goya se expresó de forma independiente pintando al óleo sobre los muros de las dos salas rectangulares de las plantas baja y alta de su casa . Este conjunto es lo que se conoce como Pinturas negras.

Entre las escenas que decoraban la primera planta de la Quinta del Sordo , se encontraba la composición conocida por Dos mujeres y un hombre . Al contrario de Las Parcas , que vuelan sobre un  amplio paisaje en una composición que ocupaban los muros largos de la sala . Goya situó estos tres personajes en un espacio oscuro , angustioso e indefinido , el cual se repite en las Pinturas negras de los muros estrechos de las dos plantas de su casa.

Una muchacha, situada en segundo plano y que se destaca del fondo por un mantón claro , se asoma hacía adelante para divertirse a costa de un pobre hombre que, vestido con un camisón blanco , se tapa las piernas con una manta. Una segunda moza , de perfil y en primer plano, mira con asombro las facciones grotescas de ese hombre que con la boca abierta parece gesticular obscenamente.

Angulo pensó que ese hombre estaba realizando un acto de onanismo y lo relacionó con el mito de Vulcano , cuyo semen, rechazado por Minerva, cayó sobre Gea ( la Tierra ) , fecundándola de un ser mitad hombre mitad reptil. .

El tema del onanismo aparece ya en la hoja 86 del Album de Madrid , que fue realizado en la década de los noventa. Allí podemos ver a un trío entretenido en un acto erótico claramente onanista . Es curioso que el protagonista del siguiente dibujo de ese álbum sea un sacerdote lúbrico , al que Goya pregunta Buen sacerdote ¿ donde se ha celebrado ? y, que ese dibujo sirviese como base para un Capricho en el que la expresión un tanto obscena del protagonista , que también viste camisón blanco , es muy parecida al hombre de esta pintura

Mercedes Tamara

6-08-2015

Bibliografia: Goya, La imagen de la mujer 

LA INFANTA MARÍA JOSEFA FRANCISCO DE GOYA

 LA INFANTA MARÍA JOSEFA 1800

La infanta María Josefa
óleo sobre lienzo 74 x 19 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

Doña María Josefa de Borbón nació en Geta en 1744 y murió soltera en 1802 . Había pasado inadvertida en la historia si no hubiera sido la hermana del rey Carlos IV e hija de Carlos III y María Amalia de Sajonia . Su mirad atenta , denota su preocupación por el resultado del retrato . Luce en su tocado una gran pluma de avestruz , unos pendientes grandes y pesados y remata su aderezo con un lunar postizo y los labios pintados de rojo.


Goya trató de forma satírica el tema de la vejez de la mujer a lo largo de toda su obra . Cuando pintaba a una mujer mayor de la alta sociedad, como esta infanta , a menudo ridiculizaba su vanidad . Seguramente por ello retrata a María Josefa de Borbón con un lunar postizo grande y negro, aunque sabía que ya no estaba de moda . Tampoco disimula que sus labios finos están hundidos por la falta de dientes . La infanta recuerda a la anciana vanidosa del Capricho 55,o las viejas de El Tiempo donde las protagonistas intentan disimular su vejez con joyas y maquillaje en abundancia y no se dan cuenta de la presencia de Cronos, dios del Tiempo, que está a punto de borrar a una de ellas.

Goya ejecutó este boceto sobre una preparación de tono anaranjado , y nos presenta a la infanta con la banda de la orden de la reína María Luisa cerrando su busto por la parte baja . El pincel, cargado con poca pintura , describe perfectamente las diferentes texturas . Así, utiliza largas pinceladas en las plumas de su tocado o, para el característico brillo de las joyas , breves toques de pintura y, ya, con más definición. Goya describe la más importante del retrato : la faz de la infanta . Ésta aparece sobre la imprimación anaranjada del lienzo , con una tonalidad cálida que Goya matiza por medio de la blancura de la frente y unos toques sobre la nariz. La vestimenta y la banda quedan indicadas de forma esquemática y recorta el busto sobre un fondo negro, que se corresponde con la sombra que tiene la infanta detrás en el retrato final. 

Mercedes Tamara

22-07-2015

RETRATO DE MARGARITA VAN EYCK VAN EYCK

RETRATO DE MARGARITA VAN EYCK 1459

Retrato de Margarita van Eyck
óleo sobre tabla 41,2 x 34,6 cm
Brujas, Groeninge Museum

" Mi marido Jan , me pintó en el año 1459 , el 17 de junio a la edad de treinta y tres años ". Así reza la inscripción que sigue el lema del artista , " ALS ICH KANN "que recorre el marco del cuadro y que ha permitido la identificación del personaje .

El matrimonio se celebró en 1432 o 1433, poco después del definitivo traslado del artista a Brujas, , ya que el primer hijo de la pareja nació en 1434 . De Margarita , que sobrevivió varios años a su esposo, nada sabemos antes de su unión con Van Eyck . En los documentos ducales es mencionada con el título de " Demoiselle " lo que ha hecho pensar a algunos que procediese de la pequeña nobleza y que el duque hubiese presidido la boda de su pintor de corte con una mujer de rango superior. 

No es posible, sin embargo, demostrar esta hipótesis y el atavío refinado que aparece en los retratos del orfebre Jan de Leeuw o en los esponsales de los Arnolfini prueba que el traje ribeteado de piel que lleva la esposa del artista no era privativo de la nobleza sino ya símbolo de la riqueza adquirida por la burguesía . Los cabellos de la mujer quedan ocultos bajo un elaborado tocado de al menos siete capas de frunces .

La comparación con otros retratos femeninos de la época muestran que este tipo de velo estaba muy extendido , pero ninguno llega al número de capas de éste, representado por Van Eyck , con una minucia y una precisión de miniaturista . La habilidad del artista destaca en la manera de figurar el juego caprichoso de los pequeños dobleces y en los pliegues que forma sobre los hombros de la mujer , pero también en las refinadas transiciones claroscuristas .

Con el dominio de la técnica del óleo y el uso de sucesivas y transparentes veladuras de color, logra fijar el paso de la luz a la sombra en la superficie blanca de la tela, así como en la piel de la mujer. La mirada, dirigida hacía espectador , es indicio del destino privado del cuadro y de la familiaridad existente entre el pintor y su modelo.

Mercedes Tamara ( autora )

1-07-2015

Bibliografia : Van Eyck, Edic Taschen 

HISTORIAS DE LUCRECIA SANDRO BOTTICELLI

HISTORIAS DE LUCRECIA 1500- 1504

Historias de Lucrecia
Temple sobre tabla 80 x 130 cm
Boston, Isabella Stewart Gadner Museum

Tal vez destinado a completar el mueble de madera fijo a la pared de una vivienda , en la época denominada " espaldar " según algunos se trataba de la casa de Guido Antonio Vespucci, que compró una en 1499.

La historia tomada de Livio y Valerio Máximo narra las vicisitudes de Lucrecia , esposa de Collatino, que fue agredida por el hijo de Tarquino el Soberbio Sexto, el cual abusó de ella; después de la violencia , la heroína coge el puñal y se mata . En el centro de la escena se encuentra el cadáver mujer ; Bruto , bajo una columna marmórea coronada por un David que arenga a los soldados a la rebelión que transformará la monarquía en república .

La arquitectura desempeña aquí un papel fundamental , el arco de triunfo recuerda el pintado en el Castigo de los rebeldes , pero en esta ocasión asume el papel de bambalina, mientras que los edificios de los lados evocan atmósferas de Florencia cuatrocentista . Estas alusiones a la ciudad contemporánea podían indicar una voluntad de establecer una comparación entre las vicisitudes narradas en la pintura y las que realmente ocurrieron en Florencia , en especial en cuanto al abuso de la violencia vista como medio para conseguir poder, como posibilidad de rescatar el honor propio.

Mercedes Tamara

28-06-2015

Bibliografia : Botticelli, Edit Biblioteca El Mundo  

EL COLUMPIO FRANCISCO DE GOYA

EL COLUMPIO 1779

El columpio
óleo sobre lienzo 260 x 165 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

Goya en esta obra recurrió a uno de los temas preferidos de los pintores Rococó , como por ejemplo, Watteau, Boucher o Fragonard . Para estos artistas, el acto de columpiarse tenía siempre una connotación claramente erótica , pues columpiar a la amada era una forma simbólica de representar el acto sexual en donde se " aireaban " las piernas de la dama de una forma frívola . En cambio, en este cartón el columpio carece de dichas connotaciones y, aunque en una serie sobre " asuntos del campo " realizada alrededor de 1787 para los duques de Osuna , si pintó este tema en la linea de los franceses , aquí lo hace con la finalidad de crear una escena divertida.

A diferencia de las obras francesas , la maja no está acompañada por su amante, sino por un niño vestido a la moda holandesa , que ha cogido la cuerda del columpio y se prepara para tirar de ella. Al estar el columpio atado a una rama demasiado fina , queda claro que la rama acabará quebrantándose en el momento que comience el balanceo . Además presenciamos un episodio un tanto picaresco en el que participan las figuras de fondo . Tres vaqueros , al cuidado de un manada que  pace parsimoniosamente , miran pícaramente a unas majas que son las criadas de los niños , cuyo lacayo está esperando al lado del carruaje .

Las miradas son correspondidas, pues la que está de espaldas parece devolverles la señales ; quizás se trata de los novios correspondientes, y las mujeres han aprovechado la excursión para concertar una cita con ellos. Los niños , ajenos a estas actividades, actúan con naturalidad y se entretienen en su inocente juego infantil.  La capacidad de Goya para captar la psicología infantil , se aprecia , por ejemplo, en el detalle de las delicadas niñas que están admirando la flor que sostiene la pequeña con el andador que está de espaldas.

Mercedes Tamara

14.06-2015

Bibliografia : Goya , Edit Biblioteca El Mundo 

EL NIÑO AZUL THOMAS GAINBOROUGH

EL NIÑO  AZUL 1770

El niño azul
óleo sobre lienzo 178 x 123 cm
Art Collection, San Marino California

Este retrato causó sensación al ser expuesto por primera vez en 1770, consolidando la fama de Thomas Gainsborough ( 1727-1788 ) como uno de los mejores pintores del momento. Por esa época se ganaba bien la vida en la ciudad de Bath , pero tenía muchas ganas de hacerse un nombre en Londres , cosa que esperaba lograr mostrando El niño azul en un espacio nuevo y prestigioso, la Royal Academy , cuya primera exposición se celebró en 1769.

Probablemente no sea un cuadro de encargo porque está pintado en un lienzo usado , escena de otro retrato . El modelo, Jonathan Bultall , el hijo de un amigo intimo de Gainsborough , y uno de los que llevaron su ataúd en el funeral.

Los cuadros de  Gainsborough son muy vistosos, de una elegancia suprema , y exhiben una técnica brillante y virtuosa . Le gustaba pintar con luz tenue especialmente la de las velas , probable explicación de que sus pinceladas sean tan vaporosas. Por otra parte , rechazó el gusto de su época por los acabados suaves y detallados , e insistió en que su obra siempre se viera desde lejos . Se cuenta que a un cliente que no le hacía caso le comentó sarcásticamente que los "cuadros no eran para olerlos " 

Mercedes Tamara

5-06-2015

PASTORCILLA TEJIENDO JEAN-FRANCOIS MILLET

PASTORCILLA TEJIENDO 1858-1860

Pastorcilla tejiendo
óleo sobre lienzo 39 x 29,5 cm
Paris, Museo de Orsay 

Jean-François Millet (Gruchy, Gréville-Hague, 4 de octubre de 1814 - Barbizon, 20 de enero de 1875) fue un pintor francés realista y uno de los fundadores de la escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de granjeros campesinos, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Se le incluye en los movimientos realista y naturalista

Millet representó casi siempre a sus campesinas realizando alguna labor manual. En este caso la joven está sentada en el suelo lejos de su rebaño y se entretiene tejiendo. Tiene el cayado a un lado, las piernas extendidas y cruzadas. Los arbustos , símbolo de una naturaleza frondosa le ofrecen sombra y protección.

La pastorcilla lleva los típicos zuecos de madera y se cubre con una capa campesina tradicional . Su mundo está totalmente al margen de todo aquello que significa progreso técnico o maquinaria moderna para ayudar a los campesinos y a los pastores en sus tareas . 

Cuando Jean-François Millet se enteró de que los pastores ya no vestían las capas tradicionales sino que las habían sustituido por abrigos de soldado , se hizo enviar una desde Normandia para pintarla en el cuadro pastoril en el que estaba trabajando . Esta anécdota refleja más bien la concepción de la vida que tenía Millet , así como sus ambiciones artísticas : intentó detener y plasmar en sus obras un mundo que ya había empezado a transformarse

Mercedes Tamara ( autora )

27-05-2015

Bibliografia : Wikipedia